Mike Oldfield había soñado por mucho tiempo con el momento en que se editase Tubular Bells. Cuando aquello ocurrió no pudo aguantar la presión acumulada y, emocionalmente exhausto por el proceso de grabación y sus propias inseguridades ante la fama desorbitada que estaba adquiriendo, se retiró a su nueva casa de Herefordshire. Fue allí donde comenzó a crear su nueva obra, que más tarde adoptaría el nombre de la cercana colina Hergest Ridge.
Editado en el Reino Unido en septiembre de 1974, al igual que su predecesor, Hergest Ridge era un álbum que contenía un único tema musical, dividido en dos suites por las exigencias obvias del formato LP. De nuevo casi todos los instrumentos fueron tocados por el propio Mike. El efecto más comentado del disco fue el que un crítico llamó "tormenta eléctrica", un segmento de la cara B en el que se interpretaban simultáneamente múltiples guitarras eléctricas distorsionadas. Los demás músicos que contribuyeron al álbum fueron Sally Oldfield y Clodagh Simmonds (voces), June Whiting y Lindsay Cooper (oboes) y Ted Hobart (trompeta). Para Mike, la composición musical era una constante obra en progreso regida por leyes lógicas o emocionales, como si de un cuadro cubista se tratase. El esquema sinfónico usado en Tubular Bells fue continuado en una serie de obras posteriores: Hergest Ridge, Ommadawn, Incantations, Amarok...
Hergest Ridge saltó directamente al número uno de las listas de ventas del Reino Unido, desbancando a Tubular Bells, lo que supone aún hoy en día un hecho excepcional. Virgin Records también lo promocionó en televisión, aunque el eslogan tuvo que cambiarse para este propósito. El anuncio decía originalmente que el álbum estaba disponible en "Virgin (Virgen) y otras inmaculadas tiendas de discos", y tuvo que ser modificado debido a las posibles objeciones que pudiera presentar la Iglesia católica. Aunque algunos críticos vieron Hergest Ridge como una obra inferior a Tubular Bells, la mayoría dio su visto bueno. Un crítico dijo que era "la música rock más cotidiana, con algo de sinfonía clásica", y otro escribió que era "una serie de picos emocionales haciendo explosión aquí y allá a través de una cosquilleante tranquilidad". Hoy en día el álbum ha creado a su alrededor un cierto halo de disco maldito, tal vez por la sombra alargada de su predecesor, o por las circunstancias personales de su compositor en el momento de su grabación. Incluso el propio Oldfield ha hecho varias declaraciones poniendo en duda su calidad, lo que no tiene especial importancia teniendo en cuenta los constantes cambios de opinión que el músico experimenta sobre sí mismo y sobre su obra.
En diciembre de 1974 se presentaron en concierto las versiones orquestales de Tubular Bells y Hergest Ridge en el Royal Albert Hall de Londres. El concierto fue organizado por David Bedford, que dirigió a la Royal Philharmonic Orchestra con solos de guitarra de Steve Hillage. El mismo Mike tocaría la guitarra en la versión de estudio de la primera composición, que fue editada en enero de 1975 con el nombre de The Orchestral Tubular Bells. La escasa repercusión comercial del álbum llevó a la compañía a ahorrarse la publicación de The Orchestral Hergest Ridge. Ese mismo año, un poco más tarde, se presentaron esos mismos arreglos orquestales en conciertos en Glasgow y Newcastle. En Escocia, Hillage tocó las partes de guitarra con la Scottish National Orchestra, y el solista en la zona noreste fue Andy Summers, el que más tarde fuera miembro de The Police.
lunes, 30 de noviembre de 2009
Caravan
Caravan es una banda inglesa del área de Canterbury, fundada por algunos de los miembros del grupo Wilde Flowers: Dave Sinclair, Richard Sinclair, Pye Hastings y Richard Coughlan.Caravan alcanzó el éxito durante los años que van de 1968 a los primeros 70 como parte de la escena de Canterbury, combinando el rock psicodélico y el jazz en un sonido propio, cercano al de sus coetáneos Soft Machine. Caravan sigue en activo a comienzos del siglo XXI.
Tras la disolución de su banda anterior, Wilde Flowers, Dave Sinclair, Richard Sinclair, Pye Hastings y Richard Coughlan formaron Caravan en 1968. Fueron la primera banda inglesa que firmó para un sello estadounidense, Verve Records, que editó ese año su primer disco, homónimo. Al poco tiempo, Verve cerró su apartado de música rock y pop, lo que obligó a Caravan a cambiarse a Decca Records para editar en 1970 su segundo disco, If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You. El grupo apareció en el programa Top of the Tops interpretando la canción que da título al LP. En 1971, Caravan editó en Deram (el sello de Decca especializado en rock progresivo) su tercer disco, In the Land of Grey and Pink. Dave Sinclair abandonó a continuación el grupo y fue reemplazado por el también teclista Steve Miller, que aportó una mayor influencia jazzística, claramente perceptible en el siguiente disco de la banda, Waterloo Lily (1972), que fue recibido con cierta frialdad.
El grupo se separó al poco tiempo, quedando reducido al dúo formado por Hastings and Coughlan. Éstos reclutaron tres nuevos miembros: Geoffrey Richardson (intérprete de viola), el bajista Stu Evans y el teclista Derek Austin. La nueva formación dio numerosos conciertos pero no realizó grabaciones. En 1973, Evans fue reemplazado por John Perry y Dave Sinclair regresó al grupo. Su siguiente álbum, For Girls Who Grow Plump in the Night (1973) se considera una de sus obras más logradas. Perry abandonó poco después el grupo y fue reemplazado por Mike Wedgwood.
La presencia del grupo en las listas de ventas del Reino Unido y EE.UU. fue mínima. Su disco Cunning Stunts alcanzó el puesto 124 en la lista estadounidense. En la lista inglesa, Cunning Stunts llegó al puesto 50 y Blind Dog at St. Dunstan's al 53. Sin embargo, el grupo cuenta con numerosos seguidores, por lo que sus discos siguen en catálogo y sigue dando conciertos. La formación actual incluye a dos de los miembros fundadores, Pye Hastings (guitarra, voz, composición) and Richard Coughlan (batería).
Su disco más conocido es In the Land of Grey and Pink (1971). De él se ha escrito que «demuestra un agudo sentido de la melodía, un ingenio sutilmente cómico y una mezcla seductoramente suave de rock duro, folk, música clásica y jazz, en la que se entremezclan elementos de fantasía tolkieniana». Prolífica e inventiva, la riqueza de ideas de la banda no produjo sencillos accesibles, aptos para la radio. Las reediciones de sus discos en el siglo XXI aportan largas piezas inéditas, que a pesar de su calidad no llegaron a integrarse en sus álbumes de los 70.
La banda permaneció inactiva durante los 80, pero volvió a los escenarios en 1990, para una actuación en televisiva que en principio no iba a tener continuidad. Sin embargo, el grupo cobró nuevos bríos, coincidiendo con la reivindicación del rock progresivo. En 2003 editó un nuevo disco, Unauthorised Breakfast Item.
Discografía
Caravan (1968)
If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You (1970)
In the Land of Grey and Pink (1971)
Waterloo Lily (1972)
For Girls Who Grow Plump in the Night (1973)
Caravan and the New Symphonia (1974)
Cunning Stunts (1975)
Blind Dog at St. Dunstans (1976)
Better by Far (1977)
The Album (1980)
Back to Front (1982)
Live 1990 (1992)
Radio One Live in Concert BBC 1975 (1991)
Cool Water (1994)
Battle of Hastings (1995)
All Over You (1996)
Live: Canterbury Comes to London (1997)
Live in Holland: Back on the Tracks (1998)
Songs for Oblivion Fishermen (1998)
Ether Way (1998)
Show of Our Lives (1998)
Surprise Supplies (1999)
All Over You Too (1999)
Headloss (1999)
The HTD Years (2000)
Where But For Caravan Would I? (2000)
Green Bottles For Marjorie (2002)
Live at Fairfield Halls, 1974 (2002)
The Unauthorised Breakfast Item (2003)
The Show of Our Lives - Caravan at the BBC 1968-1975 (2007)
Tras la disolución de su banda anterior, Wilde Flowers, Dave Sinclair, Richard Sinclair, Pye Hastings y Richard Coughlan formaron Caravan en 1968. Fueron la primera banda inglesa que firmó para un sello estadounidense, Verve Records, que editó ese año su primer disco, homónimo. Al poco tiempo, Verve cerró su apartado de música rock y pop, lo que obligó a Caravan a cambiarse a Decca Records para editar en 1970 su segundo disco, If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You. El grupo apareció en el programa Top of the Tops interpretando la canción que da título al LP. En 1971, Caravan editó en Deram (el sello de Decca especializado en rock progresivo) su tercer disco, In the Land of Grey and Pink. Dave Sinclair abandonó a continuación el grupo y fue reemplazado por el también teclista Steve Miller, que aportó una mayor influencia jazzística, claramente perceptible en el siguiente disco de la banda, Waterloo Lily (1972), que fue recibido con cierta frialdad.
El grupo se separó al poco tiempo, quedando reducido al dúo formado por Hastings and Coughlan. Éstos reclutaron tres nuevos miembros: Geoffrey Richardson (intérprete de viola), el bajista Stu Evans y el teclista Derek Austin. La nueva formación dio numerosos conciertos pero no realizó grabaciones. En 1973, Evans fue reemplazado por John Perry y Dave Sinclair regresó al grupo. Su siguiente álbum, For Girls Who Grow Plump in the Night (1973) se considera una de sus obras más logradas. Perry abandonó poco después el grupo y fue reemplazado por Mike Wedgwood.
La presencia del grupo en las listas de ventas del Reino Unido y EE.UU. fue mínima. Su disco Cunning Stunts alcanzó el puesto 124 en la lista estadounidense. En la lista inglesa, Cunning Stunts llegó al puesto 50 y Blind Dog at St. Dunstan's al 53. Sin embargo, el grupo cuenta con numerosos seguidores, por lo que sus discos siguen en catálogo y sigue dando conciertos. La formación actual incluye a dos de los miembros fundadores, Pye Hastings (guitarra, voz, composición) and Richard Coughlan (batería).
Su disco más conocido es In the Land of Grey and Pink (1971). De él se ha escrito que «demuestra un agudo sentido de la melodía, un ingenio sutilmente cómico y una mezcla seductoramente suave de rock duro, folk, música clásica y jazz, en la que se entremezclan elementos de fantasía tolkieniana». Prolífica e inventiva, la riqueza de ideas de la banda no produjo sencillos accesibles, aptos para la radio. Las reediciones de sus discos en el siglo XXI aportan largas piezas inéditas, que a pesar de su calidad no llegaron a integrarse en sus álbumes de los 70.
La banda permaneció inactiva durante los 80, pero volvió a los escenarios en 1990, para una actuación en televisiva que en principio no iba a tener continuidad. Sin embargo, el grupo cobró nuevos bríos, coincidiendo con la reivindicación del rock progresivo. En 2003 editó un nuevo disco, Unauthorised Breakfast Item.
Discografía
Caravan (1968)
If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You (1970)
In the Land of Grey and Pink (1971)
Waterloo Lily (1972)
For Girls Who Grow Plump in the Night (1973)
Caravan and the New Symphonia (1974)
Cunning Stunts (1975)
Blind Dog at St. Dunstans (1976)
Better by Far (1977)
The Album (1980)
Back to Front (1982)
Live 1990 (1992)
Radio One Live in Concert BBC 1975 (1991)
Cool Water (1994)
Battle of Hastings (1995)
All Over You (1996)
Live: Canterbury Comes to London (1997)
Live in Holland: Back on the Tracks (1998)
Songs for Oblivion Fishermen (1998)
Ether Way (1998)
Show of Our Lives (1998)
Surprise Supplies (1999)
All Over You Too (1999)
Headloss (1999)
The HTD Years (2000)
Where But For Caravan Would I? (2000)
Green Bottles For Marjorie (2002)
Live at Fairfield Halls, 1974 (2002)
The Unauthorised Breakfast Item (2003)
The Show of Our Lives - Caravan at the BBC 1968-1975 (2007)
Mike oldfield - Crises
Mayo de 1983 fue el décimo aniversario del lanzamiento de Tubular Bells. Mike editó su octavo álbum, Crises, y tocó un gran concierto en julio en el estadio londinense de Wembley. Los músicos que lo acompañaron en este evento incluían al batería Simon Phillips (quien tocara en Roxy Music) y a Phil Spalding, el bajista de Toyah.
Crises sería el primer disco hecho con Simon Phillips como coproductor. Sus vocalistas fueron Jon Anderson de Yes y Roger Chapman de Family (en Shadow On The Wall), así como la imprescindible Maggie Reilly. La pista más destacada fue Moonlight Shadow, cantada por Maggie Reilly, que fue entendida por todos como un tributo al por aquel entonces recientemente fallecido John Lennon, y que se convirtió en el single de más éxito de Mike desde que se editara Portsmouth siete años antes. El tema que da nombre al disco comienza con una dulce melodía similar al inicio de Tubular Bells, continuando con una parte blusera seguida de ácidas guitarras, con Mike gritando "Crises, crises... you can't get away". Después una parte mucho más fresca, seguida de un hermoso clímax. Realmente solemne en general. Más de 20 minutos de duración.
Crises sería el primer disco hecho con Simon Phillips como coproductor. Sus vocalistas fueron Jon Anderson de Yes y Roger Chapman de Family (en Shadow On The Wall), así como la imprescindible Maggie Reilly. La pista más destacada fue Moonlight Shadow, cantada por Maggie Reilly, que fue entendida por todos como un tributo al por aquel entonces recientemente fallecido John Lennon, y que se convirtió en el single de más éxito de Mike desde que se editara Portsmouth siete años antes. El tema que da nombre al disco comienza con una dulce melodía similar al inicio de Tubular Bells, continuando con una parte blusera seguida de ácidas guitarras, con Mike gritando "Crises, crises... you can't get away". Después una parte mucho más fresca, seguida de un hermoso clímax. Realmente solemne en general. Más de 20 minutos de duración.
In the Court of the Crimson King - King Crimsom
In the Court of the Crimson King es el primer álbum publicado por el grupo King Crimson en el año 1969. Es usualmente considerado el primer álbum de rock progresivo.
Este álbum se destaca por la combinación de las letras y la instrumentación (con importante influencia de jazz y música clásica). Si bien otros artistas habían fusionado a estos géneros con el rock, el debut de King Crimson tuvo una atmósfera mucho más oscura y reflexiva (en gran parte gracias a las ideas de Peter Sinfield, quien escribió las letras). Además, es uno de los primeros álbumes que se destacan por sus largas canciones (algunos con partes con nombre propio, con muchas improvisaciones y muy complejas), su concepto y su arte de tapa (diseñada por Barry Godber).
El álbum comienza con "21st Century Schizoid Man", una abrasiva mezcla de hard rock y jazz, pero a partir de la siguiente canción ("I Talk To The Wind", que había sido escrita con anterioridad, cuando aún existía Giles, Giles & Fripp) la atmósfera cambia. Se destaca el trabajo de Ian McDonald, el principal compositor, quien además toca el melotrón y la flauta, elementos importantes en el sonido de este disco. La canción más controversial es "Moonchild", que comienza como una canción similar a las que la rodean, pero luego se convierte en una improvisación con influencias de jazz de casi 10 minutos.
Esta formación se disolvería muy pronto y la banda pasaría a ser controlada por el guitarrista Robert Fripp. El siguiente álbum, "In the Wake of Poseidon", tuvo un sonido similar. Sin embargo, este álbum fue muy influyente en la emergente escena del rock progresivo y en el art rock.
Este trabajo alcanzó el puesto 5 en las listas inglesas y el puesto 28 en las de Estados Unidos. Fue remasterizado a fines de los años 1980.
Portada [editar]La portada fue realizada por Barry Godber (1946–1970), artista y programador informático. Godber murió en febrero de 1970 a causa de un infarto de miocardio, al poco tiempo de haberse editado el álbum. Este trabajo constituiría su única pintura, ahora propiedad de Robert Fripp. Con respecto a Godber, Fripp dijo:
Barry Godber no era pintor sino un programador de computadoras. Esta pintura fue la única que hizo. Él era amigo de Peter Sinfield y murió en 1970 de un ataque al corazón, cuando tenía 24 años. Peter trajo la pintura y a la banda le encantó. Recientemente, recubrí el original que estaba en las oficinas de EG porque estaba expuesta a la luz y bajo el riesgo de dañarse, así que acabé quitándola de allí. La cara que aparece afuera es la del Hombre Esquizoide y la de adentro es la del Rey Carmesí. Si miras a la cara sonriente, sus ojos revelan una increíble tristeza. ¿Qué puede uno agregar? Refleja la música.
Lista de temas
21st Century Schizoid Man" (Fripp/McDonald/Lake/Giles/Sinfield) (7:21), incluyendo:
"Mirrors"
"I Talk to the Wind" (McDonald/Sinfield) (6:06)
"Epitaph" (Fripp/McDonald/Lake/Giles/Sinfield) (8:47), incluyendo:
"March For No Reason"
"Tomorrow And Tomorrow"
"Moonchild" (Fripp/McDonald/Lake/Giles/Sinfield) (12:11), incluyendo:
"The Dream"
"The Illusion"
"The Court of the Crimson King" (McDonald/Sinfield) (9:25), incluyendo:
"The Return Of The Fire Witch"
"The Dance Of The Puppets"
King Crimson
Robert Fripp - guitarra
Greg Lake - bajo, voz líder
Ian McDonald - teclados, flauta, mellotron, coros
Michael Giles - batería, percusión, coros
Peter Sinfield - letras
Este álbum se destaca por la combinación de las letras y la instrumentación (con importante influencia de jazz y música clásica). Si bien otros artistas habían fusionado a estos géneros con el rock, el debut de King Crimson tuvo una atmósfera mucho más oscura y reflexiva (en gran parte gracias a las ideas de Peter Sinfield, quien escribió las letras). Además, es uno de los primeros álbumes que se destacan por sus largas canciones (algunos con partes con nombre propio, con muchas improvisaciones y muy complejas), su concepto y su arte de tapa (diseñada por Barry Godber).
El álbum comienza con "21st Century Schizoid Man", una abrasiva mezcla de hard rock y jazz, pero a partir de la siguiente canción ("I Talk To The Wind", que había sido escrita con anterioridad, cuando aún existía Giles, Giles & Fripp) la atmósfera cambia. Se destaca el trabajo de Ian McDonald, el principal compositor, quien además toca el melotrón y la flauta, elementos importantes en el sonido de este disco. La canción más controversial es "Moonchild", que comienza como una canción similar a las que la rodean, pero luego se convierte en una improvisación con influencias de jazz de casi 10 minutos.
Esta formación se disolvería muy pronto y la banda pasaría a ser controlada por el guitarrista Robert Fripp. El siguiente álbum, "In the Wake of Poseidon", tuvo un sonido similar. Sin embargo, este álbum fue muy influyente en la emergente escena del rock progresivo y en el art rock.
Este trabajo alcanzó el puesto 5 en las listas inglesas y el puesto 28 en las de Estados Unidos. Fue remasterizado a fines de los años 1980.
Portada [editar]La portada fue realizada por Barry Godber (1946–1970), artista y programador informático. Godber murió en febrero de 1970 a causa de un infarto de miocardio, al poco tiempo de haberse editado el álbum. Este trabajo constituiría su única pintura, ahora propiedad de Robert Fripp. Con respecto a Godber, Fripp dijo:
Barry Godber no era pintor sino un programador de computadoras. Esta pintura fue la única que hizo. Él era amigo de Peter Sinfield y murió en 1970 de un ataque al corazón, cuando tenía 24 años. Peter trajo la pintura y a la banda le encantó. Recientemente, recubrí el original que estaba en las oficinas de EG porque estaba expuesta a la luz y bajo el riesgo de dañarse, así que acabé quitándola de allí. La cara que aparece afuera es la del Hombre Esquizoide y la de adentro es la del Rey Carmesí. Si miras a la cara sonriente, sus ojos revelan una increíble tristeza. ¿Qué puede uno agregar? Refleja la música.
Lista de temas
21st Century Schizoid Man" (Fripp/McDonald/Lake/Giles/Sinfield) (7:21), incluyendo:
"Mirrors"
"I Talk to the Wind" (McDonald/Sinfield) (6:06)
"Epitaph" (Fripp/McDonald/Lake/Giles/Sinfield) (8:47), incluyendo:
"March For No Reason"
"Tomorrow And Tomorrow"
"Moonchild" (Fripp/McDonald/Lake/Giles/Sinfield) (12:11), incluyendo:
"The Dream"
"The Illusion"
"The Court of the Crimson King" (McDonald/Sinfield) (9:25), incluyendo:
"The Return Of The Fire Witch"
"The Dance Of The Puppets"
King Crimson
Robert Fripp - guitarra
Greg Lake - bajo, voz líder
Ian McDonald - teclados, flauta, mellotron, coros
Michael Giles - batería, percusión, coros
Peter Sinfield - letras
Tales of Mystery and Imagination - The Alan Parsons Project
Tales of Mystery and Imagination es el disco debut de Alan Parsons Project. El concepto del álbum gira en torno de la obra de Edgar Allan Poe a través de 7 cortes.
Su idea original, era hacer un álbum en el que Parsons y Woolfson aportarían la parte instrumental. Mientras que una serie de conocidos cantantes invitados, aportaban la parte vocal. La presentación inaugural de este trabajo en 1976, causó sensación al ser presentado en el Planetario del Observatorio del Parque Griffith, en Inglaterra, acompañado de un show de iluminación láser.
Vocalistas invitados para este fueron Arthur Brown, John Miles y Terry Sylvester. Lo que hace al disco único es que, a diferencia de los discos posteriores, aún con toda la tecnología empleada y con el concepto de progreso que caracteriza a Alan Parsons Project, el disco suena maravillosamente, antiguo y totalmente alejado del modernismo.
Su idea original, era hacer un álbum en el que Parsons y Woolfson aportarían la parte instrumental. Mientras que una serie de conocidos cantantes invitados, aportaban la parte vocal. La presentación inaugural de este trabajo en 1976, causó sensación al ser presentado en el Planetario del Observatorio del Parque Griffith, en Inglaterra, acompañado de un show de iluminación láser.
Vocalistas invitados para este fueron Arthur Brown, John Miles y Terry Sylvester. Lo que hace al disco único es que, a diferencia de los discos posteriores, aún con toda la tecnología empleada y con el concepto de progreso que caracteriza a Alan Parsons Project, el disco suena maravillosamente, antiguo y totalmente alejado del modernismo.
Jethro Tull - One brown mouse
Maravillosa y casi infantil cancion,de hecho la letra esta sacada de un libro de nanas y canciones inglesas para niños,perteneciente al fantastico album Heavy Horses publicado por Jethro Tull el 10 de abril de 1978. Uno de los últimos discos en mostrar el auténtico sabor rural de la banda. Segundo de la trilogía acústica que reivindica la vida bucólica del campo (junto con Songs from the Wood y Stormwatch).
One Brown Mouse
Smile your little smile --- take some tea with me awhile.
Brush away that black cloud from your shoulder.
Twitch your whiskers. Feel that you're really real.
Another tea-time --- another day older.
Puff warm breath on your tiny hands.
You wish you were a man
who every day can turn another page.
Behind your glass you sit and look
at my ever-open book ---
One brown mouse sitting in a cage.
Do you wonder if I really care for you ---
Am I just the company you keep ---
Which one of us exercises on the old treadmill ---
Who hides his head, pretending to sleep?
Smile your little smile --- take some tea with me awhile.
And every day we'll turn another page.
Behind our glass we'll sit and look
at our ever-open book ---
One brown mouse sitting in a cage.
One Brown Mouse
Smile your little smile --- take some tea with me awhile.
Brush away that black cloud from your shoulder.
Twitch your whiskers. Feel that you're really real.
Another tea-time --- another day older.
Puff warm breath on your tiny hands.
You wish you were a man
who every day can turn another page.
Behind your glass you sit and look
at my ever-open book ---
One brown mouse sitting in a cage.
Do you wonder if I really care for you ---
Am I just the company you keep ---
Which one of us exercises on the old treadmill ---
Who hides his head, pretending to sleep?
Smile your little smile --- take some tea with me awhile.
And every day we'll turn another page.
Behind our glass we'll sit and look
at our ever-open book ---
One brown mouse sitting in a cage.
GTR
Supergrupo surgido a mediados de los 80 como colaboración entre dos de los guitarristas más laureados de la escena progresiva de los 70, Steve Hackett, antiguo guitarrista de Genesis y Steve Howe, ex de Yes y Asia.
La banda además contaba con la producción de Geoff Downes, también implicado en Yes y Asia.
El proyecto contó con un exito más que razonable, con el single «When the heart rules the mind» llegando a lo más alto de las listas. Desafortunadamente, la perdida de interés por el proyecto por parte de los dos principales implicados (en especial Steve Hackett) hizo que éste desapareciese cuando se estaba componiendo material para un segundo album.
La banda además contaba con la producción de Geoff Downes, también implicado en Yes y Asia.
El proyecto contó con un exito más que razonable, con el single «When the heart rules the mind» llegando a lo más alto de las listas. Desafortunadamente, la perdida de interés por el proyecto por parte de los dos principales implicados (en especial Steve Hackett) hizo que éste desapareciese cuando se estaba componiendo material para un segundo album.
Kate Bush - The kick inside
Catherine Bush nació el 30 de julio de 1958 en Bexleyheath, Kent (Inglaterra), en el seno de una familia de clase media (su padre era médico). Pasó los años de su niñez en St. Joseph's Convent School, donde estudió violín y piano. A la edad de 16 años fue descubierta por David Gilmour de Pink Floyd, quien quedó asombrado con el talento de la joven Cathy. Logró entonces, por mediación de Gilmour, grabar algunas de sus canciones, de manera que pronto la discográfica EMI se interesó por sus composiciones. Sin embargo, una vez Cathy, desde ahora Kate, firmó un contrato con la casa de discos, no se sumergió directamente en la grabación de su primer trabajo: durante tres años recibió clases de mimo, danza y canto, de manera que pudo desarrollar con creces sus aptitudes y lograr un conocimiento musical profundo.
Llegada a la edad de 19 años, Kate se embarcó en la difícil tarea de registrar sus canciones en el que sería su primer álbum: lanzado en 1978, "The Kick Inside" supuso una propuesta alternativa en un momento en el que el mundo parecía vacilar entre la agitación punk y el disco-pop más descarado. Ciertamente, algunas de las canciones de "The Kick Inside" pueden llegar a resultar "difíciles" al escucharlas por primera vez. Combina baladas románticas con aires de rock psicodélico, folk y reggae. Canciones como la jubilosa "Kite", la fantasmal "Moving" o "Man with the child in his eyes", podrían considerarse algunos de los momentos más significativos del disco, en el cual la particular voz de Kate se apoya en una producción que combina pianos, violines y guitarras psicodélicas
Si una canción puede representar significativamente el éxito inesperado de Kate Bush quizás sea el single "Wuthering Heights": el tema, inspirado en la trágica historia de amor de Cathy y Heathcliff de "Cumbres Borrascosas", se convirtió en uno de los singles más exitosos en las listas musicales europeas, llegando a alcanzar el nº 1 de la lista de singles británica durante varias semanas. Nunca más Kate Bush llegaría tan alto en las listas musicales. El videoclip lanzado para la promoción muestra a una jovencísima Kate Bush caracterizada como un espectro que danza atormentado en un paisaje de niebla.
Cumbres borrascosas
Afuera en el "wiley", páramos ventosos
Rodaríamos y caeríamos a lo verde
Tú tenías un temperamento, como mis celos
Demasiado caliente, demasiado codicioso
¿Cómo podrías dejarme?
Cuando necesito poseerte
Te odiaba, también te amaba
Pesadillas en la noche
Me decían que iba a perder la pelea
Dejar atrás mis borrascosas, borrascosas
Cumbres borrascosas
Heathcliff, soy yo, Cathy vuelve a casa
Tengo tanto frío, permíteme acercarme a tu ventana
Oh, se ha puesto tan oscuro, tan solitario
Del otro lado de ti
Me aflijo, encuentro la suerte
Me caigo sin ti
Estoy volviendo en el amor, cruel Heathcliff
Mi único sueño, mi único amo
Por mucho tiempo he vagado en la noche
Estoy volviendo a su lado para estar bien
Estoy volviendo a casa a las borrascosas, borrascosas
Cumbres borrascosas
Heathcliff, soy yo, Cathy vuelve a casa
Tengo tanto frío, permíteme acercarme a tu ventana
Oh, déjame tenerla, déjame arrebatarte el alma
Oh, déjame tenerla, déjame arrebatarte el alma
Sabes que soy yo, Cathy
Heathcliff, soy yo, Cathy vuelve a casa
Tengo tanto frío, permíteme acercarme a tu ventana
Wuthering Heights |
Out on the wiley, windy moors
We'd roll and fall in green
You had a temper, like my jealousy
Too hot, too greedy
How could you leave me?
When I need to possess you
I hated you, I loved you too
Bad dreams in the night
They told me I was going to lose the fight
Leave behind my wuthering, wuthering
Wuthering Heights
Heathcliff, it's me, Cathy come home
I'm so cold, let me in-a-your window
Oh it gets dark, it gets lonely
On the other side from you
I pine alot, I find the lot
Falls through without you
I'm coming back love, cruel Heathcliff
My one dream, my only master
Too long I roam in the night
I'm coming back to his side to put it right
I'm coming home to wuthering wuthering
Wuthering Heights
Heathcliff it's me Cathy come home
I'm so cold let me in-a-your window
Oh let me have it, let me grab your soul away
Oh let me have it, let me grab your soul away
You know it's me, Cathy
Heathcliff it's me, Cathy come home
I'm so cold, let me in-a-your window.
Gaitas de las islas britanicas
Inglaterra
Antiguamente este país poseía 4 tipos de gaitas, la gaita militar (war pipe), la Half Long Pipe, la Shuttle Pipe; y la gaita pequeña (small pipe). De todas, la primera es de soplido pulmonar y las otras utilizan soplo mecánico. La War Pipe solía tener un solo roncón bajo, o dos tenores y era probablemente similar a la vieja gaita escocesa.
La English Great Bagpipe consta de un puntero cónico. No tieme agujero para el dedo pulgar, utiliza lengüeta doble y los reeds (cañas) escocesas modificadas sirven para ser utilizados en ella. El roncón es bastante largo, tiene, tiene aproximadamente 132 cm, dividido en cuatro secciones de afinación. El fol está cosido. Si se desea soplo mecánico se le puede adosar un fuelle.
La Half Long Pipe puede ser identificada con la Lowand Pipe escocesa. Tiene tres roncones en una sola buxa, un puntero de 30 cm y nueve notas. Pero los roncones en vez de estar dispuestos bajo, tenor y tenor, en este modelo es bajo, barítono y tenor. Al igual que la Lowland, si se toca sentados los roncones descansan sobre las piernas. Si se usa para marchar caen sobre el hombro del gaitero.
La Shuttle-Pipe es muy parecida a la musette con dos roncones y un puntero parecido a la Northumbrian. Ha desaparecido totalmente.
La Nothumbrian Small Pipe es un instrumento netamente de interiores. Por el siglo XVIII a un anónimo artesano se le ocurrió cerrar el puntero y esa ha sido la regla hasta el día de hoy. El único puntero cerrado que se puede encontrar en cualquier tipo de gaita. Este cerramiento permite lograr lo que se denomina ataccato y repetir la misma nota muchas veces sin utilizar “grace notes”. Tiene tres roncones y un puntero con siete llaves.
Escocia
En este país hay cuatro modelos de gaita
- la highland (poib mhor)
- la lowland pipe,
- la lowland pipe (híbrida),
- y la small pipe
La Highland pipe (poib mhor) es primordialmente un instrumento marcial, que ha sido llevado a un alto nivel de perfección tanto en diseño como en manufactura y se la puede encontrar en cualquier parte del mundo. El modelo más antiguo de que se tiene data es de 1409 y se la puede ver en Edimburgo. Consiste en dos roncones tenores colocados en abanico y en una sola buxa, un puntero cónico con 8 agujeros y un soplete. Y aunque el soplete y la parte de la palleta de uno de los roncones fueron reemplazados, conservan muy bien su forma original.
De este tipo de instrumento ha evolucionado hasta hoy la actual gran gaita, habiéndose agregado el tercer roncón o roncón bajo aproximadamente por el año 1700.
Consiste en un odre de cuero de oveja al que se le ajustan cinco buxas en las que se colocan los tres roncones y el puntero con sus lengüetas y el soplete. Este último contrariamente al de los otros países se los fabrica largos, para permitir que el gaitero sostenga el fol bien debajo de su brazo y para mantener la cabeza erecta. Los sopletes de otros países son cortos, y por lo tanto es necesario que el ejecutante sostenga el fol contra su pecho presionando con su antebrazo, también tiende a poner su cabeza inclinándola hacia el piso, algo bastante contrario al orgullo que demuestran los gaiteros escoceses.
Los roncones de la gaita escocesa están colocados en abanico separados entre ellos por una distancia determinada y sostenidos por cordones rematados con una borla en cada extremo. El roncón bajo descansa sobre el hombro del gaitero. Cada roncón tenor tiene una longitud de aproximadamente 37,5 cm. El roncón bajo mide aproximadamente 75 cm y es afinado una octava debajo de los tenores. Este es el modo moderno, pero en el pasado se los solía afinar en quintas. El puntero es cónico con 8 agujeros y dos orejas (que nunca se tapan) el sonido es fuerte y penetrante.
La gaita Lowland es de soplido mecánico, tiene tres roncones en una sola buxa. Estos caen a lo largo del pecho del gaitero, el puntero y los roncones son ligeramente más pequeños que en la highland, pero en términos musicales son lo mismo.
Otro tipo de lowland pipe fue introducida a mediados del siglo XVIII en la forma de una híbrida uillean pipe irlandesa. Usualmente tenía dos roncones y un solo regulador insertados en la misma buxa. El puntero era del modelo de la uillean. Este instrumento no logró el favor de los gaiteros.
La cuarta gaita escosesa es la Small pipe, puede ser de soplo mecánico o de boca. El puntero es como el de la highland pero en miniatura, tiene 17,5 cm de largo y 8 agujeros. Los roncones son 3 y están en la misma buxa. El tono de este instrumento no es más fuerte que el del violín y es muy bueno para tocar en salones. Si bien, de todas las gaitas escocesas, la highland permanece en uso regular la respuesta al contemporáneo interés y renacimiento de este instrumento de la frontera (lowland). El instrumento tiene una gran atracción tanto para los gaiteros de highland como para los músicos folk. El puntero está en Si bemol.
Irlanda
La gaita irlandesa tiene dos formas, bastante distinta una de la otra: la War pipe, de soplido mecánico, perfecta sólo para ambientes cerrados; y la Uillean pipe.
La moderna gaita irlandesa para propósitos militares difiere de la escocesa en un solo aspecto, tiene dos roncones en vez de tres. Ambos tienen buxas separadas, con el roncón bajo descansando sobre el hombro. Otro modelo de War pipe irlandés fue realizado entre 1900 y 1910 por Henry Starck de Londres y bautizada como "Brian Boru" - un legendario rey celta -. Consiste en tres roncones todos colocados en la misma buxa y suenan: tenor, bajo, y barítono. El puntero tiene llaves, puede ser descripto con un puntero de highland con llaves extra y poseedor de grandes capacidades. Se cree que la War pipe fue introducida en Irlanda aproximadamente en 1588.
Pero en el siglo XVIII la uillean pipe se hizo popular y se le hicieron mejoras en su construcción. El puntero tiene 8 agujeros, un largo que varía de los 35 cm a los 42,5 cm y lleva llaves. Los roncones son 3 en una sola buxa y los reguladores pueden ser 3, aunque ocasionalmente llegan a 4. Algunos han llegado a detener el sonido del puntero y continuar la melodía con los reguladores. Los roncones tienen válvulas en las buxas que posibilitan ser silenciados mientras siguen sonando los reguladores. Cuando se necesita un gran volumen, los punteros son construidos para llevar dos lengüetas. Esta gaita lleva lengüetas dobles en el puntero y reguladores simples en los roncones.
Antiguamente este país poseía 4 tipos de gaitas, la gaita militar (war pipe), la Half Long Pipe, la Shuttle Pipe; y la gaita pequeña (small pipe). De todas, la primera es de soplido pulmonar y las otras utilizan soplo mecánico. La War Pipe solía tener un solo roncón bajo, o dos tenores y era probablemente similar a la vieja gaita escocesa.
La English Great Bagpipe consta de un puntero cónico. No tieme agujero para el dedo pulgar, utiliza lengüeta doble y los reeds (cañas) escocesas modificadas sirven para ser utilizados en ella. El roncón es bastante largo, tiene, tiene aproximadamente 132 cm, dividido en cuatro secciones de afinación. El fol está cosido. Si se desea soplo mecánico se le puede adosar un fuelle.
La Half Long Pipe puede ser identificada con la Lowand Pipe escocesa. Tiene tres roncones en una sola buxa, un puntero de 30 cm y nueve notas. Pero los roncones en vez de estar dispuestos bajo, tenor y tenor, en este modelo es bajo, barítono y tenor. Al igual que la Lowland, si se toca sentados los roncones descansan sobre las piernas. Si se usa para marchar caen sobre el hombro del gaitero.
La Shuttle-Pipe es muy parecida a la musette con dos roncones y un puntero parecido a la Northumbrian. Ha desaparecido totalmente.
La Nothumbrian Small Pipe es un instrumento netamente de interiores. Por el siglo XVIII a un anónimo artesano se le ocurrió cerrar el puntero y esa ha sido la regla hasta el día de hoy. El único puntero cerrado que se puede encontrar en cualquier tipo de gaita. Este cerramiento permite lograr lo que se denomina ataccato y repetir la misma nota muchas veces sin utilizar “grace notes”. Tiene tres roncones y un puntero con siete llaves.
Escocia
En este país hay cuatro modelos de gaita
- la highland (poib mhor)
- la lowland pipe,
- la lowland pipe (híbrida),
- y la small pipe
La Highland pipe (poib mhor) es primordialmente un instrumento marcial, que ha sido llevado a un alto nivel de perfección tanto en diseño como en manufactura y se la puede encontrar en cualquier parte del mundo. El modelo más antiguo de que se tiene data es de 1409 y se la puede ver en Edimburgo. Consiste en dos roncones tenores colocados en abanico y en una sola buxa, un puntero cónico con 8 agujeros y un soplete. Y aunque el soplete y la parte de la palleta de uno de los roncones fueron reemplazados, conservan muy bien su forma original.
De este tipo de instrumento ha evolucionado hasta hoy la actual gran gaita, habiéndose agregado el tercer roncón o roncón bajo aproximadamente por el año 1700.
Consiste en un odre de cuero de oveja al que se le ajustan cinco buxas en las que se colocan los tres roncones y el puntero con sus lengüetas y el soplete. Este último contrariamente al de los otros países se los fabrica largos, para permitir que el gaitero sostenga el fol bien debajo de su brazo y para mantener la cabeza erecta. Los sopletes de otros países son cortos, y por lo tanto es necesario que el ejecutante sostenga el fol contra su pecho presionando con su antebrazo, también tiende a poner su cabeza inclinándola hacia el piso, algo bastante contrario al orgullo que demuestran los gaiteros escoceses.
Los roncones de la gaita escocesa están colocados en abanico separados entre ellos por una distancia determinada y sostenidos por cordones rematados con una borla en cada extremo. El roncón bajo descansa sobre el hombro del gaitero. Cada roncón tenor tiene una longitud de aproximadamente 37,5 cm. El roncón bajo mide aproximadamente 75 cm y es afinado una octava debajo de los tenores. Este es el modo moderno, pero en el pasado se los solía afinar en quintas. El puntero es cónico con 8 agujeros y dos orejas (que nunca se tapan) el sonido es fuerte y penetrante.
La gaita Lowland es de soplido mecánico, tiene tres roncones en una sola buxa. Estos caen a lo largo del pecho del gaitero, el puntero y los roncones son ligeramente más pequeños que en la highland, pero en términos musicales son lo mismo.
Otro tipo de lowland pipe fue introducida a mediados del siglo XVIII en la forma de una híbrida uillean pipe irlandesa. Usualmente tenía dos roncones y un solo regulador insertados en la misma buxa. El puntero era del modelo de la uillean. Este instrumento no logró el favor de los gaiteros.
La cuarta gaita escosesa es la Small pipe, puede ser de soplo mecánico o de boca. El puntero es como el de la highland pero en miniatura, tiene 17,5 cm de largo y 8 agujeros. Los roncones son 3 y están en la misma buxa. El tono de este instrumento no es más fuerte que el del violín y es muy bueno para tocar en salones. Si bien, de todas las gaitas escocesas, la highland permanece en uso regular la respuesta al contemporáneo interés y renacimiento de este instrumento de la frontera (lowland). El instrumento tiene una gran atracción tanto para los gaiteros de highland como para los músicos folk. El puntero está en Si bemol.
Irlanda
La gaita irlandesa tiene dos formas, bastante distinta una de la otra: la War pipe, de soplido mecánico, perfecta sólo para ambientes cerrados; y la Uillean pipe.
La moderna gaita irlandesa para propósitos militares difiere de la escocesa en un solo aspecto, tiene dos roncones en vez de tres. Ambos tienen buxas separadas, con el roncón bajo descansando sobre el hombro. Otro modelo de War pipe irlandés fue realizado entre 1900 y 1910 por Henry Starck de Londres y bautizada como "Brian Boru" - un legendario rey celta -. Consiste en tres roncones todos colocados en la misma buxa y suenan: tenor, bajo, y barítono. El puntero tiene llaves, puede ser descripto con un puntero de highland con llaves extra y poseedor de grandes capacidades. Se cree que la War pipe fue introducida en Irlanda aproximadamente en 1588.
Pero en el siglo XVIII la uillean pipe se hizo popular y se le hicieron mejoras en su construcción. El puntero tiene 8 agujeros, un largo que varía de los 35 cm a los 42,5 cm y lleva llaves. Los roncones son 3 en una sola buxa y los reguladores pueden ser 3, aunque ocasionalmente llegan a 4. Algunos han llegado a detener el sonido del puntero y continuar la melodía con los reguladores. Los roncones tienen válvulas en las buxas que posibilitan ser silenciados mientras siguen sonando los reguladores. Cuando se necesita un gran volumen, los punteros son construidos para llevar dos lengüetas. Esta gaita lleva lengüetas dobles en el puntero y reguladores simples en los roncones.
La Bombarda
La bombarda es un instrumento musical de viento madera, encuadrado en la familia de los oboes, muy relacionado con la dulzaina española, empleado en la música tradicional bretona (en bretón se le llama ar borvard o an talabard).
Está compuesto de tres partes: la embocadura, el cuerpo y el pabellón.
el cuerpo, ligeramente cónico y recto, consta de seis o siete agujeros (o más si se le añaden llaves).
el pabellón, hecho con otra pieza de la misma madera, es de forma acampanada, y se encaja con el extremo inferior del tronco.
la embocadura lleva encajada una lengüeta doble.
El instrumento se fabrica con un tipo de madera duro, como boj, peral, guayacán, palisandro o ébano; y puede ir decorado con anillos de estaño, de cuerno, de diversas maderas o incluso de marfil.
Su tonalidad es generalmente en si bemol, en dos octavas (diatónicas), igual que en la gaita escocesa que se emplea en Bretaña (no así la usada en la propia Escocia, que está en la). Existen bombardas en muchas otras tonalidades (fa, sol, sol#, la, sib, si, do, re), según la región.
Puede tocarse en pareja (formando dúo con una gaita bretona, la biniou kozh o la biniou braz), para acompañar las danzas bretonas; dentro de una bagad o acompañada por un órgano en las representaciones más concertantes.
La bombarda posee un sonido claro y potente, que llega lejos. De hecho, exige soplar mucho y un bombardista raramente puede tocar durante mucho tiempo. Habitualmente, la bombarda realiza una frase musical y a continuación el instrumentista se recupera mientras otros instrumentos repiten la frase.
Está compuesto de tres partes: la embocadura, el cuerpo y el pabellón.
el cuerpo, ligeramente cónico y recto, consta de seis o siete agujeros (o más si se le añaden llaves).
el pabellón, hecho con otra pieza de la misma madera, es de forma acampanada, y se encaja con el extremo inferior del tronco.
la embocadura lleva encajada una lengüeta doble.
El instrumento se fabrica con un tipo de madera duro, como boj, peral, guayacán, palisandro o ébano; y puede ir decorado con anillos de estaño, de cuerno, de diversas maderas o incluso de marfil.
Su tonalidad es generalmente en si bemol, en dos octavas (diatónicas), igual que en la gaita escocesa que se emplea en Bretaña (no así la usada en la propia Escocia, que está en la). Existen bombardas en muchas otras tonalidades (fa, sol, sol#, la, sib, si, do, re), según la región.
Puede tocarse en pareja (formando dúo con una gaita bretona, la biniou kozh o la biniou braz), para acompañar las danzas bretonas; dentro de una bagad o acompañada por un órgano en las representaciones más concertantes.
La bombarda posee un sonido claro y potente, que llega lejos. De hecho, exige soplar mucho y un bombardista raramente puede tocar durante mucho tiempo. Habitualmente, la bombarda realiza una frase musical y a continuación el instrumentista se recupera mientras otros instrumentos repiten la frase.
Recomendaciones musicales para este otoño
Ahora que se acerca el otoño, mi época favorita, quisiera recomendaros una serie de discos en la linea de los trabajos que suelo poner en este blog.
Ommadawn, de Mike Oldfield.
En mi humilde opinión, la obra maestra del último genio musical de la Historia.Las atmósferas creadas hacen un recorrido por la música tradicional de varios países, sumergiéndose en algún que otro paisaje medieval y encumbrando momentos magistrales de folk irlandés.
Maravillosas las colaboraciones de músicos de la talla de Paddy Molloney.
Na llende, de Llan de Cubel.
Cualquier trabajo de mis compañeros es óptimo de escuchar en jornadas en las que la oscuridad va ganándole terreno a la luz.. Un trabajo para fijarse en los más ínfimos matices.
El cantar del Alleran que perdió la guerra, toda una joya.
The nine maidens, de John Renbourn.
Uno de mis discos de cabecera. las afinaciones del ex lider de Pentagle nos presentan la combinación más elegante entre el folk inglés y la música que va desde el medievo al barroco. Altamente recomendable para todos aquellos guitarristas que deseen pulir su técnica en el finger-picking y para los amantes de la buena música.
Una Jornada en casa, de Alan Stivell.
Palabras muy mayores, todo un clásico entre los clásicos este trabajo de 1977. El tema Trinquoise nous verres es sin duda una de las melodías más hermosas creadas por el hombre.
The visit, de Loreena McKennitt.
Indispensable, la canadiense, auténtica erudita en el campo musical, nos sorprende una y otra vez con una elegancia y un buen saber hacer propio de los músicos de avanzada factura.
Espero que estas primeras recomendaciones sean de vuestro agrado. Si tenéis alguna duda sobre el tema confío en que me la hagáis llegar.
Ommadawn, de Mike Oldfield.
En mi humilde opinión, la obra maestra del último genio musical de la Historia.Las atmósferas creadas hacen un recorrido por la música tradicional de varios países, sumergiéndose en algún que otro paisaje medieval y encumbrando momentos magistrales de folk irlandés.
Maravillosas las colaboraciones de músicos de la talla de Paddy Molloney.
Na llende, de Llan de Cubel.
Cualquier trabajo de mis compañeros es óptimo de escuchar en jornadas en las que la oscuridad va ganándole terreno a la luz.. Un trabajo para fijarse en los más ínfimos matices.
El cantar del Alleran que perdió la guerra, toda una joya.
The nine maidens, de John Renbourn.
Uno de mis discos de cabecera. las afinaciones del ex lider de Pentagle nos presentan la combinación más elegante entre el folk inglés y la música que va desde el medievo al barroco. Altamente recomendable para todos aquellos guitarristas que deseen pulir su técnica en el finger-picking y para los amantes de la buena música.
Una Jornada en casa, de Alan Stivell.
Palabras muy mayores, todo un clásico entre los clásicos este trabajo de 1977. El tema Trinquoise nous verres es sin duda una de las melodías más hermosas creadas por el hombre.
The visit, de Loreena McKennitt.
Indispensable, la canadiense, auténtica erudita en el campo musical, nos sorprende una y otra vez con una elegancia y un buen saber hacer propio de los músicos de avanzada factura.
Espero que estas primeras recomendaciones sean de vuestro agrado. Si tenéis alguna duda sobre el tema confío en que me la hagáis llegar.
Mike oldfield single 2009(Re-edicion 2009)
Impresionante el sonido logrado a la opera prima de Oldfield,pienso que al fin el genio de Reading ha logrado encontrar el sonido que tanto deseaba para su obra.
Genial.
Genial.
Buzuki irlandes
El buzuki griego fue introducido en la música tradicional irlandesa en los años 60 por Johnny Moynihan y casi inmediatamente también por Andy Irvine. Poco después, el buzuki irlandés comenzó a transformarse en algo parecido a su forma actual. Hoy, el buzuki irlandés juega parte importante en la interpretación de música tradicional irlandesa, casi siempre (pero no siempre) como acompañamiento, sobre todo como mezcla de acordes de dos notas, bajos y contramelodías. Quizás el exponente más conocido de buzuki irlandés es Dónal Lunny, quien también inventó una versión eléctrica del instrumento, conocido como e-zuk.
El buzuki irlandés tiene, generalmente, la caja plana o ligeramente arqueada por detrás (como la caja de una guitarra o de una mandolina irlandesa, americana, o portuguesa) en lugar de arqueada como la del buzuki griego, y, a diferencia de éste, se afina generalmente en Sol - Re - La - Re o Sol - Re - La - Mi (una octava por debajo de la mandolina). Para todos los efectos, el buzuki irlandés moderno pertenece a la familia de la mandolina y tiene de buzuki sólo el nombre. Sin embargo, el buzuki irlandés se diferencia de la mandolina en que tiene un mástil más largo y una afinación característica. Como las mandolinas, los buzukia irlandeses se fabrican con las tapas planas, talladas (arqueadas) y dobladas. Ya casi nadie utiliza el buzuki griego en la música irlandesa de hoy; Alec Finn es el único profesional que se conoce que continúa tocando uno.
La longitud típica de un buzuki irlandés es de 22 a 24 pulgadas (550 a 610 mm), aunque existen algunos de 26 pulgadas (660 mm). Al instrumento de igual afinación pero con una longitud de 20 pulgadas (500 mm) o menos generalmente se le conoce (en Europa y Estados Unidos) como mandola o mandolina octava. Peter Abnett, un luthier inglés, continúa construyendo bouzoukis, mandolas y mandolinas en el presente. Los Luthiers Stefan Sobell y Joe Foley también han sido figuras importantes en el desarrollo de este instrumento.
El buzuki irlandés tiene, generalmente, la caja plana o ligeramente arqueada por detrás (como la caja de una guitarra o de una mandolina irlandesa, americana, o portuguesa) en lugar de arqueada como la del buzuki griego, y, a diferencia de éste, se afina generalmente en Sol - Re - La - Re o Sol - Re - La - Mi (una octava por debajo de la mandolina). Para todos los efectos, el buzuki irlandés moderno pertenece a la familia de la mandolina y tiene de buzuki sólo el nombre. Sin embargo, el buzuki irlandés se diferencia de la mandolina en que tiene un mástil más largo y una afinación característica. Como las mandolinas, los buzukia irlandeses se fabrican con las tapas planas, talladas (arqueadas) y dobladas. Ya casi nadie utiliza el buzuki griego en la música irlandesa de hoy; Alec Finn es el único profesional que se conoce que continúa tocando uno.
La longitud típica de un buzuki irlandés es de 22 a 24 pulgadas (550 a 610 mm), aunque existen algunos de 26 pulgadas (660 mm). Al instrumento de igual afinación pero con una longitud de 20 pulgadas (500 mm) o menos generalmente se le conoce (en Europa y Estados Unidos) como mandola o mandolina octava. Peter Abnett, un luthier inglés, continúa construyendo bouzoukis, mandolas y mandolinas en el presente. Los Luthiers Stefan Sobell y Joe Foley también han sido figuras importantes en el desarrollo de este instrumento.
Gwendal
Gwendal es un grupo de Música Celta de origen francés y breton.
La banda se forma en 1972 por iniciativa de Youenn le Berre y Jean-Marie Renard. El primer álbum no se hizo esperar, y salió a la venta en 1974 con el nombre de "Irish Jig". Desde el primer momento se puede apreciar que este grupo cuenta con una gran multiplicidad de influencias, desde la música tradicional irlandesa hasta el rock pasando por el jazz y la música clásica.
El éxito fue rotundo en cuanto a crítica de medios especializados y en cuanto a venta, lo que lleva al grupo a publicar su segundo LP tan solo un año más tarde con el título de "Joe can't reel". En ésta obra se produce la primera aparición del violín eléctrico de Robert Le Gall, y cuenta con las ilustraciones de Claire Bretécher.
A finales de este año Gwendal incorpora la batería a sus composiciones, con el músico Arnaud Rogers. El tercer LP, "Rainy day", contaba con ilustraciones de Bilal. El cuarto trabajo, "4", sale a la venta en 1979 y es el que más cercano está al rock progresivo y al jazz.
A comienzos de los años 80 Gwendal publica su primer disco en directo, grabado en un concierto dado en Madrid -lo cual denota la buena acogida que tiene la formación gala en España-. La evolución del grupo es tremenda, y en este periodo hay algunos cambios. Jean-Marie Renard deja de lado el apartado musical y se convierte en el manager del grupo, siendo reemplazado por François Ovide. Además, Paul Fort entra en el combo para hacerse cargo de los sintetizadores, mientras que Pascal Sarton toma las riendas del bajo. También el batería es sustituido, por David Rusaouen.
Tras todos estos cambios el sexto disco de Gwendal, "Locomo" (1983), tiene unos aires algo diferentes. "Danse la Musique" sigue con esa dinámica, y más aún tras el cambio de Robert le Gall, que deja el violón en favor del bajo. En 1989 publican "Glen River", que ofrece unas influencias muy setenteras y que obtiene el premio de la Academia Charles Cros.
El próximo disco tardaría seis años en llegar, y "Pan Ha Diskan" (1995) da un giro radical con la inclusión de instrumentos y ritmos africanos e indios. A partir de aquí Gwendal entra en un periodo de reposo en el que sus miembros darán rienda a proyectos más personales y trabajarán por separado. Sin embargo, el grupo, por su acogida en territorio español, sigue manteniendo cierta actividad. Así pues, en 2003 hay una vuelta a la actividad con la inclusión de Ludovic Mesnil y Dan Ar Braz que se materializa en 2005 con el LP "War Raog".
Discos de la banda :
* Irish Jig (1974)
* Joe can´t reel (1976)
* Rainy day (A vos desirs) (1977)
* 4 (Les mouettes se battent) (1977)
* en concert (1981)
* Locomo (1983)
* Danse la musique (1985)
* Glen river (1989)
* Pan Ha Discank (1995)
* War Raog (2005)
* The rolled tit
Recopilatorios de la banda :
* Les Plus Belles Chansons de Gwendal (1994)
* Aventures Celtiques (1998)
La banda se forma en 1972 por iniciativa de Youenn le Berre y Jean-Marie Renard. El primer álbum no se hizo esperar, y salió a la venta en 1974 con el nombre de "Irish Jig". Desde el primer momento se puede apreciar que este grupo cuenta con una gran multiplicidad de influencias, desde la música tradicional irlandesa hasta el rock pasando por el jazz y la música clásica.
El éxito fue rotundo en cuanto a crítica de medios especializados y en cuanto a venta, lo que lleva al grupo a publicar su segundo LP tan solo un año más tarde con el título de "Joe can't reel". En ésta obra se produce la primera aparición del violín eléctrico de Robert Le Gall, y cuenta con las ilustraciones de Claire Bretécher.
A finales de este año Gwendal incorpora la batería a sus composiciones, con el músico Arnaud Rogers. El tercer LP, "Rainy day", contaba con ilustraciones de Bilal. El cuarto trabajo, "4", sale a la venta en 1979 y es el que más cercano está al rock progresivo y al jazz.
A comienzos de los años 80 Gwendal publica su primer disco en directo, grabado en un concierto dado en Madrid -lo cual denota la buena acogida que tiene la formación gala en España-. La evolución del grupo es tremenda, y en este periodo hay algunos cambios. Jean-Marie Renard deja de lado el apartado musical y se convierte en el manager del grupo, siendo reemplazado por François Ovide. Además, Paul Fort entra en el combo para hacerse cargo de los sintetizadores, mientras que Pascal Sarton toma las riendas del bajo. También el batería es sustituido, por David Rusaouen.
Tras todos estos cambios el sexto disco de Gwendal, "Locomo" (1983), tiene unos aires algo diferentes. "Danse la Musique" sigue con esa dinámica, y más aún tras el cambio de Robert le Gall, que deja el violón en favor del bajo. En 1989 publican "Glen River", que ofrece unas influencias muy setenteras y que obtiene el premio de la Academia Charles Cros.
El próximo disco tardaría seis años en llegar, y "Pan Ha Diskan" (1995) da un giro radical con la inclusión de instrumentos y ritmos africanos e indios. A partir de aquí Gwendal entra en un periodo de reposo en el que sus miembros darán rienda a proyectos más personales y trabajarán por separado. Sin embargo, el grupo, por su acogida en territorio español, sigue manteniendo cierta actividad. Así pues, en 2003 hay una vuelta a la actividad con la inclusión de Ludovic Mesnil y Dan Ar Braz que se materializa en 2005 con el LP "War Raog".
Discos de la banda :
* Irish Jig (1974)
* Joe can´t reel (1976)
* Rainy day (A vos desirs) (1977)
* 4 (Les mouettes se battent) (1977)
* en concert (1981)
* Locomo (1983)
* Danse la musique (1985)
* Glen river (1989)
* Pan Ha Discank (1995)
* War Raog (2005)
* The rolled tit
Recopilatorios de la banda :
* Les Plus Belles Chansons de Gwendal (1994)
* Aventures Celtiques (1998)
El arpa europea
Se puede dividir el arpa europea en dos modelos:
Arpa medieval, de origen irlandés, también conocida como arpa Bárdica. No superior a los 75 cm de alta y de afinación diatónica, cuerdas metálicas, ornamentalmente rica en tallas, dibujos e incrustaciones de metal. En la actualidad aun se tienen dos ejemplos claros, uno es el arpa del rey Brian Boru (muerto en 1014) que se puede encontrar en el museo de Dublín, y otra es el arpa de la reina Mary de escocia, en el museo nacional de Edimburgo.
Arpa celta (de origen galés), puede tener hasta 105 cm de altura, 34 cuerdas y con la posibilidad de incorporar sistemas de semitonos.
Ambas tienen el pilar curvado y su caja de resonancia se ensancha en las cuerdas graves. Como consecuencia de cambiar el pilar curvado del arpa celta por uno recto, surge el arpa Minstrel, cuyas formas inspiraron a los constructores de las arpas modernas de concierto. En esta última la colocación de sistemas de semitonos es ya habitual y sus dimensiones aumentan.
Mal llamada muchas veces "arpa céltica" debido a una mala traducción del término anglosajón celtic (celta), el arpa de palancas es un arpa diatónica que admite dos afinaciones para cada cuerda, gracias a una palanca que se acciona manualmente en todas las cuerdas que lo requieran, a lo largo de la tesitura del instrumento. Este sistema permite ejecutar piezas en una amplia variedad de tonalidades, siempre que no se requiera un cambio muy rápido entre una y otra, y que no existan notas alteradas o fuera de la escala básica de la tonalidad en curso. Es un instrumento popular de la música folclórica de muchos países.
Ahora el número de cuerdas se eleva a 47 y son de clases diferentes. Hay 26 en el registro medio que son de tripa de carnero, 10 ó 11 en el registro agudo que son de nylon, en tanto que las 12 restantes son de alpaca o cobre (entorchadas en acero) para el registro grave. La extensión es de 6 octavas y media (de C 1 (alterable mediante afinación manual) a G# 6): esta es la extensión más amplia después del órgano y el piano.
El arpa medieval era diatónica, y el arpa moderna, por el contrario, nació con los primeros intentos de cromatismo que la evolución de la música occidental exigía. Los primeros intentos surgieron de los talleres de luthiers irlandeses en el siglo XVI, que proveyeron al arpa de una doble fila de cuerdas. En el siglo XVII se incorpora una tercera fila, la 1ª la 3ª fila eran diatónicas (29 cuerdas cada fila) mientras que la 2ª fila, con 20 cuerdas, estaba reservada para los semitonos.
En la música pop, el arpa aparece rara vez. Joanna Newsom y Dee Carstensen son cantautoras y arpistas. Un arpista de pedal, Ricky Rasura, es miembro de la banda de "pop sinfónico" The Polyphonic Spree, y la islandesa Björk a veces introduce arpa acústica y eléctrica en su obra, a menudo tocada por Parkins. Art in America fue la primera banda de rock que usó arpa a pedal en una grabación importante, y sólo publicó un álbum, en 1983. El arpa de pedal estaba también presente en el concierto de Michael Kamen y Metallica, S&M como parte de la Orquesta sinfónica de San Francisco. Algunos artistas que siguen la línea de un pop céltico como Clannad y Loreena McKennitt incluyen arpas folclóricas en su obra, siguiendo el trabajo de Alan Stivell.
Arpa medieval, de origen irlandés, también conocida como arpa Bárdica. No superior a los 75 cm de alta y de afinación diatónica, cuerdas metálicas, ornamentalmente rica en tallas, dibujos e incrustaciones de metal. En la actualidad aun se tienen dos ejemplos claros, uno es el arpa del rey Brian Boru (muerto en 1014) que se puede encontrar en el museo de Dublín, y otra es el arpa de la reina Mary de escocia, en el museo nacional de Edimburgo.
Arpa celta (de origen galés), puede tener hasta 105 cm de altura, 34 cuerdas y con la posibilidad de incorporar sistemas de semitonos.
Ambas tienen el pilar curvado y su caja de resonancia se ensancha en las cuerdas graves. Como consecuencia de cambiar el pilar curvado del arpa celta por uno recto, surge el arpa Minstrel, cuyas formas inspiraron a los constructores de las arpas modernas de concierto. En esta última la colocación de sistemas de semitonos es ya habitual y sus dimensiones aumentan.
Mal llamada muchas veces "arpa céltica" debido a una mala traducción del término anglosajón celtic (celta), el arpa de palancas es un arpa diatónica que admite dos afinaciones para cada cuerda, gracias a una palanca que se acciona manualmente en todas las cuerdas que lo requieran, a lo largo de la tesitura del instrumento. Este sistema permite ejecutar piezas en una amplia variedad de tonalidades, siempre que no se requiera un cambio muy rápido entre una y otra, y que no existan notas alteradas o fuera de la escala básica de la tonalidad en curso. Es un instrumento popular de la música folclórica de muchos países.
Ahora el número de cuerdas se eleva a 47 y son de clases diferentes. Hay 26 en el registro medio que son de tripa de carnero, 10 ó 11 en el registro agudo que son de nylon, en tanto que las 12 restantes son de alpaca o cobre (entorchadas en acero) para el registro grave. La extensión es de 6 octavas y media (de C 1 (alterable mediante afinación manual) a G# 6): esta es la extensión más amplia después del órgano y el piano.
El arpa medieval era diatónica, y el arpa moderna, por el contrario, nació con los primeros intentos de cromatismo que la evolución de la música occidental exigía. Los primeros intentos surgieron de los talleres de luthiers irlandeses en el siglo XVI, que proveyeron al arpa de una doble fila de cuerdas. En el siglo XVII se incorpora una tercera fila, la 1ª la 3ª fila eran diatónicas (29 cuerdas cada fila) mientras que la 2ª fila, con 20 cuerdas, estaba reservada para los semitonos.
En la música pop, el arpa aparece rara vez. Joanna Newsom y Dee Carstensen son cantautoras y arpistas. Un arpista de pedal, Ricky Rasura, es miembro de la banda de "pop sinfónico" The Polyphonic Spree, y la islandesa Björk a veces introduce arpa acústica y eléctrica en su obra, a menudo tocada por Parkins. Art in America fue la primera banda de rock que usó arpa a pedal en una grabación importante, y sólo publicó un álbum, en 1983. El arpa de pedal estaba también presente en el concierto de Michael Kamen y Metallica, S&M como parte de la Orquesta sinfónica de San Francisco. Algunos artistas que siguen la línea de un pop céltico como Clannad y Loreena McKennitt incluyen arpas folclóricas en su obra, siguiendo el trabajo de Alan Stivell.
Sessions
Las sessions son reuniones más o menos informales de músicos que se reúnen para interpretar música tradicional irlandesa. Suelen tener lugar en pubs y estar abiertas a cualquiera que sepa interpretar un instrumento. Están profundamente arraigadas en la cultura de Irlanda y constituyen el vehículo principal de interpretación y transmisión de la música tradicional. Entre los instrumentos que se tocan con más frecuencia están el violín, las flautas -incluyendo la flauta de pico tradicional, el whistle, guitarra, bodhrán, bouzouki, acordeón, concertina, banjo y gaita irlandesa
La Zanfona
De este instrumento me encanta hablar,llevo tocandolo desde hace 20 años,y mi padre los ha construido a lo largo de otros tantos años.
Una zanfona (también llamada cinfonía, zanfonía y viola de rueda, en Galicia: zanfoña o zampoña, en Zamora: gaita zamorana y gaita de pobre, en Asturias: Gaita de Rabil y Zanfonía, en el País Vasco: Zarrabete, en Cataluña: Viola de roda, en Palencia: Rabil de manubrio),es un instrumento musical perteneciente a la familia de los cordófonos frotados. Es un instrumento muy extendido en la música popular europea con numerosas variantes en distintas regiones y épocas.
No conviene confundirla con la zampoña, que es un instrumento de viento.
La zanfona se asemeja a un violín mecánico en el que varias cuerdas vibran por la fricción de una rueda en resinada (situada en la caja de resonancia del instrumento) que gira gracias a un manubrio
Las notas cambian al presionar las teclas de un teclado dotado de unas espadillas que acortan la cuerda melódica. La zanfona común tiene dos o tres cuerdas melódicas o cantantes, de las que se obtienen varias notas (alrededor de dos octavas de un piano), y dos o tres bordones a los lados, que emiten una sola nota (generalmente más grave). Esta nota sostenida independiente de la melodía es la que le ha valido el sobrenombre de gaita zamorana o de pobre, debido a la nota sostenida o bordón de la gaita, y debido a esta particularidad es intercambiable por la gaita en muchos estilos de música popular, especialmente en Francia y Hungría. Las zanfonas actuales pueden llegar a tener 23 cuerdas, agrupadas en cuatro categorías: melódicas, bordones, rítmicas (o trompetas) y simpáticas (que vibran sin necesidad de tañerlas porque entran en resonancia).
La zanfona apareció en Europa Occidental hacia el siglo IX. Su origen podría estar en España o tal vez en Oriente Próximo. En sus formas más antiguas se usaba en la música religiosa medieval, requería dos intérpretes y recibía el nombre de organistrum (‘organito’) y más tarde vielle à roue (‘viola a rueda’) y symphonia.
La primera referencia escrita la da el abad Odo de Cluny en su obra Quomodo organistrum construatur (como construir un organistrum) si bien su veracidad es dudosa dado que sólo se conoce a través de citas muy posteriores. También se menciona un instrumento parecido en un compendio musical del árabe Al Zirikli.
La zanfona es uno de los instrumentos que cita El Arcipreste de Hita, don Juan Ruiz (1283-1350). En su obra maestra del mester de clerecía, El Libro de Buen Amor, incluye una interesante relación de Instrumentos musicales utilizados durante este período anterior al Renacimiento; en los capítulos LI y LII, menciona:
...panderos, zamponnas, alboques, caramillo fecho de cana uera, cítola, atambores, guitarra, corpudo laúd, rabé gritador, trompas, annafiles...
A partir del siglo XVI pasó a manos de trovadores, juglares y mendigos. Su época dorada llegó en el siglo XVIII, especialmente en la corte francesa del rey Luis XV, ya que ésta era la referencia de la moda en el resto de Europa. A partir del siglo XVIII la zanfona vuelve a manos populares, ya que en la música académica se imponen otros instrumentos de cuerda de mayor calidad (como los violines, las violas, los violonchelos y los contrabajos).
A mediados del siglo XVIII apareció en Francia la zanfona-órgano conocida como vielle organicée, que desapareció en poco tiempo.
Se le considera un instrumento resultado de la unión de la Sinfonia y Viola medieval realizados a partir de la caja de resonancia de un Laud o una Viola.
Una zanfona (también llamada cinfonía, zanfonía y viola de rueda, en Galicia: zanfoña o zampoña, en Zamora: gaita zamorana y gaita de pobre, en Asturias: Gaita de Rabil y Zanfonía, en el País Vasco: Zarrabete, en Cataluña: Viola de roda, en Palencia: Rabil de manubrio),es un instrumento musical perteneciente a la familia de los cordófonos frotados. Es un instrumento muy extendido en la música popular europea con numerosas variantes en distintas regiones y épocas.
No conviene confundirla con la zampoña, que es un instrumento de viento.
La zanfona se asemeja a un violín mecánico en el que varias cuerdas vibran por la fricción de una rueda en resinada (situada en la caja de resonancia del instrumento) que gira gracias a un manubrio
Las notas cambian al presionar las teclas de un teclado dotado de unas espadillas que acortan la cuerda melódica. La zanfona común tiene dos o tres cuerdas melódicas o cantantes, de las que se obtienen varias notas (alrededor de dos octavas de un piano), y dos o tres bordones a los lados, que emiten una sola nota (generalmente más grave). Esta nota sostenida independiente de la melodía es la que le ha valido el sobrenombre de gaita zamorana o de pobre, debido a la nota sostenida o bordón de la gaita, y debido a esta particularidad es intercambiable por la gaita en muchos estilos de música popular, especialmente en Francia y Hungría. Las zanfonas actuales pueden llegar a tener 23 cuerdas, agrupadas en cuatro categorías: melódicas, bordones, rítmicas (o trompetas) y simpáticas (que vibran sin necesidad de tañerlas porque entran en resonancia).
La zanfona apareció en Europa Occidental hacia el siglo IX. Su origen podría estar en España o tal vez en Oriente Próximo. En sus formas más antiguas se usaba en la música religiosa medieval, requería dos intérpretes y recibía el nombre de organistrum (‘organito’) y más tarde vielle à roue (‘viola a rueda’) y symphonia.
La primera referencia escrita la da el abad Odo de Cluny en su obra Quomodo organistrum construatur (como construir un organistrum) si bien su veracidad es dudosa dado que sólo se conoce a través de citas muy posteriores. También se menciona un instrumento parecido en un compendio musical del árabe Al Zirikli.
La zanfona es uno de los instrumentos que cita El Arcipreste de Hita, don Juan Ruiz (1283-1350). En su obra maestra del mester de clerecía, El Libro de Buen Amor, incluye una interesante relación de Instrumentos musicales utilizados durante este período anterior al Renacimiento; en los capítulos LI y LII, menciona:
...panderos, zamponnas, alboques, caramillo fecho de cana uera, cítola, atambores, guitarra, corpudo laúd, rabé gritador, trompas, annafiles...
A partir del siglo XVI pasó a manos de trovadores, juglares y mendigos. Su época dorada llegó en el siglo XVIII, especialmente en la corte francesa del rey Luis XV, ya que ésta era la referencia de la moda en el resto de Europa. A partir del siglo XVIII la zanfona vuelve a manos populares, ya que en la música académica se imponen otros instrumentos de cuerda de mayor calidad (como los violines, las violas, los violonchelos y los contrabajos).
A mediados del siglo XVIII apareció en Francia la zanfona-órgano conocida como vielle organicée, que desapareció en poco tiempo.
Se le considera un instrumento resultado de la unión de la Sinfonia y Viola medieval realizados a partir de la caja de resonancia de un Laud o una Viola.
El Bodhran
El Bodhrán es un tambor de marco (frame drum) irlandés. El diámetro del marco va desde los 25 a los 66 centímetros, mientras que la profundidad es de entre 9 y 20 centímetros. El tamaño más habitual emplea un marco de entre 35 y 45 centímetros de diámetro con una profundidad de unos 10 centímetros.
A un lado del marco se halla una membrana (o parche) tensada y clavada al marco mediante tachuelas. Tradicionalmente la membrana suele ser de piel de cabra, aunque actualmente es habitual encontrar bodhráin fabricados con pieles de otros animales como el canguro o incluso materiales sintéticos como el kevlar. El otro lado del marco queda abierto. Una o dos barras cruzadas en el interior del marco fortalecen su estructura.
Algunos bodhráin modernos para uso profesional emplean tensores mecánicos que permiten variar la tensión del parche, similares a los empleados en los tambores de las baterías.
Habitualmente se toca sentado, sujetándolo en posición vertical entre el antebrazo y el tronco, con el marco reposando sobre la rodilla, al tiempo que la mano se introduce por el lado abierto del tambor entre las barras cruzadas y la membrana, reposando sobre el lado interior de la piel, lo que permite controlar ligeramente la tensión del parche y variar el tono.
El tambor se toca con la mano libre, bien golpeándolo directamente con la mano desnuda o bien empleando una pieza de madera llamada baqueta (en inglés tipper o beater).
Hay numerosas formas de tocarlo, siendo la mayoría de los estilos denominados con el nombre de la región de Irlanda de donde se originaron. El más común es el estilo Kerry, que usa una baqueta doble.
Aunque común en Irlanda, el bodhrán ha ganado popularidad en el mundo de la música celta, especialmente en Asturias, Bretaña, Galicia y Escocia.
A un lado del marco se halla una membrana (o parche) tensada y clavada al marco mediante tachuelas. Tradicionalmente la membrana suele ser de piel de cabra, aunque actualmente es habitual encontrar bodhráin fabricados con pieles de otros animales como el canguro o incluso materiales sintéticos como el kevlar. El otro lado del marco queda abierto. Una o dos barras cruzadas en el interior del marco fortalecen su estructura.
Algunos bodhráin modernos para uso profesional emplean tensores mecánicos que permiten variar la tensión del parche, similares a los empleados en los tambores de las baterías.
Habitualmente se toca sentado, sujetándolo en posición vertical entre el antebrazo y el tronco, con el marco reposando sobre la rodilla, al tiempo que la mano se introduce por el lado abierto del tambor entre las barras cruzadas y la membrana, reposando sobre el lado interior de la piel, lo que permite controlar ligeramente la tensión del parche y variar el tono.
El tambor se toca con la mano libre, bien golpeándolo directamente con la mano desnuda o bien empleando una pieza de madera llamada baqueta (en inglés tipper o beater).
Hay numerosas formas de tocarlo, siendo la mayoría de los estilos denominados con el nombre de la región de Irlanda de donde se originaron. El más común es el estilo Kerry, que usa una baqueta doble.
Aunque común en Irlanda, el bodhrán ha ganado popularidad en el mundo de la música celta, especialmente en Asturias, Bretaña, Galicia y Escocia.
Uilleann pipes
Uilleann pipes (ilan paips) o gaita irlandesa es un instrumento irlandés de la familia de las cornamusas (gaitas).
Esta gaita es tal vez la más completa. Uno de los mejores músicos de este instrumento fue Seamus Ennis. Existe en Irlanda una organización llamada Na Piobairi Uilleann dedicada a las uilleann pipes.
Comúnmente está afinada en Re mayor, aunque también llegan a encontrarse en Do mayor y Si mayor.
Sus partes son:
- Fuelle: este se utiliza para inflar la bolsa sin necesidad de soplar y se coloca entre el brazo derecho y la cadera.
- Bolsa: esta recibe, almacena y distribuye el aire que llega del fuelle a los distintos tubos de la gaita y se coloca entre el brazo izquierdo y la cadera.
- Chanter: este es el tubo principal y está conectado a la bolsa directamente, produce el sonido con una caña o lengüeta.
- Tronco Principal: está conectado a la bolsa y distribuye el aire a 6 tubos más: 3 roncones y 3 reguladores.
- Roncones: son 3 (tenor, barítono y bajo) y producen una sola nota de fondo cada uno.
- Reguladores: son 3 (tenor, barítono y bajo) y tienen llaves que permiten hacer acordes, son tocados con la parte de abajo de la mano derecha mientras ambas tocan el chanter.
La punta o extremo inferior del chanter debe siempre estar firmemente recargado en el muslo, cerca de la rodilla para que no escape aire por ahí; sólo se destapa para tocar el Re grave o para ciertas técnicas. Sus notas van desde el Re grave, pasan por un Re medio y llegan a un Re agudo; tiene 2 octavas completas. Para la segunda octava debe ejercerse una fuerza mayor en la bolsa. Sus notas son Re grave, Mi g, Fa# g, Sol g, La g, Si g, Do# g, Re medio, Mi m, Fa# m, Sol m, La m, Si m, Do# m y Re agudo.
Los roncones producen la nota Re. El roncón tenor toca un Re de una octava abajo al Re grave del chanter; el barítono un Re de una octava abajo al Re del tenor, y el bajo un Re de una octava abajo al Re del barítono. Un roncón puede apagarse individualmente cerrando su salida de aire con el dedo por unos segundos, después ya no sonará; para que suene de nuevo debe hacerse casi lo mismo: colocar el dedo en la salida de aire del roncón y ejercer una ligeramente mayor presión en la bolsa.
Los reguladores suenan presionando una llave en cada uno, pudiendo tocar una sola nota o acordes o incluso acordes rítmicamente. Entre el tenor y el bajo hay una octava de diferencia; el barítono está en medio. El tenor tiene 5 llaves y con cada una produce una nota; estas son: Fa#, Sol, La, Si y Do. El barítono tiene 4 llaves y sus notas son: Re, Fa#, Sol y La. El bajo tiene 4 llaves y sus notas son: Sol, La, Si y Do.
Las técnicas que se usan en el chanter para adornar o complementar son las siguientes (están en inglés porque no tienen traducción): cut, roll, slide, pop, triplet, trill, hard D, vibrato, ghost D y cran.
Los roncones no tienen técnicas especiales.
Los reguladores tienen unas pocas (algunas en inglés) que son: hold, tap, syncope y tocar arpegios con dedos.
De entre los géneros de música tradicional irlandesa que se tocan con las uilleann pipes están: slow air, mazurka, double jig, polka, hornpipe, reel, set dance y slip jig.
Esta gaita es tal vez la más completa. Uno de los mejores músicos de este instrumento fue Seamus Ennis. Existe en Irlanda una organización llamada Na Piobairi Uilleann dedicada a las uilleann pipes.
Comúnmente está afinada en Re mayor, aunque también llegan a encontrarse en Do mayor y Si mayor.
Sus partes son:
- Fuelle: este se utiliza para inflar la bolsa sin necesidad de soplar y se coloca entre el brazo derecho y la cadera.
- Bolsa: esta recibe, almacena y distribuye el aire que llega del fuelle a los distintos tubos de la gaita y se coloca entre el brazo izquierdo y la cadera.
- Chanter: este es el tubo principal y está conectado a la bolsa directamente, produce el sonido con una caña o lengüeta.
- Tronco Principal: está conectado a la bolsa y distribuye el aire a 6 tubos más: 3 roncones y 3 reguladores.
- Roncones: son 3 (tenor, barítono y bajo) y producen una sola nota de fondo cada uno.
- Reguladores: son 3 (tenor, barítono y bajo) y tienen llaves que permiten hacer acordes, son tocados con la parte de abajo de la mano derecha mientras ambas tocan el chanter.
La punta o extremo inferior del chanter debe siempre estar firmemente recargado en el muslo, cerca de la rodilla para que no escape aire por ahí; sólo se destapa para tocar el Re grave o para ciertas técnicas. Sus notas van desde el Re grave, pasan por un Re medio y llegan a un Re agudo; tiene 2 octavas completas. Para la segunda octava debe ejercerse una fuerza mayor en la bolsa. Sus notas son Re grave, Mi g, Fa# g, Sol g, La g, Si g, Do# g, Re medio, Mi m, Fa# m, Sol m, La m, Si m, Do# m y Re agudo.
Los roncones producen la nota Re. El roncón tenor toca un Re de una octava abajo al Re grave del chanter; el barítono un Re de una octava abajo al Re del tenor, y el bajo un Re de una octava abajo al Re del barítono. Un roncón puede apagarse individualmente cerrando su salida de aire con el dedo por unos segundos, después ya no sonará; para que suene de nuevo debe hacerse casi lo mismo: colocar el dedo en la salida de aire del roncón y ejercer una ligeramente mayor presión en la bolsa.
Los reguladores suenan presionando una llave en cada uno, pudiendo tocar una sola nota o acordes o incluso acordes rítmicamente. Entre el tenor y el bajo hay una octava de diferencia; el barítono está en medio. El tenor tiene 5 llaves y con cada una produce una nota; estas son: Fa#, Sol, La, Si y Do. El barítono tiene 4 llaves y sus notas son: Re, Fa#, Sol y La. El bajo tiene 4 llaves y sus notas son: Sol, La, Si y Do.
Las técnicas que se usan en el chanter para adornar o complementar son las siguientes (están en inglés porque no tienen traducción): cut, roll, slide, pop, triplet, trill, hard D, vibrato, ghost D y cran.
Los roncones no tienen técnicas especiales.
Los reguladores tienen unas pocas (algunas en inglés) que son: hold, tap, syncope y tocar arpegios con dedos.
De entre los géneros de música tradicional irlandesa que se tocan con las uilleann pipes están: slow air, mazurka, double jig, polka, hornpipe, reel, set dance y slip jig.
5 Gaiteros asturianos.
Aqui os dejo una pèqueña seleccion de virtuosos de la gaita de mi tierra.
En entregas sucesivas iremos descubriendo mas,confio en que os gusten.
En entregas sucesivas iremos descubriendo mas,confio en que os gusten.
Clannad - Theme from Harry's Game (directo 2007)
Una de las mayores joyas musicales del folk de avanzada factura...
Imtheochaidh soir is siar
** I will go east and go west
A dtáinig ariamh an ghealach is an ghrian
** From whence came the moon and the sun
Fol lol the doh, fol the day
Fol the doh, fol the day
Imtheochaidh an ghealach's an ghrian
** The moon and the sun will go
An duine óg is a cháil 'na dhiadh
** And the young man with his reputation behind him
Imtheochaidh a dtáinig ariamh
** I will go wherever he came from
An duine óg is a cháil ne dhiadh
** The young man with his reputation behind him
Imtheochaidh soir is siar
** I will go east and go west
A dtáinig ariamh an ghealach is an ghrian
** From whence came the moon and the sun
Fol lol the doh, fol the day
Fol the doh, fol the day
Imtheochaidh an ghealach's an ghrian
** The moon and the sun will go
An duine óg is a cháil 'na dhiadh
** And the young man with his reputation behind him
Imtheochaidh a dtáinig ariamh
** I will go wherever he came from
An duine óg is a cháil ne dhiadh
** The young man with his reputation behind him
The Orchestral Tubular Bells
Interpretacion de la version orquestal de 1974 en 1983,cuando se cumplia el decimo aniversario de Tubular Bells y el inicio de la carrera solista de Mike Oldfield.
Gryphon
El multiinstrumentista Richard Harvey y si compañero del «Royal College of Music», el graduado Brian Gullant, comenzaron como un grupo que mezclaba varios instrumentos acústicos, y tenía influencias de música folk inglesa y medieval. Poco después, el dúo estuvo acompañado por el guitarrista Graeme Taylor y el baterista / percusionista Dave Oberle
.
Después de su debut titulado con el mismo nombre de la banda, comenzaron a incluir guitarras eléctricas y teclados, así como instrumentos de viento, tales como el fagot y el cromorno.
Después de su tercer álbum («RED QUEEN TO GRYPHON THREE») y la posterior gira como teloneros de YES, su instrumentación se hizo más comercial y el uso de instrumentos no convencionales se redujo.
Fans y críticos en general, marcan a «MIDNIGHT MASHRUMPS» y «RED QUEEN TO GRYPHON THREE» (señalado anteriormente) como sus mejores trabajos.
Es una lástima que no hayan seguido produciendo, pues de haberlo hecho serían sin duda uno de los grandes dinosaurios de esta escena. En cambio permanecieron desconocidos, para ser re descubiertos sólo por la gente que se atreve a ir más allá.
Enlace a la pagina del grupo :
http://www.gaudela.net/gryphon/
.
Después de su debut titulado con el mismo nombre de la banda, comenzaron a incluir guitarras eléctricas y teclados, así como instrumentos de viento, tales como el fagot y el cromorno.
Después de su tercer álbum («RED QUEEN TO GRYPHON THREE») y la posterior gira como teloneros de YES, su instrumentación se hizo más comercial y el uso de instrumentos no convencionales se redujo.
Fans y críticos en general, marcan a «MIDNIGHT MASHRUMPS» y «RED QUEEN TO GRYPHON THREE» (señalado anteriormente) como sus mejores trabajos.
Es una lástima que no hayan seguido produciendo, pues de haberlo hecho serían sin duda uno de los grandes dinosaurios de esta escena. En cambio permanecieron desconocidos, para ser re descubiertos sólo por la gente que se atreve a ir más allá.
Enlace a la pagina del grupo :
http://www.gaudela.net/gryphon/
Steeleye Span - Gaudete
Fantastica la version de la obra sacra a manos de los Steeleye Span,liderados por la maravillosa Maddy Pryor...
Disfrutadlo,merece la pena...
Disfrutadlo,merece la pena...
The Smiths - There Is A Light That Never Goes Out
En mi humilde opinión, una de las canciones más hermosas que se hayan escrito.
Escucharla de vez en cuando, me transporta a través del espacio y del tiempo, cuando todo empezó y creíamos que éramos dioses inmortales.
Escucharla de vez en cuando, me transporta a través del espacio y del tiempo, cuando todo empezó y creíamos que éramos dioses inmortales.
Sigur Rós
Sigur Rós es un grupo islandés de post-rock, con elementos de shoegazing y minimalismo. El nombre es islandés y signífica "rosa de victoria".
Sigur Rós estaba compuesto originalmente por Jón Þór Birgisson (Jónsi, guitarra y voz), Georg Hólm (Goggi, bajo) y Ágúst Ævar Gunnarsson (batería). Posteriormente en 1999 ingresó a la banda Kjartan Sveinsson (Kjarri, teclado) para la publicación de Ágætis byrjun. En 1999, Ágúst Ævar Gunnarsson abandonó el grupo tras la grabación de Ágætis byrjun, siendo reemplazado por Orri Páll Dýrason (batería). Jón Þór Birgisson (Jónsi), Georg Hólm y Ágúst Ævar Gunnarsson formaron el grupo en Reykjavík, Islandia, en agosto de 1994. El nombre del grupo fue tomado de la hermana menor de Jónsi, llamada Sigurrós, la cual nació el mismo día. El grupo pronto ganó un contrato con la discográfica local, Bad Taste. En 1997, lanzaron Von (Esperanza) y en 1998 la colección de remezclas Von brigði (Vonbrigði significa en islandés "decepción", pero Von brigði significa "alteración de la esperanza"). En inglés, el álbum Von brigði es conocido usualmente por su nombre alternativo, "Recycle Bin", que significa Papelera de reciclaje.)
El reconocimiento internacional llegó en 1999 con el lanzamiento de Ágætis byrjun (Un buen comienzo), para lo cual el grupo integró a Kjartan Sveinsson.
En octubre de 2003, Sigur Rós junto con Radiohead compusieron música para la pieza de danza de Merce Cunningham, llamada Split Sides; las tres canciones de Sigur Rós fueron llamadas Ba Ba/Ti Ki/Di Do y fueron lanzadas en marzo de 2004. En octubre de 2004, el primer álbum de 1997, Von fue puesto finalmente en venta en Estados Unidos y el Reino Unido. Su último álbum, Takk... (Gracias...), fue lanzado el 3 de septiembre de 2005, con la descarga legal de su primer sencillo, Glósóli, publicado el 15 de agosto. Para los fanáticos de norteamérica, Sæglópur fue puesta a disposición para su descarga el 16 de agosto. Hoppípolla, el segundo sencillo oficial de Takk..., fue lanzado el 28 de noviembre junto con una nueva remezcla de estudio de Hafssól, una canción que fue previamente lanzada por la banda en el primer álbum de 1997, Von. a finales del 2005 lanzaron el EP de Sæglópur, el cual incluye dos cd el primero con tres temas nuevos y el segundo con tres videos. El grupo también ha escrito el libreto del video musical Sæglópur, que fue dirigido por ellos.
Recientemente han publicado el último álbum de estudio "Hvarf-Heim" (2007).
El 23 de junio de 2008 se lanzó mundialmente a la venta su nuevo disco með suð í eyrum við spilum endalaust ( en español: Con un zumbido en la oreja tocamos eternamente), grabado a principios de año. Su nuevo video del tema Gobbledigook ya se puede ver en los canales de música o en la propia página de Sigur rós, donde también se puede descargar gratuitamente la canción.
Sigur Rós ha vendido cerca de dos millones de álbumes alrededor del mundo.
Álbumes
* Von, 1997. * Von brigði, 1998. * Ágætis byrjun, 1999. * ( ), 2002. * Takk..., 2005. * Hvarf-Heim, 2007. * Með suð í eyrum við spilum endalaust, 2008.
Sencillos
* Svefn-g-englar, 1999. * Ný batterí, 2000. * Steindór Andersen / Rímur EP, 2001. * Untitled #1 (A.K.A. Vaka), 2003. * Ba Ba/Ti Ki/Di Do, 2004. * Glósóli, 2005. * Sæglópur, 2005. * Sæglópur(Japan Tour CD), 2005. * Hoppípolla, 2005. * Hljómalind, 2007. * Gobbledigook, 2008.
Otros:
* Smekkleysa í hálfa öld, 1994. * Popp í Reykjavík (álbum), 1998. * Popp í Reykjavík (película), 1998. * Englar alheimsins (álbum), 2000. * Englar alheimsins (película), 2002. * Hlemmur (banda sonora) 2002.
Colaboraciones
* Vanilla Sky, 2001. * The Loss Ness Kelpie, 2002. * Hrafnagaldur óðin´s (Odin´s Raven Magic), 2002. * The Album Leaf: In a Safe Place, 2004. * Síðasti Bærinn, 2004. * Immortel (ad vitam), 2004.
Nuevo Material:
* Hlemmur DVD+CD, julio 2007.
Incluye el documental del mismo nombre junto con la banda sonora compuesta enteramente por la banda.
* Hvart-Heim Doble CD, Noviembre 2007.
Albúm doble, Hvarf contiene versiones de estudio de canciones que no han sido lanzadas (exceptuando a "Hafsól") y Heim incluye versiones de estudio acústicas.
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