Paula Cole nació en Rockport, EE.UU., en 1968. Después de estudiar jazz y composición en el prestigioso Berklee College of Music, trabajó como músico profesional. Peter Gabriel la llevó en su gira mundial del año 1992-1993 y Cole publicó su álbum de debut "Harbinger" en 1994. Su siguiente disco, "This Fire" (1996), se convirtió en un hit. La canción "I Don't Want to Wait", perteneciente a "This Fire", se convirtió en el tema de la serie "Dawson's Creek" y se volvió a editar en el 98. Su tercer álbum "Amen", apareció un año después.
¿Dónde está mi John Wayne ¿Dónde está mi canción de la pradera ¿Dónde está mi final feliz ¿Dónde han ido todos los vaqueros?
Oh, you get me ready in your '56 Chevy Why don't we go sit down in the shade? Take shelter on my front porch The dandelion, sun scorching Like a glass of cold lemonade? I will do laundry if you pay all the bills
Where is my John Wayne? Where is my prairie song? Where is my happy ending? Where have all the cowboys gone?
Why don't you stay the evening? Kick back and watch the TV And I'll fix a little something to eat Oh, I know your back hurts from working on the tractor How do you take your coffee, my sweet? I will raise the children if you pay all the bills
I am wearing my new dress tonight But you don't, but you don't even notice me (Say our goodbyes...)
We finally sell the Chevy When we had another baby And you took the job in Tennessee You made friends at the farm And you joined them at the bar Almost every single day of the week I will wash the dishes while you go have a beer
Where is my Marlboro man? Where is his shiny gun? Where is my lonely ranger? Where have all the cowboys gone?
Deleitémonos con un soberbio tema grabado en directo y extraido del indispensable Elements,(me refiero al formato de caja y no al penoso y obvio L.P del mismo nombre...) Genial.
Louisa John-Krol es una artista australiana del genero romantico pop- etereo feerico. Ha lanzado 5 albumes en solitario hasta la fecha (todos curiosamente comienzan con la letra A), originalmente publicados por el sello alemán Hyperium Records y en los años recientes con el sello francés Prikosnovénie.
También ha trabajado en innumerables proyectos con otros artistas, incluyendo dos bandas sonoras. Su trabajo ha sido incluido también en una docena de compilaciones. Ha sido comparada frecuentemente con Loreena McKennitt y Kate Bush.
Todas las letras de sus canciones provienen de cuentos de hadas y literatura en general. Ella también trabajó como «cuenta-cuentos» además de enseñar música y literatura.
Rush es una banda de hard rock y rock progresivo de origen canadiense compuesta por el bajista, teclista y vocalista Geddy Lee (cuyo verdadero nombre es Gary Lee Weinrib), el guitarrista Alex Lifeson (cuyo verdadero nombre es Alexander Zivojinovich) y el baterista Neil Peart. La banda fue fundada en septiembre de 1968, en Sarnia, Ontario, por Lifeson, el bajista y cantante Jeff Jones (reemplazado un mes después por Lee) y el baterista John Rutsey. Grabaron su primer álbum a principios de 1974 y posteriormente, en julio de 1974, Peart reemplazó a Rutsey en la batería, para así completar la formación actual. Desde entonces, Rush, aún habiendo experimentado con toda clase de tendencias musicales dentro del rock, sigue manteniendo vigencia como uno de los referentes legendarios del género.
Rush ha sido merecedor del Premio Juno (equivalente canadiense de los Grammy) en varias ocasiones. Además, Lee, Lifeson, y Peart han sido condecorados con la Orden de Canadá, en el grado de Oficiales.
Con el paso del tiempo, el estilo musical de Rush ha ido cambiando significativamente. Su primer álbum tiene un sonido similar al de las bandas de rock británicas Led Zeppelin y The Who, pero en los siguientes discos su estilo evolucionó, influenciado principalmente por el movimiento británico de rock progresivo, pero manteniendo el hard rock como núcleo de su sonido.
La alineación original de Rush se reunió por primera vez en septiembre de 1968, con Jeff Jones (bajista y vocalista), John Rutsey (batería y coros) y Alex Lifeson (guitarrista y coros), siendo el hermano mayor de Rutsey quien sugirió el nombre Rush. Ese mismo mes, Jones fue reemplazado por un compañero de escuela de Lifeson, Geddy Lee, que era quien les prestaba el amplificador para que Jones pudiera tocar. Después de varios intentos infructuosos de lograr fama, Lee, Lifeson, y Rutsey finalmente grabaron su primer álbum en 1974, titulado simplemente Rush, muy semejante en sonoridad al estilo de Led Zeppelin, aunque más rocanrolero. Rush tuvo una fama local algo limitada, hasta que su lanzamiento original, distribuido por Moon Records, fue recogido por Donna Halper, quien era DJ en una estación de radio de Cleveland. Esta popularidad llevó a que el álbum fuera redistribuido por Mercury Records, la compañía discográfica de Rush hasta 1987.
Ese mismo año, Rutsey renunció debido a problemas de salud y disgustos por lo apretado de las giras. Rush comenzó a audicionar un baterista reemplazante y terminaron seleccionando a Neil Peart, quien llevó a Rush por un camino más progresivo a través de los siguientes álbumes, Fly by Night, Caress of Steel y el álbum conceptual 2112. Las letras en esa época fueron más densas y estaban muy influenciadas por la poesía clásica y literatura de ciencia ficción y, en algunos casos, por los escritos y conceptos filosóficos de Ayn Rand, como se evidencia más claramente en la canción "Anthem" (basada en una novela de Rand) y el álbum 2112.
Muchas de sus primeras canciones recibieron poca exposición debido a su larga duración (en algunos casos más de 10 minutos). Una notable excepción fue "Closer to the Heart" (de 3 minutos) de su álbum A Farewell to Kings (1977), que fue ampliamente radiado, convirtiéndose posteriormente en la canción emblemática de la banda canadiense. También de A Farewell to Kings, "Xanadu" (una de sus canciones épicas) se convirtió en una favorita de los fanáticos.
En 1978, el álbum Hemispheres seguiría el género de rock progresivo, incluyendo una segunda parte a la canción "Cygnus X-1", una de las obras musicalmente más complejas de la banda. Aunque Rush seguiría produciendo otras obras capitulares durante su carrera, "Hemispheres" fue su último tema épico. El agotamiento producido por haber realizado cinco álbumes en estudio y más de 1200 conciertos en cuatro años, les llevó a los integrantes de Rush a replantear su propuesta musical.
Al entrar a una nueva década, Rush comenzó a disponer de sus estilos viejos a favor de nuevas tendencias, más comerciales, con canciones más cortas y arreglos más suaves (que algunos consideran estériles). El álbum Permanent Waves (1980) cambió el estilo musical de Rush drásticamente. La banda sentía que habían explorado el formato de canciones largas tanto como podían o querían y optaron por canciones más cortas, que sin embargo retuvieran su tradicional complejidad y eficiencia musical. Aunque todavía era evidente el género musical hard rock, se introdujeron sintetizadores, como parte de la experimentación. Los temas de su lírica cambiaron drásticamente, dependiendo menos de imágenes de ciencia-ficción y adentrándose en conceptos como la vida y las influencias de la modernidad. Así mismo, otros géneros musicales, como reggae y new wave se colaban en las canciones de Rush a principios de la década.
Aunque las canciones largas también tuvieron apariciones en este período, como "Jacob's Ladder", "Natural Science" y "The Camera Eye", Rush ya no produciría temas largos en lo sucesivo, aunque muchas de las canciones de la banda tenían una duración de 5 a 6 minutos, lo que aún se encontraba fuera de lo convencional y acostumbrado en el mercado.
A pesar de las limitaciones impuestas para el formato radial por la duración de sus canciones, Rush tuvo mucha repercusión en emisoras de radio de rock a principios de los 80, gracias al éxito de algunas de las canciones más cortas y populares. Como resultado, Permanent Waves llegó al Top 10 del Billboard y alcanzó la categoría platino rápidamente. Una canción en particular, "The Spirit of Radio" (llamada así en honor a una exitosa estación de radio de Toronto, la CFNY), se convirtió en un éxito comercial a nivel de radio, abriendo las puertas del gran mercado comercial para la banda.
La popularidad de Rush alcanzó su cenit con el álbum Moving Pictures de 1981. La primera canción, "Tom Sawyer", es probablemente la más conocida de la banda -incluso Geddy Lee la califica como la "canción tradicional" de Rush. Moving Pictures se disparó a la posición número 3 en el Billboard en tan sólo dos semanas y ha sido certificado cuádruple-platino por la RIAA en 1995. Debido a lo vanguardista del género, "Tom Sawyer" aún se escucha regularmente en estaciones de rock clásico. De este periodo, sin embargo, no hay que dejar de lado éxitos tales como "Limelight", "YYZ" y "Red Barchetta".
A partir de 1982, los álbumes de Rush incorporaron más sintetizadores -lo cual propició el alejamiento del productor Terry Brown- y se apegaron más al estilo que comenzó con Permanent Waves, de manera que el sonido de sus álbumes a finales de los 80 y principios de los 90 no tiene ninguna semejanza musical con el de sus primeros trabajos. Power Windows (1985) y Hold Your Fire (1987) pueden ser considerados como obras cumbres en este capítulo de la historia de Rush. Dicho apego a la tecnología electrónica -incluso Neil Peart también innovó con sonido electrónico en la percusión- no estuvo exento de críticas a la banda por parte de la crítica especializada y de algunos seguidores. Alex Lifeson y su guitarra quedaron relegados a un segundo plano, ya que el registro de los sintetizadores es muy similar al de la guitarra, lo que le restó importancia a su aporte rítmico. Sin embargo, muchos temas como "Distant Early Warning", "Marathon" y "Force Ten" permiten apreciar el crecimiento musical de la banda, con el virtuosismo multiplicado y una ejecución precisa, que es posible escuchar en el álbum en directo A Show of Hands de 1988.
Rush se comenzó a apartar de este estilo con sus álbumes Presto y Roll the Bones, en donde llegan a coquetear con el jazz fusión. En lo que ya era su estilo acostumbrado de composición, Neil Peart se mantenía como el escritor de las letras mientras que Alex Lifeson y Geddy Lee componían la música. Posteriormente, la banda abandonó los sonidos sintetizados de sus grabaciones de estudio para retornar al género musical hard rock más pesado y dominado por guitarras, adaptando sus canciones a sonidos más orgánicos, dando cabida a los sonidos tradicionales, como el de la Gibson Les Paul. Esta transición comenzó con el álbum Counterparts en 1993.
Después del lanzamiento del álbum Test for Echo (1996), la banda entró en un receso de seis años, debido mayormente a tragedias personales en la vida de Neil Peart. Los fallecimientos de su única hija y luego de su esposa, en un periodo de diez meses, deprimieron profundamente al baterista, quien se adentró en un proceso de curación espiritual que él mismo llamó "travesía sanadora", realizando un viaje en motocicleta de miles de kilómetros a través de Norteamérica. Estas experiencias más adelante las resumió en un libro titulado Ghost Rider: Travels on the Healing Road. La banda ha revelado posteriormente que estuvieron muy cerca de separarse durante este período.
Rush regresó en 2002 con el álbum Vapor Trails. Este álbum resultó ser pesado y con un sonido moderno, sin sintetizadores, rescatando la esencia del hard rock. Los temas de las letras son diversos; aquí se incluye la canción "Ghost Rider", basada en la ya mencionada travesía de Peart, además de eventos de repercusión mundial, como la caída de las Torres Gemelas del World Trade Center el 11 de septiembre, que dan inspiración para la canción "Peaceable Kingdom". El álbum debutó con muy buenas críticas y fue acompañado de la primera gira de la banda en seis años, incluyendo conciertos en Ciudad de México y Río de Janeiro, donde tocaron enfrente de algunas de las multitudes más grandes de su carrera.
Para celebrar su trigésimo aniversario, en junio de 2004 lanzaron Feedback, un disco que contiene ocho covers de bandas clásicas tales como Cream, The Who y The Yardbirds, artistas que los miembros de Rush citan como fuente de inspiración en sus inicios. Este es el segundo disco oficial de la banda con covers de otros artistas, siendo el primero un 45 RPM del año 1973 que contenía un tema de Buddy Holly titulado "Not Fade Away". Inmediatamente después, Rush inició la gran gira del Trigésimo Aniversario (titulada R30), tocando en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Italia, Suecia, República Checa y Holanda. El 24 de septiembre de 2004 en Frankfurt, Alemania, el concierto fue grabado en DVD (titulado R30: Live in Frankfurt) y posteriormente lanzado al mercado también en versión audio (R30: 30th Anniversary World Tour).
El 13 de junio de 2006 fue lanzado Rush Replay X 3, un empaque que consiste en la reedición digital de tres grabaciones originales de giras anteriormente editadas durante la década de los 80: Exit... Stage Left, Grace Under Pressure Tour y A Show of Hands, remasterizadas todas para DVD. Este empaque especial incluye además un disco compacto con el audio de Grace Under Pressure Tour. El 1 de mayo de 2007, Rush lanza al mercado un nuevo álbum, bajo el nombre de Snakes & Arrows. Este trabajo contiene 13 temas con un estilo musical que se acerca mucho al de los álbumes de la década de los 70, sin sintetizadores y conteniendo mucho sonido acústico.
Álbumes de la banda :
1974 Rush 1975 Fly by Night 1975 Caress of Steel 1976 2112 1977 A Farewell to Kings 1978 Hemispheres 1980 Permanent Waves 1981 Moving Pictures 1982 Signals 1984 Grace Under Pressure 1985 Power Windows 1987 Hold Your Fire 1989 Presto 1991 Roll the Bones 1993 Counterparts 1996 Test for Echo 2004 Feedback (EP) 2007 Snakes & Arrows
Discos en directo de la banda : 1976 All The World's a Stage 1981 Exit... Stage Left 1988 A Show of Hands 1998 Different Stages 2003 Rush in Rio 2005 R30: 30th Anniversary World Tour 2008 Snakes & Arrows Live
Recopilaciones de la banda :
1978 Archives 1981 Rush Through Time 1984 Anthology 1990 Chronicles 1997 Retrospective I (1974-1980) 1997 Retrospective II (1981-1987)
The Bonny Swans,una obra de arte musical y como se puede comprobar en el video tambien visual... El otro tema es el tambien repleto de sensaciones oniricas titulado The Mummer's Dance... Magia al cuadrado
Felpeyu es un grupo de música folk de Asturias y una de las grandes referencias en la música asturiana.
Fue fundado en 1991 en Salamanca, donde estudiaban Bellas Artes sus miembros fundacionales Ígor Medio y Ruma Barbero, junto a los hermanos gallegos Cástor y Félix Castro. Desde entonces, desarrollaron su carrera musical con gran número de actuaciones por España, Europa y Australia.
Su primer trabajo discográfico fue el disco homónimo Felpeyu, editado en 1994 por FonoAstur. Para entonces, ya habían publicado la maqueta Fuxide oricios (1993) y contribuido al recopilatorio V Festival de Música Folk Galega (Edicións Discográficas Galegas, 1993). Aunque en aquellos comienzos interpretaban un repertorio con piezas tanto asturianas como gallegas, con la marcha de los hermanos Castro, Felpeyu se centraría en la parte asturiana.
En 1997 aparece su segundo disco, Tierra (FonoAstur), e insertan una de las piezas de su primer álbum en el prestigioso recopilatorio Naciones Celtas.
En 2000 publican Live Overseas (Urchin Records), disco en directo grabado en Ourense para una gira por Australia, y en 2002 Yá!, publicado esta vez por la compañía creada por el grupo, Tierra Discos.
El 24 de junio de 2006, el grupo sufre un trágico accidente de tráfico mientras viajaba de Asturias a Cataluña, donde iban a ofrecer un concierto. En el siniestro fallecieron los componentes Ígor Medio y Carlos Redondo, mientras que el resto de la formación -el percusionista Ruma Barbero, el acordeonista Xuan Nel Expósito, los violinistas Lisardo Prieto y Fernándo Oyágüez, el gaitero Diego Pangua y el técnico de sonido Slaven Kolak- sufrieron heridas de distinta gravedad.
Tras una larga temporada de inactividad, el grupo vuelve a los escenarios en el verano de 2007 con la incorporación de Dudu Puente al bajo y voz principal. Más adelante se une al grupo Moisés Suárez (guitarra).
En Abril de 2008 publican Canteros, también en Tierra Discos.
Taliesin (c. 534 - 599), escrito Taliessin en Los idilios del rey, de Alfred Tennyson, es el más antiguo poeta galés conocido. Pertenecía al grupo de los Cynfeirdd (en galés, «bardos primitivos» durante la época heorica del reino de Gales, con el rey Cynan Garwyn y el príncipe Urien Rheged como héroes. Su poesía dramática muestra que la lengua galesa era empleada como medio artístico habitual. Toda su obra se encuentra recogida en el Llyfr Taliesin («libro de Taliesin»).
Soy el primero de los bardos ante Elphin,
y mi patria es el país de las estrellas del verano.
En su día me llamaba MerlínY hoy me llamo Taliesin.
He estado en el Cielo y en el Infierno
Estuve con Noé, durante la construcción del arca
Conozco los nombres de todas las estrellas
pero yo sigo siendo una maravilla inexplicada.
He tomado todas las formas posibles,
Estuve muerto y a la vez vivo,
Seguiré en la tierra hasta el juicio final,
Nadie sabe si soy pescado o carne
Fui llevado durante nueve meses,
en el vientre de la bruja Cerridwen
Entonces me conocían como el pequeño Gwyon
Pero ahora soy Taliesin.
La mayor parte de su vida está rodeada de misterio, de tal forma que algunos estudiosos afirman que tras el nombre de Taliesin se esconden varios poetas anónimos a lo largo del siglo VI. Su nombre ha sido asociado en la literatura posterior al culto druídico, como en la novela Las nieblas de Ávalon de Marion Zimmer Bradley, donde Taliesin es Merlín o en la también novela Taliesin de Stephen R. Lawhead, donde es presentado como el último gran chamán celta.
Jordi Savall i Bernadet (Igualada, Barcelona, 1941) es un violagambista, director de orquesta y musicólogo español, especializado en música antigua.
empezó a estudiar música a los seis años en Igualada. En 1965 acabó sus estudios superiores de música y violonchelo en el Conservatorio de Barcelona.
En 1968 se trasladó a Suiza para ampliar su formación en la Schola Cantorum Basiliensis, reivindicando un instrumento antiguo casi olvidado, la viola de gamba, y defendiendo la importancia de la música antigua de la península Ibérica. En este centro fue discípulo del maestro August Wenzinger, a quien sucedió en 1973.
En 1970 empezó una exitosa carrera como intérprete de viola de gamba, de la que es considerado por la crítica uno de los más grandes intérpretes.
Entre 1974 y 1989 fundó tres conjuntos, Hespèrion XX (1974, ahora Hespèrion XXI), La Capella Reial de Catalunya (1987) y Le Concert des Nations (1989), con repertorios que van desde la Edad Media al siglo XIX, pero que siempre son interpretados con el máximo rigor histórico.
Ha dirigido orquestas de prestigio como la Orquesta Sinfónica de la Fundación Calouste Gulbenkian, la Orquesta Camerata de Salzburgo, la Wiener Kammerorchester y la Philarmonia Baroque Orchestra de San Francisco.
Durante más de 25 años de reivindicación de la música antigua, Jordi Savall ha recibido numerosas distinciones: En 1988 fue nombrado «Officier de l'Ordre des Artes et des Lettres» por el Ministerio de Cultura de Francia. En 1990 recibió la Creu de Sant Jordi de la Generalidad de Cataluña. En 1998, el Ministerio de Cultura de España le otorgó la Medalla de Oro de las Bellas Artes, y desde 1999 es Miembro de Honor de la Konzerthaus de Viena. También ha recibido el Premio de Honor de la Fundación Jaume I, y ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Université Catholique de Louvain (Bélgica).
Su discografía supera el centenar de grabaciones en diferentes sellos, por los cuales ha recibido más de cincuenta premios internacionales. Desde 1998 edita sus discos con su sello propio, ALIA VOX.
Su trabajo también incluye la música para películas, ganando un César (mejor música) en 1992 con la banda sonora de Tous les matins du monde, y resultando nominado en los mismos premios en 1998 por la partitura de Marquise.
Asombroso el virtuosismo de estas cuatro interpretes de flauta barroca,creando una conexion entre las variaciones mas armoniosas de algunos de los monstruos sagrados del citado periodo(Bach,Telemann..) y verdaderas performances de una elegancia exquisita... Ni una nota de mas,ni un movimiento de menos,todo creando un todo... Grandisima aha sido mi sorpresa al descubrirlas...
Es un honor para Sonido Amaranto presentar a Sirena Recorder Quartet...
CocoRosie es un dúo norteamericano formado en 2003. Estilísticamente se podría clasificar su música como indie rock, indie electrónico o "dream pop",se caracterizan por un uso de la voz rasgada y despreocupada y de sintetizadores que a veces se reducen a simples sonidos de juguetes infantiles.
Sus miembros, Bianca y Sierra Casady, son hermanas. Ambas son vocalistas. Sierra toca varios instrumentos de cuerda y la flauta, mientras que Bianca se encarga de la percusión.
Las dos hermanas nacieron en Norteamérica, pero crecieron separadas. Se encontraron en París en 2003 y grabaron juntas su primer álbum: La Maison de mon Rêve, que vio la luz en 2004 con el sello Touch and Go Records.
Durante el año 2004 no pararon de dar conciertos en Estados Unidos y Europa, giras en las que tocaron con TV on the Radio, Bright Eyes y Devendra Banhart, entre otros.
Discografia del grupo :
* La Maison de Mon Rêve (lanzado el 9 de marzo del 2004, por Touch and Go/Quarterstick Records)
* Beautiful Boyz (lanzado el 14 de septiembre del 2004, por Touch and Go/Quarterstick Records)
* Noah's Ark (lanzado el 13 de septiembre del 2005, por Touch and Go/Quarterstick Records)
* The Adventures of Ghosthorse and Stillborn(lanzado el 10 de abril del 2007, por Touch and Go)
Extraido del maravilloso y mas que recomendable dvd titulado An irish evening de los maravillosos Chieftains,os dejo una pequeña muestra del saber hacer que siempre tuvo la banda del carismatico e histrionico Paddy Moloney.
Soberbio tema del amigo Nuñez,en esta ocasion he decidido poneros la version en gallego,aunque sabeis que disponeis de la version en castellano tambien. La influencia de el tema de Oldfield man in the rain,se hace patente en la cancion como el propio Carlos declaro en su momento. Fantastico,mas que recomendable para pequeñas horas felices...
Os presento el segundo video de En Busca del Sonido, donde continúo explicando mi trabajo. En esta ocasión, el protagonista no es solo el mar, sino también el bosque.
Aquí os dejo el primero de los cuatro videos que conforman el trabajo titulado En Busca del Sonido. EN BUSCA DEL SONIDO
Un trabajo de Ryann Stone, Perh Martinez y Jean Charles Nohm para Abadia Producciones Grabado en el otoño de 2008 en un pequeño lugar de la costa este...
Persephone, es un proyecto creado en el 2001 por Sonja Kraushofer, vocalista de L´âme Immortelle, y por Martin Höfert, uno de los tantos colaboradores de Sopor Aeternus. Sonja conoce en primer lugar a Tobias Hahn (programador, pianista de Janus), quien produjo el album de L´âme Immortelle «Dann Habe ich Umsonst gelebt».
Como resultado de la colaboración creativa y extensas pláticas, surge la idea de formar un proyecto que también involucrara a Dirk Riegert (vocalista de Janus). En 1999, de tour con Christian Death, conoce a uno de los tantísimos guitarristas que han desfilado por la banda, Wim Leydes. El chelo tiene un papel principal en Persephone y, Martin Höfert, también de Janus, se convierte en el arreglista de la banda.
Jussi Pekka Pohjola (13 de enero de 1952 - 27 de noviembre de 2008) fue un multiinstrumentista, compositor y productor finlandés. Más conocido como bajista, Pohjola se formó por el método clásico en piano y violín. Inicialmente ganó fama como bajista de la banda de rock progresivo finlandesa Wigwan, aunque pronto la abondonó para iniciar su carrera en solitario, editando en su inicio albums de rock progresivo influenciados por Frank Zappa. Con el avance de su carrera desarrolló un estilo músical nuevo que podría describirse como jazz rock. Aparte de Wigman y sus discos en solitario, Pohjola también tocó con Made in Sweden, The Group y las bandas de Jukka Tolonen y Mike Oldfield.
Pohjola pertenecía a una de las familias de músicos más prominentes de Finlandia. El director Sakari Oramo es primo de Pohjola.
Pohjola estudió piano y violín clásicos en la Academia Sibelius de Helsinki, en Finlandia. Después de un período con The Boys (la incipiente banda finlandesa liderada por los hermanos Eero y Jussi Raittinen), se intergró en Wigwan en 1970, colaborando en dos de sus discos antes de abandonar el grupo en 1972 para proseguir su carrera en solitario (aunque Pohjola volvió a colaborar en el disco de Wigman Being de 1974). El primer disco en solitario de Pohjola Pihkasilmä Kaarnakorva (en inglés Resin Eye Bark Ear), editado en 1972, tiene parecidos notables con el trabajo de Frank Zappa. Trás abandonar Wigwma Pohjola también tocó con la banda de Jukka Tolonen durante un breve periodo. En 1974 se editó su segundo trabajo en solitario, Harakka Bialoipokku (en inglés: Bialoipokku the Magpie) en Finlandia. El album mostraba un Pohjola progresando en una nueva dirección, con uso enfatizado de trompetas, saxofones y piano. El album, con cierto influencia de jazz, llamó la atención de Richard Branson, ejecutivo de Virgin Records, de forma suficiente como para que lo editara al año siguiente en el Reino Unido bajo el nombre de B the Magpie.
Por petición de Virgin, Pohjola se unió a Mike Oldfield para grabar y producir su tercer disco en solitario, editado en Finlandia en 1977 como Keesojen Lehto (en inglés: Grove of the Keeso) y en el Reino Unido como Mathematician's Air Display. Más tarde, el albúm sería reeditado con el nombre de The Consequences Of Indecisions (en español, Las consecuencias de la incedisión) y atribuído a Mike Oldfield en vez de a Pohjola. A Oldfield le impresionó Pohjola como para pedirle que se uniera a él en su gira de 1979. Resultado de ello es que se puede oir a Pohjola en el álbum en directo Exposed de Oldfield, editado en 1979. En 1978 Pohjola formó The Group, que editó un álbum del mismo nombre en el mismo año. En 1979 Pohjola editó Visitation, su cuarto álbum en solitario. Sus tres discos anteriores en solitario habían mostrado influencias del Género fantástico, pero estas eran especialmente notables en su cuarto trabajo.
En 1980 The Group cambió su nombre a Pekka Pohjola Group y editó el disco Kätkävaaran Lohikäärme (en español: El Dragón de Kätkävaara). La banda se separó poco después del lanzamiento de su segundo disco. El siguiente álbum en solitario de Pohjola, Urban Tango, fue lanzado en 1982. fue un alejamiento radical del género fantástico e inspirado por la naturaleza presente en su trabajo de los 70. fue también el primer álbum de Pohjola en incluir canto comprensible, con la parte vocal cantada por Kassu Halone. Urban Tango fue también el primer disco lanzado desde la discográfica propia de Pohjola, Pohjola Records. Su siguiente disco fue la banda sonora de le película Jokamies (1983) de Hannu Heikinheimo, editado en 1984 como Everyman en los Estados Unidos y Alemania. El álbum es prominente en el uso de sintetizadores. Space Waltz, editado en 1985, profundizó en los temas oídos primero en Urban Tango. Flight Of The Angel (1986) fue el último álbum de Pohjola en los 80. Al año siguiente se editó un recopilatorio de su trabajo bajo el título de New Impresionist.
Durante los últimos 80 Pohjola compuso Sinfonia no. 1, que estrenada en directo en 1989 y editada en CD en 1990 fue ejecutada por el grupo musical AVANTI!. De vuelta al escenario musical en 1992, Pohjola lanzó Changing Waters, su noveno álbum en solitario. El sonido de este álbum difería mucho de los trabajo guitarrísticos de Pohjola en los 80, y ofrecía un entorno suavizado más basado en el piano. Changing Waters fue lanzado internacionalmente en primavera de 1993. El álbum estaba interpretado por los músicos finlandeses Seppo Kantonen (teclados), Markku Kanerva (guitarra) y Anssi Nykänen (batería), que conformaron banda regular con Pohjola.En mayor de 1995 Pohjola editó Live in Japan, una grabación de tres actuaciones en Tokyo en noviembre de 1994. Más tarde el mismo año editó un CD doble llamado Heavy Jazz - Live in Helsinki and Tokyo. Su siguiente disco de estudio, Pewit, apareció en septiembre de 1997. En mayo de 2001 sacó Views, que rebajaba el tono de rock sólido guitarrero de Urban Tango y Space Waltz, centrándose más en arreglos de jazz y pop clásico basados en arreglos para cuerdas. La única canción con guitarra del disco es The Red Porsche, realizado sobre un poema de Charles Bukowski.
La pista The Madness Subsides del disco B the Magpie fue utilizada por DJ Shadow como base principal en su canción Midnight in a Perfect World, del exitoso album Entroducing.... La misma base se utilizó en la canción Valo de SlowHill.
Pohjola murió el 27 de noviembre de 2008, a la edad de 56 años.
Yann Tiersen nació el 23 de junio de 1970 en la ciudad de Brest, Bretaña, Francia. Durante su infancia estudio en diversos conservatorios de Rennes, Nantes y Boulogne entre otros. Estudió violín, piano y más tarde composición, aunque no se limitó solamente a estos instrumentos ya que también posee gran técnica en el acordeón y el toy piano, convirtiéndose en un multi-instrumentista virtuoso.
Otro instrumento a destacar es la guitarra eléctrica, que ha convertido en el instrumento principal de sus conciertos. Desarrolló su juventud influenciado por el rock y la chanson (llegando a tener un grupo de rock en la adolescencia), y por la música clásica influenciado por sus estudios en conservatorio. Esta característica mezcla es base esencial para una comprensión adecuada de su música, llegando a compaginar e incluso unir el rock instrumental con partituras más clásicas durante toda su carrera.
En 1995 publicó su primer álbum bajo el sello Sine Terra Firme (más tarde renombrado como Ici d'Ailleurs), titulado La valse des monstres. La facultad multi-instrumentista de Yann Tiersen se ve reflejada en el producto de su disco, 17 piezas totalmente instrumentales con multitud de matices, sonidos e instrumentos. Un año más tarde publicó Rue des cascades, disco que incluye su primera canción vocal (que da título al álbum) con la colaboración de la cantante Claire Pichet. Al año siguiente, en 1998, este tema se convertiría en el principal de la banda sonora de la película La Vida Soñada de los Ángeles de Erick Zonca.
Antes de publicar su nuevo disco, realizó varias colaboraciones con distintos músicos de su país, siendo la más destacable el álbum homónimo con Bästard, en el que Tiersen junto al grupo francés Bästard se aleja de sus normativas tradicionales y se adentra en el nebuloso mundo del post-rock y la experimentación. La colaboración con Claire Pichet se volvió a repetir en Le phare (1998), su tercer disco que contó además con un nuevo invitado: Dominique A, siendo este uno de los discos más completos y con mejores críticas en el panorama independiente europeo.
Más tarde, durante el verano de 1999 presentó su álbum Tout est calme, esta vez dotando a su música de un aspecto más roquero, al verse acompañado de sus amigos del grupo The Married Monk, liderado por Christian Quermalet. Y en ese mismo año, llegó otro álbum titulado Black Session, grabado el 9 de diciembre durante un concierto rodeado de músicos consagrados de su país como Neil Hannon, Noir Désir, Les Têtes Raides o Mathieu Boogaerts.
En 2001 publicó L’Absente, el que tal vez ha sido su disco más producido, tanto por la cantidad de invitados como por la cantidad de instrumentos que complementan cada canción. Más cercano a la nueva canción francesa, dentro de los invitados se encuentran: The Vienna Symphony Orchestra, Lisa Germano, Neil Hannon (de The Divine Comedy), Dominique A, Françoiz Breut, Les Têtes Raides, Sacha Toorop (de Zoop Hopop), Natacha Regnier, Christian Quermalet (de The Married Monk), Marc Sens, Christine Ott y un cuarteto de cuerdas. El mismo año publicó el disco que probablemente le trajo la mayor cantidad de ovaciones por parte de los medios: La banda sonora de Le fabuleux destin d'Amelie Poulain, que a pesar de que tiene algunos temas nuevos, en mayor parte es integrada por viejas composiciones de sus tres primeros álbumes. Con esta banda sonora conseguiría el reconocimiento del público a nivel mundial.
En 2002, junto a una orquesta y una serie de artistas invitados (entre los cuales estaban Dominique A. y Christian Quermalet) publicó C'etait ici, que compila sus mejores temas en directo en un doble álbum.
Después de una multitudinaria gira en el año 2003, Yann Tiersen volvió a las colaboraciones, esta vez con la roquera americana Shannon Wright con quien compuso en sólo 20 días un disco de título homónimo en el que el rock independiente de Shannon se funde con la instrumentación particular de Tiersen en un total de 10 temas.
Tras L'absente pasarían 5 años sin publicar disco propio hasta que en el año 2005 viera la luz Les Retrouvailles (Los Reencuentros), compuesto y grabado en la isla de Ouessant, lugar de refugio e inspiración de Tiersen. En este disco cuenta con la colaboración nuevamente de Dominique A., además de Miossec, Stuart Staples (de Tindersticks), Liz Fraser (de Cocteau Twins) y Jane Birkin. A este disco le complementa un DVD que salió al mercado oficialmente el 12 de julio con el título de La traversée, película realizada por Aurélie du Boys y en el que se puede ver toda la realización de este último álbum que presentaría en concierto durante todo el año de 2005 y 2006 con un radical cambio en su música en directo, con mayor cantidad de arreglos y cercano al post-rock que siempre ha admirado. Este nuevo sonido quedó recogido en el próximo álbum en directo de Yann Tiersen, titulado On Tour que se editó oficialmente el 13 de noviembre de 2006, acompañado nuevamente de una película musical realizada por Aurelié du Boys que acompañó al músico bretón durante la gira. Gran parte de las grabaciones, pertenecientes tanto a la película como al álbum, son de sus conciertos en España y particularmente en Madrid, ciudad donde tocó 2 veces en un año durante la presentación de Les Retrouvailles.
La composición de sus temas comprende la manipulación de variados instrumentos, entre los cuales cabe destacar el piano de juguete (llamado toy-piano), el acordeón, el violonchelo, el banjo, el clavicordio y la melódica entre otros.
Películas como La Vie Rêvée des Anges (1998, Erick Zonca), Alice et Martin (1998, André Téchiné), Qui Plume la Lune? (1999, Christine Carrière), Amélie (2001, Jean-Pierre Jeunet) y Good bye, Lenin! (2003, Wolfgang Becker), han sido musicalizadas por Yann Tiersen, que anteriormente trabajó en la música dentro del mundo del teatro.
Discografía del autor :
* La valse des monstres, 1995. * Rue des cascades, 1996. * Le phare, 1998. * Tout est calme, 1999. * Black session, 1999. * L'absente, 2001. * Le fabuleux destin d'Amelie Poulain (BSO), 2001. * C'etait ici, 2002. * Good bye, Lenin! (BSO), 2003. * Yann Tiersen & Shannon Wright, 2004. * Les retrouvailles, 2005. * On tour, 2006. * Tabarly, 2008.
Películas dedicadas a su música :
* La traversée (de Aurelié du Boys), 2005. * On tour (de Aurelié du Boys), 2006.
Filmografía (acompañamiento musical)
* Amélie (de Jean-Pierre Jeunet), 2001. * Good Bye, Lenin! (de Wolfgang Becker), 2003. * Alice et Martin (de André Téchiné), 1998. * La Vie rêvée des anges (de Erick Zonca), 1998.
Mucho se podria decir de la legendaria banda. Prometo publicar pronto un dossier completo para todos aquellos seguidores de tan soberbios creadores ...
Fantastico trabajo ,probablemente el mejor de la carrera del arpista... Este corte,junto con Under the tree y Micro-Macro,lograron un album mas que recomendable.
