SONIDO AMARANTO

Diversas versiones sobre The blacksmith

2010-11-25T17:21:00.002+01:00

Aqui os dejo varias versiones sobre una hermosa cancion tradicional inglesa,que versa sobre el amor no correspondido entre una muchacha y un herrero...
Disfrutadlas...

Blacksmith - The most popular videos are here

Francisco Tarrega - Recuerdos de la Alhambra

2010-10-29T14:20:00.000+02:00

T. Susato - Allemande

2010-10-29T14:18:00.000+02:00

Mike Oldfield - In Dulci Jubilo (For Maureen)

2010-10-28T22:17:00.003+02:00

Maravillosos los arreglos para la edicion Deluxe de Hergest ridge...
Tan solo recordar que Oldfield dedico este single a su madre Maureen,fallecida en 1974,año del lanzamiento de la pastoral Hergest Ridge...

Circulus - Bouree

2010-10-28T20:09:00.000+02:00

Extraido del album Clocks are like people.

Eithne Patricia Ní Bhraonáín - Caribbean Blue

2010-10-28T19:48:00.001+02:00

Letra de caribbean blue:

...eurus...
...afer ventus...
...so the world goes round and round
with all you ever knew --
they say the sky high above
is caribbean blue...
...if every man says all he can,
if every man is true,
do i believe the sky above
is caribbean blue...
...boreas...
...zephryus...
...if all you told was turned to gold
if all you dreamed were new,
imagine sky high above
in caribbean blue...
...eurus...
afer ventus...
...boreas
zephryus...
...africus...

Telemann - Ultimo movimiento del concierto en F minor

2010-10-28T18:39:00.002+02:00

Maravilloso,especialmente el allegro final,minuto 1:45...

Michael Praetorius

2010-10-27T21:59:00.002+02:00

Michael Praetorius (Creuzburg, Turingia, 15 de febrero de 1571 - 15 de febrero de 1621) fue un compositor y organista alemán. Fue uno de los más versátiles compositores de su época e influyó en el desarrollo de formas basadas en himnos protestantes.

Michael Praetorius nació en Creuzburg (Turingia) en el seno de una estricta familia luterana, lo que determinó todo el curso de su carrera musical. Su padre había sido alumno de Martín Lutero y le había asistido en la confección del Himnario Luterano original.

Estudió en Torgau, Fráncfort del Oder y luego en Zerbst (Anhalt).

Fue organista en la Marienkirche antes de trabajar en la corte de Wolfenbüttel como organista, y desde 1604 tuvo el cargo de Maestro de capilla. De 1613 a 1616 trabajó en la corte sajona en Dresde, donde fue influido por los músicos italianos, incluyendo el estilo policoral de la Escuela de Venecia.

Su posterior desarrollo de la forma del concierto coral, particularmente la variedad policoral, resultó directamente de su familiaridad con los músicos de Venecia, como Giovanni Gabrieli.

Fue un compositor muy prolífico. Sus trabajos muestran la influencia de compositores contemporáneos, como Samuel Scheidt y Heinrich Schütz, así como de los italianos ya mencionados.

Por ese entonces Praetorius se hizo famoso como un experto en la construcción de órganos y como director, organista y compositor. Tenía la reputación de ser una persona con un acabado conocimiento de todo lo relacionado con la música.

Praetorius es conocido hoy en día por su obra Terpsícore, una colección de más de 300 danzas y melodías francesas que él arregló.

Su tratado en tres volúmenes "Syntagma musicum" (1614-1620) musicum es un texto muy detallado sobre la práctica musical de la época, incluyendo los instrumentos musicales utilizados.

Antonio Salieri - Europa riconosciuta

2010-10-27T21:30:00.002+02:00

Antonio Salieri fue un compositor de música sacra, clásica y ópera, y director de orquesta italiano, nacido en 18 de agosto de 1750 en Legnago.
Su nombre va unido a una presunta rivalidad con Mozart, rivalidad que contiene, además de acusaciones de plagio, una más grave, que es la de haber causado la muerte del compositor, episodio sin ninguna base histórica.
Músico de gran valía y dotado de gran talento, se dedicó a la enseñanza.
Durante su carrera, tuvo como alumnos a noveles músicos que lograron gran fama como:Beethoven, Schubert, Liszt, y Czerny. Entre sus pupilos estuvo incluso uno de los hijos del propio Mozart.

La ópera que lo consagró fue L'Europa riconosciuta, encargada por la emperatriz María Teresa de Austria y que inauguró, el 3 de agosto de 1778, el Nuovo Regio Ducal Teatro (actual Teatro de La Scala) de Milán.
En sus últimos años de vida, Salieri vio cómo su salud empeoraba repentinamente y de modo irreversible. Quedó ciego y pasó los últimos años de su vida internado en un hospital. Murió el 7 de mayo de 1825 en Viena.
Salieri está enterrado en el cementerio central de Viena. En su funeral, Schubert (su alumno predilecto) dirigió el Requiem que el propio Salieri había escrito tiempo atrás para su propia muerte.
Su filosofía artística se resume en el título de una de sus óperas célebres:

Primero la música y luego las palabras.

Labanda

2010-10-27T20:41:00.002+02:00

Labanda fue un grupo español de música celta, fusionada con el rock, de tipo instrumental, fundada en 1979.
Grupo pionero de la música celta en España. Los músicos se conocieron tocando en el metro de Madrid, en donde fueron descubiertos.
El gaitero Joaquín Blanco tocaba habitualmente a principios de los 80 en la céntrica calle Gran Vía de Madrid.
En 1980 graban su primer LP, Labanda, que contiene uno de sus temas más conocidos, Sueños Diabólicos, basado en una melodía tradicional.
En su segundo disco, Rockmeria (1985) colaboró el guitarrista Rosendo Mercado.
En 1986 el grupo original se disolvió.
En 1987, ya con una nueva formación, grabaron un mini LP, Un millón de kilómetros, (muy difícil de encontrar). Se incorporaron Terry Barrios, (1953-1992), ex-batería del grupo de rock urbano español Topo; el violinista ex-Ñu Jean Françoise André (1942-2002); al bajo Jorge "Flaco" Barral (ex-Azahar) y a la guitarra Leonel Vignola. Tan sólo quedaría Joaquín Blanco de la formación original.
Sus siguientes trabajos fueron Buenos Tiempos (1989) , Rural Tour (1992) , grabado en directo en la sala Egaleo, de Leganés (Madrid) y
No Todo es Seda (1995), su último disco, en donde incorporan letras a sus temas.
En estos dos últimos trabajos ya no quedaba ningún miembro de la formación original. Posteriormente algunos músicos pasaron a formar parte del grupo Mago de Oz.

Discografía

Labanda (1980)
Fiesta Campestre (Rockmeria) (1985)
Un Millón de Kilómetros (1987) Mini LP
Buenos Tiempos (1989)
Rural Tour (1992)
No Todo es Seda (1995)

Formación original :

Joaquín Blanco : Gaita, bombarda, tin whistle, percusión.
Álvaro Domínguez : violín.
Luis Silva : mandolina
José María Silva : bajo, dulcimer, percusión
Pedro Guerrero : guitarra acústica, percusión.
Josué Vea : guitarra eléctrica
Carlos de Yebra : batería, percusión

Formación posterior

Jean Françoise André : violín
Jorge Barral : bajo, banjo, buzuki, mandolina
Leonel Vignola : guitarra eléctrica, guitarra acústica, voz y bodhran
Eduardo Estrada : gaitas, bombardas, flautas y bodhran
José Manuel Torrego : batería, percusión electrónica y darbuka
Sergio Cisneros : teclados

Mike Oldfield - The Rite of man

2010-10-27T20:31:00.003+02:00

Una pequeña joya folkie que era la cara B del single Moonlight shadow,del album Crises de 1983.
Oldfield tocando el acordeon,la guitarra y cantando,el resto de los musicos haciendo coros y tocando percusion,incluyendo incluso a Jeremy Parker,asistente personal de Oldfield por aquellas fechas...

Loreena McKennitt - the highwayman

2010-10-07T21:51:00.000+02:00

Una leccion mas de como hacer musica honesta...

Mike Oldfield - Amarok

2010-10-07T21:37:00.001+02:00

En 1990,Oldfield regreso del infierno de la mediocridad para regalarnos esta obra maestra...

Vivaldi - Concierto en C RV 558

2010-10-07T21:33:00.001+02:00

Uno de mis conciertos favoritos del genial musico.
Recomiendo una version de otro genio de la musica,Mike Oldfield,que sin duda no os dejara mal sabor de boca...

Lilienthal

2010-10-07T19:28:00.002+02:00

Fantastica formacion alemana de tintes folk,barrocos y medievales.

Antonio Vivaldi Concierto en D mayor

2010-09-23T23:36:00.004+02:00

Una de las obras que mas disfruto,tanto como oyente o como ejecutante...
John Williams realiza una soberbia labor a la guitarra.

Alex DeGrassi - Guitharpa de 39 cuerdas

2010-09-23T16:04:00.002+02:00

Soberbia interpretacion con la guitharpa,un instrumento que cada dia me interesa mas...

Andreas Vollenweider - Behind the gardens,behind the wall,under the tree...

2010-09-23T15:53:00.003+02:00

Una obra maestra extraida del album de igual nombre...
El virtuoso arpista aleman,da una autentica leccion del buenhacer en un estudio.
Uno de mis musicos favoritos y un disco indispensable en cualquier hogar en el que se sepa apreciar la musica de verdad...

Erkan Oğur - El mago de la guitarra sin trastes

2010-09-22T18:33:00.002+02:00

Erkan Oğur (1954, Turquía), es un músico folclórico, ejecutante de la guitarra sin trastes, y los laúdes kopuz y bağlama.[1] Combina la música folclórica con la música clásica turca.

John Dowland - Una pequeña recopilacion

2010-09-22T18:24:00.002+02:00

LA BELLA MALMARIDADA - Gabriel Mena (S. XV/XVI)

2010-09-22T18:21:00.000+02:00

Intérprete: Hespérion XX - Jordi Savall.
Imágenes: Pintura Renacentista Europea.

Letra:

La bella malmaridada,
de las más lindas que yo vi,
miémbresete quán amada,
señora, fuiste de mí.

Mira cómo por quererte
tienes al cabo mi vida,
y, si tú fueras servida,
dichosa fuera mi suerte.
Mas pues no te pena nada
quanto yo peno por ti,
miémbresete quán amada,
señora, fuiste de mí.

Mirarás qu'en tu serviçio
es ya pasada mi vida.
Siendo tú d'ello servida,
fuere ninguno con beneficio.
Mas pues no se te dió nada
quanto yo pasé por ti,
miémbresete quán amada,
señora, fuiste de mi.

¡Triste de ti que padeçes
mil enojos cada ora,
En poder de quien ynora
lo mucho que tu mereçes!
Tú lloras de malcasada,
yo porque te conocí
Si ás de tener amado,
señora, tomes a mi.

Mira cómo por quererte
tienes al cabo mi vida,
y, si tú fueras servida,
dichosa fuera mi suerte.

La bella malmaridada,
de las más lindas que yo vi,
miémbresete quán amada,
señora, fuiste de mí.

El Cancionero de Palacio (Madrid, Biblioteca Real, MS II - 1335), llamado a veces Cancionero Musical de Palacio (CMP) y también conocido como Cancionero de Barbieri, es un manuscrito español que contiene música del Renacimiento. Las obras que posee están recopiladas durante un periodo de unos cuarenta años, desde el último tercio del siglo XV hasta principios del XVI, tiempo que coincide aproximadamente con el reinado de los Reyes Católicos.

Gabriel Mena (¿ -?), fué un músico y poeta renacentista español, que según parece probar Barbieri, corresponde a Gabriel el músico, cuyas canciones se hallan en el Cancionero General de 1511. Estuvo al servicio de los Reyes Católicos, ejerciendo de cantor en la capilla de don Fernando al menos entre 1496 y 1502.
Su canción "La bella malmaridada", alude al tema de la malcasada, una realidad social que sigue vigente.

DI, PERRA MORA - Pedro Guerrero (S. XVI)

2010-09-22T18:00:00.000+02:00

Intéprete: Capella Reial de Catalunya - Hespérion XXI - Director: Jordi Savall.
Imágenes: Pintura Realista Española (Julio Romero de Torres).

Letra:

Di, perra mora,
di, matadora,
¿Por qué me matas,
y, siendo tuyo,
tan mal me tratas?

Perra Mora: Baile español que data aproximadamente del siglo XVI. De ritmo quinario, no se posée descripción coreográfica, pero Cervantes lo sitúa en el ámbito de la zarabanda, el pésame-dello y la chacona en "La Ilustre Fregona". La música que se conserva es de Pedro Guerrero (compositor español del Renacimiento); se trata de una canción a cuatro voces cuyo original se encuentra en la Biblioteca de Medinaceli.

El Cancionero de Medinaceli o Cancionero Musical de Medinaceli (CMM), es un manuscrito que contiene música española del Renacimiento. Fué copiado en la segunda mitad del siglo XVI y se conservó en la Biblioteca de la Casa del Duque de Medinaceli, de dónde procede su nombre. Probablemente, constituye la recopilación de polifonía profana española de la época renacentista más importante después del Cancionero de Palacio.

Gryphon - Concierto reunion en Londres (2009)

2010-09-01T20:53:00.002+02:00

Una autentica sorpresa la reunion del mitico grupo de musica neo-medieval con tintes de rock sinfonico...
Una de mis bandas de cabecera.

Una matica de ruda - Musica Sefardi

2010-09-01T15:12:00.001+02:00

Una de las canciones mas populares de la cultura Sefardi.
Una de mis nuevas influencias musicales...

Hunting Girl - Jethro Tull (1977)

2010-09-01T15:10:00.001+02:00

Extraido del genial Songs of the wood,album muy a la altura del mas que recomendable Heavy horses...

Mike Oldfield - Hergest Ridge Part One [1974 Stereo Mix]

2010-09-01T14:54:00.002+02:00

Reedicion del segundo album de Oldfield,manteniendo el sonido original muy diferente al de las ediciones posteriores.
Un regalo para los sentidos...

Steeleye Span - 'Gaudete'

2010-08-31T18:06:00.000+02:00

Simplemente soberbio...

Steeleye Span - The Blacksmith

2010-08-31T17:55:00.002+02:00

Extraido del primer trabajo de la genial banda, The Blacksmith,(el herrero),es un ejemplo del buenhacer de estos iconos del folk rock ingles liderados por la maravillosa Maddy Prior...
Disfrutadlo...

John Renbourn: The Lady and the Unicorn

2010-02-09T23:46:00.000+01:00

John Renbourn - English Dance

2010-02-09T23:43:00.000+01:00

Antonio Vivaldi - 1º Movimiento del concierto para mandolina

2010-01-12T00:03:00.002+01:00

Soberbio,sobra cualquier introduccion de texto.

Mike Oldfield - Reflection

2010-01-11T23:53:00.001+01:00

Documental dirigido por Keith Crithlow y Laurence Moore, realizado en 1977.
Contienen extractos de Incantations pero mas acusticos.
Quizas descartados de unas primeras tomas.

Gwendal - La Niña del Norte (War Raog-2005)

2010-01-11T23:47:00.002+01:00

Letra_Lyrics:

Yo, Diosa de la Luna y tú del Sol
y giramos sin nunca poder estar
en esta vida reunidos, felices los dos

Tú eres el calor
Yo soy la nieve
me quiero bajar
de mis altas montañas
para hundirme dentro de tu mar

Yo, soy Niña del Norte y tú del Sur
nos miramos de lejos sin atrevernos a querernos,
Por favor, rompe el miedo, por Dios

Tú eres el calor
Yo soy la nieve
me quiero bajar
de mis altas montañas
para hundirme dentro de tu mar

Yo, Diosa de la Luna y tu del Sol
pero hombre, no hay que desesperar
porque tus rayos, ya lo se, me van a despertar

Tú eres el calor
Yo soy la nieve
me siento bajar
de mis altas montañas
para hundirme dentro de tu mar

Beleño - La Dixebra

2010-01-09T02:09:00.003+01:00

El grupo entre los grupos de folk en Asturias.
Autenticos mitos de la musica asturiana y cantera de lo mejorcito del folk celtico asturiano.
Este tema,La dixebra,(la separacion)se encontraba en su segundo y ultimo trabajo titulado Ofiusa.
Geniales.

Milladoiro - O bruxo da montaña

2010-01-09T02:05:00.002+01:00

Explendido tema con toda la fuerza del mitico grupo gallego,maestro de posteriores generaciones y fuente de la que muchos musicos bebimos...
Recomendables siempre.

Pavlov's Dog - Julia

2010-01-09T01:05:00.003+01:00

Pavlov's Dog es una banda de Rock sinfonico estadounidense formada en 1972.
Debutaron con el genial "Pampered Menial" en el año 1974,y entre varias joyas cabe destacar este tema que lleva el titulo de Julia.
Fantasticos y altamente recomendables.

David Bedford - Circe´s Island

2010-01-09T00:53:00.002+01:00

Extraido del recomendable The Oddyssey de 1976,y contando con la participacion de musicos como Mike Oldfield y Andy Summers,aqui os dejo uno de los cortes del disco basado en la obra de Homero.

Mike Oldfield - Algiers

2010-01-09T00:49:00.002+01:00

Maravillosa tonada extraida del mitico Boxed de 1977.
Una vez mas,el de Reading busca entre pequeñas danzas cortesanas anteriores al siglo XVII para realizar un hermoso arreglo junto a la flauta barroca de Leslie Penning.

Juan del Enzina

2010-01-02T20:00:00.000+01:00

Juan del Encina (Encina de San Silvestre, Salamanca 1468- León 1529) fue un poeta, músico y autor teatral español de la época de los Reyes Católicos. Hijo de un zapatero, su verdadero nombre era Juan de Fermoselle.

Perteneció, junto con Juan de Anchieta entre otros, a la primera época de la llamada escuela polifónica castellana, una de las más importantes de España, y que mejor representa la evolución polifónica en este país, siendo considerado uno de los patriarcas del teatro español. Alcanzó gran altura en sus glosas y villancicos.

Realizó además varias obras de poesía en Asturleonés (concretamente en dialecto sayagués) como las "Coplas de Mingo Revulgo" o "El Auto del repelón", según el especialista Humberto López-Morales en su estudio "Elementos leoneses en la lengua del teatro pastoril de los siglos XV y XVI" que puede consultarse en el Centro Virtual Cervantes.

Su lugar de nacimiento no está claro. Algunos autores lo sitúan en Salamanca y otros en alguno de los municipios de esta provincia que llevan la palabra Encina en el nombre como Encina de San Silvestre o La Encina.

Estudió en Salamanca, con Nebrija. En 1492 entró al servicio del segundo Duque de Alba en cuya corte se encargaría de organizar festejos y escribir comedias y música. En la noche de Navidad de 1492, se representó por primera vez una de sus églogas, en el castillo de Alba de Tormes.

Protegido de don Gutierre, hermano del segundo duque, don Fadrique, vivió en la villa ducal. Al no conseguir su puesto de cantor en Salamanca, se marchó a Roma, donde sí fue nombrado como tal por el Papa León X. Estuvo viajando de Roma a España varias veces entre 1510 y 1519, hasta quedarse finalmente en León para desempeñar el priorato de la catedral.

En 1519 partió de peregrino hacia Jerusalén donde cantó su primera misa.

En 1534 sus restos son trasladados a la catedral de Salamanca, donde aún hoy sigue enterrado.

Paula Cole

2009-12-27T17:50:00.001+01:00

Paula Cole nació en Rockport, EE.UU., en 1968. Después de estudiar jazz y composición en el prestigioso Berklee College of Music, trabajó como músico profesional. Peter Gabriel la llevó en su gira mundial del año 1992-1993 y Cole publicó su álbum de debut "Harbinger" en 1994. Su siguiente disco, "This Fire" (1996), se convirtió en un hit. La canción "I Don't Want to Wait", perteneciente a "This Fire", se convirtió en el tema de la serie "Dawson's Creek" y se volvió a editar en el 98. Su tercer álbum "Amen", apareció un año después.

¿Dónde está mi John Wayne
¿Dónde está mi canción de la pradera
¿Dónde está mi final feliz
¿Dónde han ido todos los vaqueros?

Oh, you get me ready in your '56 Chevy
Why don't we go sit down in the shade?
Take shelter on my front porch
The dandelion, sun scorching
Like a glass of cold lemonade?
I will do laundry if you pay all the bills

Where is my John Wayne?
Where is my prairie song?
Where is my happy ending?
Where have all the cowboys gone?

Why don't you stay the evening?
Kick back and watch the TV
And I'll fix a little something to eat
Oh, I know your back hurts from working on the tractor
How do you take your coffee, my sweet?
I will raise the children if you pay all the bills

I am wearing my new dress tonight
But you don't, but you don't even notice me
(Say our goodbyes...)

We finally sell the Chevy
When we had another baby
And you took the job in Tennessee
You made friends at the farm
And you joined them at the bar
Almost every single day of the week
I will wash the dishes while you go have a beer

Where is my Marlboro man?
Where is his shiny gun?
Where is my lonely ranger?
Where have all the cowboys gone?

Beethoven, Sinfonia nº 7, 2º Movimiento - Karajan, Orquesta Filarmónica de Berlín

2009-12-27T17:48:00.000+01:00

Mike Oldfield - Polka

2009-12-23T21:59:00.001+01:00

Deleitémonos con un soberbio tema grabado en directo y extraido del indispensable Elements,(me refiero al formato de caja y no al penoso y obvio L.P del mismo nombre...)
Genial.

Louisa John-Krol

2009-12-23T21:57:00.000+01:00

Louisa John-Krol es una artista australiana del genero romantico pop- etereo feerico. Ha lanzado 5 albumes en solitario hasta la fecha (todos curiosamente comienzan con la letra A), originalmente publicados por el sello alemán Hyperium Records y en los años recientes con el sello francés Prikosnovénie.

También ha trabajado en innumerables proyectos con otros artistas, incluyendo dos bandas sonoras. Su trabajo ha sido incluido también en una docena de compilaciones. Ha sido comparada frecuentemente con Loreena McKennitt y Kate Bush.

Todas las letras de sus canciones provienen de cuentos de hadas y literatura en general. Ella también trabajó como «cuenta-cuentos» además de enseñar música y literatura.

* Argo (1996)
* Alexandria (2000)
* Ariel (2002)
* Alabaster (2003)
* Apple Pentacle (2005)
* Alexandria (2007)

Jordi Savall: Varias piezas

2009-12-21T14:03:00.000+01:00

Rembrandt. Autorretratos

2009-12-21T14:01:00.000+01:00

Kebnekajse - Folk progresivo sueco

2009-12-17T16:21:00.000+01:00

Excelente banda de los 70 desde Suecia.

Rush

2009-12-15T21:51:00.004+01:00

Rush es una banda de hard rock y rock progresivo de origen canadiense compuesta por el bajista, teclista y vocalista Geddy Lee (cuyo verdadero nombre es Gary Lee Weinrib), el guitarrista Alex Lifeson (cuyo verdadero nombre es Alexander Zivojinovich) y el baterista Neil Peart. La banda fue fundada en septiembre de 1968, en Sarnia, Ontario, por Lifeson, el bajista y cantante Jeff Jones (reemplazado un mes después por Lee) y el baterista John Rutsey. Grabaron su primer álbum a principios de 1974 y posteriormente, en julio de 1974, Peart reemplazó a Rutsey en la batería, para así completar la formación actual. Desde entonces, Rush, aún habiendo experimentado con toda clase de tendencias musicales dentro del rock, sigue manteniendo vigencia como uno de los referentes legendarios del género.

Rush ha sido merecedor del Premio Juno (equivalente canadiense de los Grammy) en varias ocasiones. Además, Lee, Lifeson, y Peart han sido condecorados con la Orden de Canadá, en el grado de Oficiales.

Con el paso del tiempo, el estilo musical de Rush ha ido cambiando significativamente. Su primer álbum tiene un sonido similar al de las bandas de rock británicas Led Zeppelin y The Who, pero en los siguientes discos su estilo evolucionó, influenciado principalmente por el movimiento británico de rock progresivo, pero manteniendo el hard rock como núcleo de su sonido.

La alineación original de Rush se reunió por primera vez en septiembre de 1968, con Jeff Jones (bajista y vocalista), John Rutsey (batería y coros) y Alex Lifeson (guitarrista y coros), siendo el hermano mayor de Rutsey quien sugirió el nombre Rush. Ese mismo mes, Jones fue reemplazado por un compañero de escuela de Lifeson, Geddy Lee, que era quien les prestaba el amplificador para que Jones pudiera tocar. Después de varios intentos infructuosos de lograr fama, Lee, Lifeson, y Rutsey finalmente grabaron su primer álbum en 1974, titulado simplemente Rush, muy semejante en sonoridad al estilo de Led Zeppelin, aunque más rocanrolero. Rush tuvo una fama local algo limitada, hasta que su lanzamiento original, distribuido por Moon Records, fue recogido por Donna Halper, quien era DJ en una estación de radio de Cleveland. Esta popularidad llevó a que el álbum fuera redistribuido por Mercury Records, la compañía discográfica de Rush hasta 1987.

Ese mismo año, Rutsey renunció debido a problemas de salud y disgustos por lo apretado de las giras. Rush comenzó a audicionar un baterista reemplazante y terminaron seleccionando a Neil Peart, quien llevó a Rush por un camino más progresivo a través de los siguientes álbumes, Fly by Night, Caress of Steel y el álbum conceptual 2112. Las letras en esa época fueron más densas y estaban muy influenciadas por la poesía clásica y literatura de ciencia ficción y, en algunos casos, por los escritos y conceptos filosóficos de Ayn Rand, como se evidencia más claramente en la canción "Anthem" (basada en una novela de Rand) y el álbum 2112.

Muchas de sus primeras canciones recibieron poca exposición debido a su larga duración (en algunos casos más de 10 minutos). Una notable excepción fue "Closer to the Heart" (de 3 minutos) de su álbum A Farewell to Kings (1977), que fue ampliamente radiado, convirtiéndose posteriormente en la canción emblemática de la banda canadiense. También de A Farewell to Kings, "Xanadu" (una de sus canciones épicas) se convirtió en una favorita de los fanáticos.

En 1978, el álbum Hemispheres seguiría el género de rock progresivo, incluyendo una segunda parte a la canción "Cygnus X-1", una de las obras musicalmente más complejas de la banda. Aunque Rush seguiría produciendo otras obras capitulares durante su carrera, "Hemispheres" fue su último tema épico. El agotamiento producido por haber realizado cinco álbumes en estudio y más de 1200 conciertos en cuatro años, les llevó a los integrantes de Rush a replantear su propuesta musical.

Al entrar a una nueva década, Rush comenzó a disponer de sus estilos viejos a favor de nuevas tendencias, más comerciales, con canciones más cortas y arreglos más suaves (que algunos consideran estériles). El álbum Permanent Waves (1980) cambió el estilo musical de Rush drásticamente. La banda sentía que habían explorado el formato de canciones largas tanto como podían o querían y optaron por canciones más cortas, que sin embargo retuvieran su tradicional complejidad y eficiencia musical. Aunque todavía era evidente el género musical hard rock, se introdujeron sintetizadores, como parte de la experimentación. Los temas de su lírica cambiaron drásticamente, dependiendo menos de imágenes de ciencia-ficción y adentrándose en conceptos como la vida y las influencias de la modernidad. Así mismo, otros géneros musicales, como reggae y new wave se colaban en las canciones de Rush a principios de la década.

Aunque las canciones largas también tuvieron apariciones en este período, como "Jacob's Ladder", "Natural Science" y "The Camera Eye", Rush ya no produciría temas largos en lo sucesivo, aunque muchas de las canciones de la banda tenían una duración de 5 a 6 minutos, lo que aún se encontraba fuera de lo convencional y acostumbrado en el mercado.

A pesar de las limitaciones impuestas para el formato radial por la duración de sus canciones, Rush tuvo mucha repercusión en emisoras de radio de rock a principios de los 80, gracias al éxito de algunas de las canciones más cortas y populares. Como resultado, Permanent Waves llegó al Top 10 del Billboard y alcanzó la categoría platino rápidamente. Una canción en particular, "The Spirit of Radio" (llamada así en honor a una exitosa estación de radio de Toronto, la CFNY), se convirtió en un éxito comercial a nivel de radio, abriendo las puertas del gran mercado comercial para la banda.

La popularidad de Rush alcanzó su cenit con el álbum Moving Pictures de 1981. La primera canción, "Tom Sawyer", es probablemente la más conocida de la banda -incluso Geddy Lee la califica como la "canción tradicional" de Rush. Moving Pictures se disparó a la posición número 3 en el Billboard en tan sólo dos semanas y ha sido certificado cuádruple-platino por la RIAA en 1995. Debido a lo vanguardista del género, "Tom Sawyer" aún se escucha regularmente en estaciones de rock clásico. De este periodo, sin embargo, no hay que dejar de lado éxitos tales como "Limelight", "YYZ" y "Red Barchetta".

A partir de 1982, los álbumes de Rush incorporaron más sintetizadores -lo cual propició el alejamiento del productor Terry Brown- y se apegaron más al estilo que comenzó con Permanent Waves, de manera que el sonido de sus álbumes a finales de los 80 y principios de los 90 no tiene ninguna semejanza musical con el de sus primeros trabajos. Power Windows (1985) y Hold Your Fire (1987) pueden ser considerados como obras cumbres en este capítulo de la historia de Rush. Dicho apego a la tecnología electrónica -incluso Neil Peart también innovó con sonido electrónico en la percusión- no estuvo exento de críticas a la banda por parte de la crítica especializada y de algunos seguidores. Alex Lifeson y su guitarra quedaron relegados a un segundo plano, ya que el registro de los sintetizadores es muy similar al de la guitarra, lo que le restó importancia a su aporte rítmico. Sin embargo, muchos temas como "Distant Early Warning", "Marathon" y "Force Ten" permiten apreciar el crecimiento musical de la banda, con el virtuosismo multiplicado y una ejecución precisa, que es posible escuchar en el álbum en directo A Show of Hands de 1988.

Rush se comenzó a apartar de este estilo con sus álbumes Presto y Roll the Bones, en donde llegan a coquetear con el jazz fusión. En lo que ya era su estilo acostumbrado de composición, Neil Peart se mantenía como el escritor de las letras mientras que Alex Lifeson y Geddy Lee componían la música. Posteriormente, la banda abandonó los sonidos sintetizados de sus grabaciones de estudio para retornar al género musical hard rock más pesado y dominado por guitarras, adaptando sus canciones a sonidos más orgánicos, dando cabida a los sonidos tradicionales, como el de la Gibson Les Paul. Esta transición comenzó con el álbum Counterparts en 1993.

Después del lanzamiento del álbum Test for Echo (1996), la banda entró en un receso de seis años, debido mayormente a tragedias personales en la vida de Neil Peart. Los fallecimientos de su única hija y luego de su esposa, en un periodo de diez meses, deprimieron profundamente al baterista, quien se adentró en un proceso de curación espiritual que él mismo llamó "travesía sanadora", realizando un viaje en motocicleta de miles de kilómetros a través de Norteamérica. Estas experiencias más adelante las resumió en un libro titulado Ghost Rider: Travels on the Healing Road. La banda ha revelado posteriormente que estuvieron muy cerca de separarse durante este período.

Rush regresó en 2002 con el álbum Vapor Trails. Este álbum resultó ser pesado y con un sonido moderno, sin sintetizadores, rescatando la esencia del hard rock. Los temas de las letras son diversos; aquí se incluye la canción "Ghost Rider", basada en la ya mencionada travesía de Peart, además de eventos de repercusión mundial, como la caída de las Torres Gemelas del World Trade Center el 11 de septiembre, que dan inspiración para la canción "Peaceable Kingdom". El álbum debutó con muy buenas críticas y fue acompañado de la primera gira de la banda en seis años, incluyendo conciertos en Ciudad de México y Río de Janeiro, donde tocaron enfrente de algunas de las multitudes más grandes de su carrera.

Para celebrar su trigésimo aniversario, en junio de 2004 lanzaron Feedback, un disco que contiene ocho covers de bandas clásicas tales como Cream, The Who y The Yardbirds, artistas que los miembros de Rush citan como fuente de inspiración en sus inicios. Este es el segundo disco oficial de la banda con covers de otros artistas, siendo el primero un 45 RPM del año 1973 que contenía un tema de Buddy Holly titulado "Not Fade Away". Inmediatamente después, Rush inició la gran gira del Trigésimo Aniversario (titulada R30), tocando en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Italia, Suecia, República Checa y Holanda. El 24 de septiembre de 2004 en Frankfurt, Alemania, el concierto fue grabado en DVD (titulado R30: Live in Frankfurt) y posteriormente lanzado al mercado también en versión audio (R30: 30th Anniversary World Tour).

El 13 de junio de 2006 fue lanzado Rush Replay X 3, un empaque que consiste en la reedición digital de tres grabaciones originales de giras anteriormente editadas durante la década de los 80: Exit... Stage Left, Grace Under Pressure Tour y A Show of Hands, remasterizadas todas para DVD. Este empaque especial incluye además un disco compacto con el audio de Grace Under Pressure Tour. El 1 de mayo de 2007, Rush lanza al mercado un nuevo álbum, bajo el nombre de Snakes & Arrows. Este trabajo contiene 13 temas con un estilo musical que se acerca mucho al de los álbumes de la década de los 70, sin sintetizadores y conteniendo mucho sonido acústico.

Álbumes de la banda :

1974 Rush 1975 Fly by Night 1975 Caress of Steel 1976 2112 1977 A Farewell to Kings 1978 Hemispheres 1980 Permanent Waves 1981 Moving Pictures 1982 Signals 1984 Grace Under Pressure 1985 Power Windows 1987 Hold Your Fire 1989 Presto 1991 Roll the Bones 1993 Counterparts 1996 Test for Echo 2004 Feedback (EP) 2007 Snakes & Arrows

Discos en directo de la banda : 1976 All The World's a Stage 1981 Exit... Stage Left 1988 A Show of Hands 1998 Different Stages 2003 Rush in Rio 2005 R30: 30th Anniversary World Tour 2008 Snakes & Arrows Live

Recopilaciones de la banda :

1978 Archives 1981 Rush Through Time 1984 Anthology 1990 Chronicles 1997 Retrospective I (1974-1980) 1997 Retrospective II (1981-1987)

LOREENA MCKENNITT:Magia de cristal aparente...

2009-12-14T21:41:00.002+01:00

The Bonny Swans,una obra de arte musical y como se puede comprobar en el video tambien visual... El otro tema es el tambien repleto de sensaciones oniricas titulado The Mummer's Dance... Magia al cuadrado

Felpeyu

2009-12-13T01:34:00.001+01:00

Felpeyu es un grupo de música folk de Asturias y una de las grandes referencias en la música asturiana.

Fue fundado en 1991 en Salamanca, donde estudiaban Bellas Artes sus miembros fundacionales Ígor Medio y Ruma Barbero, junto a los hermanos gallegos Cástor y Félix Castro. Desde entonces, desarrollaron su carrera musical con gran número de actuaciones por España, Europa y Australia.

Su primer trabajo discográfico fue el disco homónimo Felpeyu, editado en 1994 por FonoAstur. Para entonces, ya habían publicado la maqueta Fuxide oricios (1993) y contribuido al recopilatorio V Festival de Música Folk Galega (Edicións Discográficas Galegas, 1993). Aunque en aquellos comienzos interpretaban un repertorio con piezas tanto asturianas como gallegas, con la marcha de los hermanos Castro, Felpeyu se centraría en la parte asturiana.

En 1997 aparece su segundo disco, Tierra (FonoAstur), e insertan una de las piezas de su primer álbum en el prestigioso recopilatorio Naciones Celtas.

En 2000 publican Live Overseas (Urchin Records), disco en directo grabado en Ourense para una gira por Australia, y en 2002 Yá!, publicado esta vez por la compañía creada por el grupo, Tierra Discos.

El 24 de junio de 2006, el grupo sufre un trágico accidente de tráfico mientras viajaba de Asturias a Cataluña, donde iban a ofrecer un concierto. En el siniestro fallecieron los componentes Ígor Medio y Carlos Redondo, mientras que el resto de la formación -el percusionista Ruma Barbero, el acordeonista Xuan Nel Expósito, los violinistas Lisardo Prieto y Fernándo Oyágüez, el gaitero Diego Pangua y el técnico de sonido Slaven Kolak- sufrieron heridas de distinta gravedad.

Tras una larga temporada de inactividad, el grupo vuelve a los escenarios en el verano de 2007 con la incorporación de Dudu Puente al bajo y voz principal. Más adelante se une al grupo Moisés Suárez (guitarra).

En Abril de 2008 publican Canteros, también en Tierra Discos.

Taliesin

2009-12-10T23:02:00.003+01:00

Taliesin (c. 534 - 599), escrito Taliessin en Los idilios del rey, de Alfred Tennyson, es el más antiguo poeta galés conocido. Pertenecía al grupo de los Cynfeirdd (en galés, «bardos primitivos» durante la época heorica del reino de Gales, con el rey Cynan Garwyn y el príncipe Urien Rheged como héroes. Su poesía dramática muestra que la lengua galesa era empleada como medio artístico habitual. Toda su obra se encuentra recogida en el Llyfr Taliesin («libro de Taliesin»).

Soy el primero de los bardos ante Elphin,

y mi patria es el país de las estrellas del verano.

En su día me llamaba MerlínY hoy me llamo Taliesin.

He estado en el Cielo y en el Infierno

Estuve con Noé, durante la construcción del arca

Conozco los nombres de todas las estrellas

pero yo sigo siendo una maravilla inexplicada.

He tomado todas las formas posibles,

Estuve muerto y a la vez vivo,

Seguiré en la tierra hasta el juicio final,

Nadie sabe si soy pescado o carne

Fui llevado durante nueve meses,

en el vientre de la bruja Cerridwen

Entonces me conocían como el pequeño Gwyon

Pero ahora soy Taliesin.

La mayor parte de su vida está rodeada de misterio, de tal forma que algunos estudiosos afirman que tras el nombre de Taliesin se esconden varios poetas anónimos a lo largo del siglo VI. Su nombre ha sido asociado en la literatura posterior al culto druídico, como en la novela Las nieblas de Ávalon de Marion Zimmer Bradley, donde Taliesin es Merlín o en la también novela Taliesin de Stephen R. Lawhead, donde es presentado como el último gran chamán celta.

Jordi Savall

2009-12-10T16:22:00.000+01:00

Jordi Savall i Bernadet (Igualada, Barcelona, 1941) es un violagambista, director de orquesta y musicólogo español, especializado en música antigua.

empezó a estudiar música a los seis años en Igualada. En 1965 acabó sus estudios superiores de música y violonchelo en el Conservatorio de Barcelona.

En 1968 se trasladó a Suiza para ampliar su formación en la Schola Cantorum Basiliensis, reivindicando un instrumento antiguo casi olvidado, la viola de gamba, y defendiendo la importancia de la música antigua de la península Ibérica. En este centro fue discípulo del maestro August Wenzinger, a quien sucedió en 1973.

En 1970 empezó una exitosa carrera como intérprete de viola de gamba, de la que es considerado por la crítica uno de los más grandes intérpretes.

Entre 1974 y 1989 fundó tres conjuntos, Hespèrion XX (1974, ahora Hespèrion XXI), La Capella Reial de Catalunya (1987) y Le Concert des Nations (1989), con repertorios que van desde la Edad Media al siglo XIX, pero que siempre son interpretados con el máximo rigor histórico.

Ha dirigido orquestas de prestigio como la Orquesta Sinfónica de la Fundación Calouste Gulbenkian, la Orquesta Camerata de Salzburgo, la Wiener Kammerorchester y la Philarmonia Baroque Orchestra de San Francisco.

Durante más de 25 años de reivindicación de la música antigua, Jordi Savall ha recibido numerosas distinciones: En 1988 fue nombrado «Officier de l'Ordre des Artes et des Lettres» por el Ministerio de Cultura de Francia. En 1990 recibió la Creu de Sant Jordi de la Generalidad de Cataluña. En 1998, el Ministerio de Cultura de España le otorgó la Medalla de Oro de las Bellas Artes, y desde 1999 es Miembro de Honor de la Konzerthaus de Viena. También ha recibido el Premio de Honor de la Fundación Jaume I, y ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Université Catholique de Louvain (Bélgica).

Su discografía supera el centenar de grabaciones en diferentes sellos, por los cuales ha recibido más de cincuenta premios internacionales. Desde 1998 edita sus discos con su sello propio, ALIA VOX.

Su trabajo también incluye la música para películas, ganando un César (mejor música) en 1992 con la banda sonora de Tous les matins du monde, y resultando nominado en los mismos premios en 1998 por la partitura de Marquise.

Sirena Recorder Quartet

2009-12-10T16:18:00.001+01:00

Asombroso el virtuosismo de estas cuatro interpretes de flauta barroca,creando una conexion entre las variaciones mas armoniosas de algunos de los monstruos sagrados del citado periodo(Bach,Telemann..) y verdaderas performances de una elegancia exquisita... Ni una nota de mas,ni un movimiento de menos,todo creando un todo... Grandisima aha sido mi sorpresa al descubrirlas...

Es un honor para Sonido Amaranto presentar a Sirena Recorder Quartet...

COCOROSIE - SENCILLA HERMOSURA

2009-12-09T10:41:00.001+01:00

CocoRosie es un dúo norteamericano formado en 2003. Estilísticamente se podría clasificar su música como indie rock, indie electrónico o "dream pop",se caracterizan por un uso de la voz rasgada y despreocupada y de sintetizadores que a veces se reducen a simples sonidos de juguetes infantiles.

Sus miembros, Bianca y Sierra Casady, son hermanas. Ambas son vocalistas. Sierra toca varios instrumentos de cuerda y la flauta, mientras que Bianca se encarga de la percusión.

Las dos hermanas nacieron en Norteamérica, pero crecieron separadas. Se encontraron en París en 2003 y grabaron juntas su primer álbum: La Maison de mon Rêve, que vio la luz en 2004 con el sello Touch and Go Records.

Durante el año 2004 no pararon de dar conciertos en Estados Unidos y Europa, giras en las que tocaron con TV on the Radio, Bright Eyes y Devendra Banhart, entre otros.

Discografia del grupo :

* La Maison de Mon Rêve (lanzado el 9 de marzo del 2004, por Touch and Go/Quarterstick Records)

* Beautiful Boyz (lanzado el 14 de septiembre del 2004, por Touch and Go/Quarterstick Records)

* Noah's Ark (lanzado el 13 de septiembre del 2005, por Touch and Go/Quarterstick Records)

* The Adventures of Ghosthorse and Stillborn(lanzado el 10 de abril del 2007, por Touch and Go)

Tielman Susato - Allemande

2009-12-09T10:39:00.000+01:00

El grupo Egri csillagok ,desde Hungria,nos ofrecen esta magistral interpretacion.

Mike Oldfield - Altered State

2009-12-09T10:38:00.000+01:00

Fantastico extracto de Tubular Bells II.

The Chieftains-Lilly Bolero/ The White Cockade

2009-12-07T19:33:00.000+01:00

Extraido del maravilloso y mas que recomendable dvd titulado An irish evening de los maravillosos Chieftains,os dejo una pequeña muestra del saber hacer que siempre tuvo la banda del carismatico e histrionico Paddy Moloney.

The Chieftains - Away we go again

2009-12-07T19:31:00.000+01:00

Fantastico tema extraido del indispensable album Chieftains 7.

Carlos Nuñez - El pozo de Aran

2009-12-06T12:13:00.000+01:00

Soberbio tema del amigo Nuñez,en esta ocasion he decidido poneros la version en gallego,aunque sabeis que disponeis de la version en castellano tambien.
La influencia de el tema de Oldfield man in the rain,se hace patente en la cancion como el propio Carlos declaro en su momento.
Fantastico,mas que recomendable para pequeñas horas felices...

Llan de Cubel en directo

2009-12-06T12:10:00.001+01:00

Festival intercéltico de occidente,Tapia de Casariego,2007.

Blackmore's Night: I saw three ships

2009-12-04T17:00:00.000+01:00

En busca del sonido (4ª parte y última)

2009-12-04T16:58:00.000+01:00

Y aquí está por fin la última parte de En busca del sonido.

El ratón y el flatuista (pequeño psicodrama en un acto)

Gracias a Roderico Sombra (el ratón que convive con Perh en su casa) por su brillante actuación final.

En busca del sonido (3ª parte)

2009-12-04T16:57:00.000+01:00

Aquí traigo la siguiente entrega de En Busca del Sonido. Espero que os guste.

En busca del sonido (2ª parte)

2009-12-04T16:55:00.001+01:00

Os presento el segundo video de En Busca del Sonido, donde continúo explicando mi trabajo. En esta ocasión, el protagonista no es solo el mar, sino también el bosque.

En busca del sonido (video 1º)

2009-12-04T16:44:00.001+01:00

Aquí os dejo el primero de los cuatro videos que conforman el trabajo titulado En Busca del Sonido.
EN BUSCA DEL SONIDO

Un trabajo de Ryann Stone, Perh Martinez y Jean Charles Nohm para Abadia Producciones
Grabado en el otoño de 2008 en un pequeño lugar de la costa este...

I- EN EL MAR

Żywiołak

2009-12-03T21:01:00.000+01:00

Maravillosos.

Persephone

2009-12-03T20:58:00.000+01:00

Persephone, es un proyecto creado en el 2001 por Sonja Kraushofer, vocalista de L´âme Immortelle, y por Martin Höfert, uno de los tantos colaboradores de Sopor Aeternus. Sonja conoce en primer lugar a Tobias Hahn (programador, pianista de Janus), quien produjo el album de L´âme Immortelle «Dann Habe ich Umsonst gelebt».

Como resultado de la colaboración creativa y extensas pláticas, surge la idea de formar un proyecto que también involucrara a Dirk Riegert (vocalista de Janus). En 1999, de tour con Christian Death, conoce a uno de los tantísimos guitarristas que han desfilado por la banda, Wim Leydes. El chelo tiene un papel principal en Persephone y, Martin Höfert, también de Janus, se convierte en el arreglista de la banda.

Pekka Pohjola

2009-12-02T23:37:00.000+01:00

Jussi Pekka Pohjola (13 de enero de 1952 - 27 de noviembre de 2008) fue un multiinstrumentista, compositor y productor finlandés. Más conocido como bajista, Pohjola se formó por el método clásico en piano y violín. Inicialmente ganó fama como bajista de la banda de rock progresivo finlandesa Wigwan, aunque pronto la abondonó para iniciar su carrera en solitario, editando en su inicio albums de rock progresivo influenciados por Frank Zappa. Con el avance de su carrera desarrolló un estilo músical nuevo que podría describirse como jazz rock. Aparte de Wigman y sus discos en solitario, Pohjola también tocó con Made in Sweden, The Group y las bandas de Jukka Tolonen y Mike Oldfield.

Pohjola pertenecía a una de las familias de músicos más prominentes de Finlandia. El director Sakari Oramo es primo de Pohjola.

Pohjola estudió piano y violín clásicos en la Academia Sibelius de Helsinki, en Finlandia. Después de un período con The Boys (la incipiente banda finlandesa liderada por los hermanos Eero y Jussi Raittinen), se intergró en Wigwan en 1970, colaborando en dos de sus discos antes de abandonar el grupo en 1972 para proseguir su carrera en solitario (aunque Pohjola volvió a colaborar en el disco de Wigman Being de 1974). El primer disco en solitario de Pohjola Pihkasilmä Kaarnakorva (en inglés Resin Eye Bark Ear), editado en 1972, tiene parecidos notables con el trabajo de Frank Zappa. Trás abandonar Wigwma Pohjola también tocó con la banda de Jukka Tolonen durante un breve periodo. En 1974 se editó su segundo trabajo en solitario, Harakka Bialoipokku (en inglés: Bialoipokku the Magpie) en Finlandia. El album mostraba un Pohjola progresando en una nueva dirección, con uso enfatizado de trompetas, saxofones y piano. El album, con cierto influencia de jazz, llamó la atención de Richard Branson, ejecutivo de Virgin Records, de forma suficiente como para que lo editara al año siguiente en el Reino Unido bajo el nombre de B the Magpie.

Por petición de Virgin, Pohjola se unió a Mike Oldfield para grabar y producir su tercer disco en solitario, editado en Finlandia en 1977 como Keesojen Lehto (en inglés: Grove of the Keeso) y en el Reino Unido como Mathematician's Air Display. Más tarde, el albúm sería reeditado con el nombre de The Consequences Of Indecisions (en español, Las consecuencias de la incedisión) y atribuído a Mike Oldfield en vez de a Pohjola. A Oldfield le impresionó Pohjola como para pedirle que se uniera a él en su gira de 1979. Resultado de ello es que se puede oir a Pohjola en el álbum en directo Exposed de Oldfield, editado en 1979. En 1978 Pohjola formó The Group, que editó un álbum del mismo nombre en el mismo año. En 1979 Pohjola editó Visitation, su cuarto álbum en solitario. Sus tres discos anteriores en solitario habían mostrado influencias del Género fantástico, pero estas eran especialmente notables en su cuarto trabajo.

En 1980 The Group cambió su nombre a Pekka Pohjola Group y editó el disco Kätkävaaran Lohikäärme (en español: El Dragón de Kätkävaara). La banda se separó poco después del lanzamiento de su segundo disco. El siguiente álbum en solitario de Pohjola, Urban Tango, fue lanzado en 1982. fue un alejamiento radical del género fantástico e inspirado por la naturaleza presente en su trabajo de los 70. fue también el primer álbum de Pohjola en incluir canto comprensible, con la parte vocal cantada por Kassu Halone. Urban Tango fue también el primer disco lanzado desde la discográfica propia de Pohjola, Pohjola Records. Su siguiente disco fue la banda sonora de le película Jokamies (1983) de Hannu Heikinheimo, editado en 1984 como Everyman en los Estados Unidos y Alemania. El álbum es prominente en el uso de sintetizadores. Space Waltz, editado en 1985, profundizó en los temas oídos primero en Urban Tango. Flight Of The Angel (1986) fue el último álbum de Pohjola en los 80. Al año siguiente se editó un recopilatorio de su trabajo bajo el título de New Impresionist.

Durante los últimos 80 Pohjola compuso Sinfonia no. 1, que estrenada en directo en 1989 y editada en CD en 1990 fue ejecutada por el grupo musical AVANTI!. De vuelta al escenario musical en 1992, Pohjola lanzó Changing Waters, su noveno álbum en solitario. El sonido de este álbum difería mucho de los trabajo guitarrísticos de Pohjola en los 80, y ofrecía un entorno suavizado más basado en el piano. Changing Waters fue lanzado internacionalmente en primavera de 1993. El álbum estaba interpretado por los músicos finlandeses Seppo Kantonen (teclados), Markku Kanerva (guitarra) y Anssi Nykänen (batería), que conformaron banda regular con Pohjola.En mayor de 1995 Pohjola editó Live in Japan, una grabación de tres actuaciones en Tokyo en noviembre de 1994. Más tarde el mismo año editó un CD doble llamado Heavy Jazz - Live in Helsinki and Tokyo. Su siguiente disco de estudio, Pewit, apareció en septiembre de 1997. En mayo de 2001 sacó Views, que rebajaba el tono de rock sólido guitarrero de Urban Tango y Space Waltz, centrándose más en arreglos de jazz y pop clásico basados en arreglos para cuerdas. La única canción con guitarra del disco es The Red Porsche, realizado sobre un poema de Charles Bukowski.

La pista The Madness Subsides del disco B the Magpie fue utilizada por DJ Shadow como base principal en su canción Midnight in a Perfect World, del exitoso album Entroducing.... La misma base se utilizó en la canción Valo de SlowHill.

Pohjola murió el 27 de noviembre de 2008, a la edad de 56 años.

Yann Tiersen

2009-12-02T23:34:00.000+01:00

Yann Tiersen nació el 23 de junio de 1970 en la ciudad de Brest, Bretaña, Francia. Durante su infancia estudio en diversos conservatorios de Rennes, Nantes y Boulogne entre otros. Estudió violín, piano y más tarde composición, aunque no se limitó solamente a estos instrumentos ya que también posee gran técnica en el acordeón y el toy piano, convirtiéndose en un multi-instrumentista virtuoso.

Otro instrumento a destacar es la guitarra eléctrica, que ha convertido en el instrumento principal de sus conciertos. Desarrolló su juventud influenciado por el rock y la chanson (llegando a tener un grupo de rock en la adolescencia), y por la música clásica influenciado por sus estudios en conservatorio. Esta característica mezcla es base esencial para una comprensión adecuada de su música, llegando a compaginar e incluso unir el rock instrumental con partituras más clásicas durante toda su carrera.

En 1995 publicó su primer álbum bajo el sello Sine Terra Firme (más tarde renombrado como Ici d'Ailleurs), titulado La valse des monstres. La facultad multi-instrumentista de Yann Tiersen se ve reflejada en el producto de su disco, 17 piezas totalmente instrumentales con multitud de matices, sonidos e instrumentos. Un año más tarde publicó Rue des cascades, disco que incluye su primera canción vocal (que da título al álbum) con la colaboración de la cantante Claire Pichet. Al año siguiente, en 1998, este tema se convertiría en el principal de la banda sonora de la película La Vida Soñada de los Ángeles de Erick Zonca.

Antes de publicar su nuevo disco, realizó varias colaboraciones con distintos músicos de su país, siendo la más destacable el álbum homónimo con Bästard, en el que Tiersen junto al grupo francés Bästard se aleja de sus normativas tradicionales y se adentra en el nebuloso mundo del post-rock y la experimentación. La colaboración con Claire Pichet se volvió a repetir en Le phare (1998), su tercer disco que contó además con un nuevo invitado: Dominique A, siendo este uno de los discos más completos y con mejores críticas en el panorama independiente europeo.

Más tarde, durante el verano de 1999 presentó su álbum Tout est calme, esta vez dotando a su música de un aspecto más roquero, al verse acompañado de sus amigos del grupo The Married Monk, liderado por Christian Quermalet. Y en ese mismo año, llegó otro álbum titulado Black Session, grabado el 9 de diciembre durante un concierto rodeado de músicos consagrados de su país como Neil Hannon, Noir Désir, Les Têtes Raides o Mathieu Boogaerts.

En 2001 publicó L’Absente, el que tal vez ha sido su disco más producido, tanto por la cantidad de invitados como por la cantidad de instrumentos que complementan cada canción. Más cercano a la nueva canción francesa, dentro de los invitados se encuentran: The Vienna Symphony Orchestra, Lisa Germano, Neil Hannon (de The Divine Comedy), Dominique A, Françoiz Breut, Les Têtes Raides, Sacha Toorop (de Zoop Hopop), Natacha Regnier, Christian Quermalet (de The Married Monk), Marc Sens, Christine Ott y un cuarteto de cuerdas. El mismo año publicó el disco que probablemente le trajo la mayor cantidad de ovaciones por parte de los medios: La banda sonora de Le fabuleux destin d'Amelie Poulain, que a pesar de que tiene algunos temas nuevos, en mayor parte es integrada por viejas composiciones de sus tres primeros álbumes. Con esta banda sonora conseguiría el reconocimiento del público a nivel mundial.

En 2002, junto a una orquesta y una serie de artistas invitados (entre los cuales estaban Dominique A. y Christian Quermalet) publicó C'etait ici, que compila sus mejores temas en directo en un doble álbum.

Después de una multitudinaria gira en el año 2003, Yann Tiersen volvió a las colaboraciones, esta vez con la roquera americana Shannon Wright con quien compuso en sólo 20 días un disco de título homónimo en el que el rock independiente de Shannon se funde con la instrumentación particular de Tiersen en un total de 10 temas.

Tras L'absente pasarían 5 años sin publicar disco propio hasta que en el año 2005 viera la luz Les Retrouvailles (Los Reencuentros), compuesto y grabado en la isla de Ouessant, lugar de refugio e inspiración de Tiersen. En este disco cuenta con la colaboración nuevamente de Dominique A., además de Miossec, Stuart Staples (de Tindersticks), Liz Fraser (de Cocteau Twins) y Jane Birkin. A este disco le complementa un DVD que salió al mercado oficialmente el 12 de julio con el título de La traversée, película realizada por Aurélie du Boys y en el que se puede ver toda la realización de este último álbum que presentaría en concierto durante todo el año de 2005 y 2006 con un radical cambio en su música en directo, con mayor cantidad de arreglos y cercano al post-rock que siempre ha admirado. Este nuevo sonido quedó recogido en el próximo álbum en directo de Yann Tiersen, titulado On Tour que se editó oficialmente el 13 de noviembre de 2006, acompañado nuevamente de una película musical realizada por Aurelié du Boys que acompañó al músico bretón durante la gira. Gran parte de las grabaciones, pertenecientes tanto a la película como al álbum, son de sus conciertos en España y particularmente en Madrid, ciudad donde tocó 2 veces en un año durante la presentación de Les Retrouvailles.

La composición de sus temas comprende la manipulación de variados instrumentos, entre los cuales cabe destacar el piano de juguete (llamado toy-piano), el acordeón, el violonchelo, el banjo, el clavicordio y la melódica entre otros.

Películas como La Vie Rêvée des Anges (1998, Erick Zonca), Alice et Martin (1998, André Téchiné), Qui Plume la Lune? (1999, Christine Carrière), Amélie (2001, Jean-Pierre Jeunet) y Good bye, Lenin! (2003, Wolfgang Becker), han sido musicalizadas por Yann Tiersen, que anteriormente trabajó en la música dentro del mundo del teatro.

Discografía del autor :

* La valse des monstres, 1995.
* Rue des cascades, 1996.
* Le phare, 1998.
* Tout est calme, 1999.
* Black session, 1999.
* L'absente, 2001.
* Le fabuleux destin d'Amelie Poulain (BSO), 2001.
* C'etait ici, 2002.
* Good bye, Lenin! (BSO), 2003.
* Yann Tiersen & Shannon Wright, 2004.
* Les retrouvailles, 2005.
* On tour, 2006.
* Tabarly, 2008.

Películas dedicadas a su música :

* La traversée (de Aurelié du Boys), 2005.
* On tour (de Aurelié du Boys), 2006.

Filmografía (acompañamiento musical)

* Amélie (de Jean-Pierre Jeunet), 2001.
* Good Bye, Lenin! (de Wolfgang Becker), 2003.
* Alice et Martin (de André Téchiné), 1998.
* La Vie rêvée des anges (de Erick Zonca), 1998.

Supertramp - Dreamer (live 1974)

2009-12-02T23:29:00.000+01:00

Mucho se podria decir de la legendaria banda. Prometo publicar pronto un dossier completo para todos aquellos seguidores de tan soberbios creadores ...

Pentangle - Willy O' Winsbury (Dos versiones)

2009-12-01T22:49:00.000+01:00

Una hermosa cancion que aunque tradicional, fue popularizada por la mitica banda de folk barroco Pentagle.
Un autentico balsamo para dias grises.

Andreas Vollenweider - Behind The Gardens - Behind The Wall

2009-12-01T22:47:00.000+01:00

Fantastico trabajo ,probablemente el mejor de la carrera del arpista... Este corte,junto con Under the tree y Micro-Macro,lograron un album mas que recomendable.

Mike Oldfield - Hergest Ridge

2009-11-30T23:48:00.001+01:00

Mike Oldfield había soñado por mucho tiempo con el momento en que se editase Tubular Bells. Cuando aquello ocurrió no pudo aguantar la presión acumulada y, emocionalmente exhausto por el proceso de grabación y sus propias inseguridades ante la fama desorbitada que estaba adquiriendo, se retiró a su nueva casa de Herefordshire. Fue allí donde comenzó a crear su nueva obra, que más tarde adoptaría el nombre de la cercana colina Hergest Ridge.

Editado en el Reino Unido en septiembre de 1974, al igual que su predecesor, Hergest Ridge era un álbum que contenía un único tema musical, dividido en dos suites por las exigencias obvias del formato LP. De nuevo casi todos los instrumentos fueron tocados por el propio Mike. El efecto más comentado del disco fue el que un crítico llamó "tormenta eléctrica", un segmento de la cara B en el que se interpretaban simultáneamente múltiples guitarras eléctricas distorsionadas. Los demás músicos que contribuyeron al álbum fueron Sally Oldfield y Clodagh Simmonds (voces), June Whiting y Lindsay Cooper (oboes) y Ted Hobart (trompeta). Para Mike, la composición musical era una constante obra en progreso regida por leyes lógicas o emocionales, como si de un cuadro cubista se tratase. El esquema sinfónico usado en Tubular Bells fue continuado en una serie de obras posteriores: Hergest Ridge, Ommadawn, Incantations, Amarok...

Hergest Ridge saltó directamente al número uno de las listas de ventas del Reino Unido, desbancando a Tubular Bells, lo que supone aún hoy en día un hecho excepcional. Virgin Records también lo promocionó en televisión, aunque el eslogan tuvo que cambiarse para este propósito. El anuncio decía originalmente que el álbum estaba disponible en "Virgin (Virgen) y otras inmaculadas tiendas de discos", y tuvo que ser modificado debido a las posibles objeciones que pudiera presentar la Iglesia católica. Aunque algunos críticos vieron Hergest Ridge como una obra inferior a Tubular Bells, la mayoría dio su visto bueno. Un crítico dijo que era "la música rock más cotidiana, con algo de sinfonía clásica", y otro escribió que era "una serie de picos emocionales haciendo explosión aquí y allá a través de una cosquilleante tranquilidad". Hoy en día el álbum ha creado a su alrededor un cierto halo de disco maldito, tal vez por la sombra alargada de su predecesor, o por las circunstancias personales de su compositor en el momento de su grabación. Incluso el propio Oldfield ha hecho varias declaraciones poniendo en duda su calidad, lo que no tiene especial importancia teniendo en cuenta los constantes cambios de opinión que el músico experimenta sobre sí mismo y sobre su obra.

En diciembre de 1974 se presentaron en concierto las versiones orquestales de Tubular Bells y Hergest Ridge en el Royal Albert Hall de Londres. El concierto fue organizado por David Bedford, que dirigió a la Royal Philharmonic Orchestra con solos de guitarra de Steve Hillage. El mismo Mike tocaría la guitarra en la versión de estudio de la primera composición, que fue editada en enero de 1975 con el nombre de The Orchestral Tubular Bells. La escasa repercusión comercial del álbum llevó a la compañía a ahorrarse la publicación de The Orchestral Hergest Ridge. Ese mismo año, un poco más tarde, se presentaron esos mismos arreglos orquestales en conciertos en Glasgow y Newcastle. En Escocia, Hillage tocó las partes de guitarra con la Scottish National Orchestra, y el solista en la zona noreste fue Andy Summers, el que más tarde fuera miembro de The Police.

Caravan

2009-11-30T23:36:00.001+01:00

Caravan es una banda inglesa del área de Canterbury, fundada por algunos de los miembros del grupo Wilde Flowers: Dave Sinclair, Richard Sinclair, Pye Hastings y Richard Coughlan.Caravan alcanzó el éxito durante los años que van de 1968 a los primeros 70 como parte de la escena de Canterbury, combinando el rock psicodélico y el jazz en un sonido propio, cercano al de sus coetáneos Soft Machine. Caravan sigue en activo a comienzos del siglo XXI.

Tras la disolución de su banda anterior, Wilde Flowers, Dave Sinclair, Richard Sinclair, Pye Hastings y Richard Coughlan formaron Caravan en 1968. Fueron la primera banda inglesa que firmó para un sello estadounidense, Verve Records, que editó ese año su primer disco, homónimo. Al poco tiempo, Verve cerró su apartado de música rock y pop, lo que obligó a Caravan a cambiarse a Decca Records para editar en 1970 su segundo disco, If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You. El grupo apareció en el programa Top of the Tops interpretando la canción que da título al LP. En 1971, Caravan editó en Deram (el sello de Decca especializado en rock progresivo) su tercer disco, In the Land of Grey and Pink. Dave Sinclair abandonó a continuación el grupo y fue reemplazado por el también teclista Steve Miller, que aportó una mayor influencia jazzística, claramente perceptible en el siguiente disco de la banda, Waterloo Lily (1972), que fue recibido con cierta frialdad.

El grupo se separó al poco tiempo, quedando reducido al dúo formado por Hastings and Coughlan. Éstos reclutaron tres nuevos miembros: Geoffrey Richardson (intérprete de viola), el bajista Stu Evans y el teclista Derek Austin. La nueva formación dio numerosos conciertos pero no realizó grabaciones. En 1973, Evans fue reemplazado por John Perry y Dave Sinclair regresó al grupo. Su siguiente álbum, For Girls Who Grow Plump in the Night (1973) se considera una de sus obras más logradas. Perry abandonó poco después el grupo y fue reemplazado por Mike Wedgwood.

La presencia del grupo en las listas de ventas del Reino Unido y EE.UU. fue mínima. Su disco Cunning Stunts alcanzó el puesto 124 en la lista estadounidense. En la lista inglesa, Cunning Stunts llegó al puesto 50 y Blind Dog at St. Dunstan's al 53. Sin embargo, el grupo cuenta con numerosos seguidores, por lo que sus discos siguen en catálogo y sigue dando conciertos. La formación actual incluye a dos de los miembros fundadores, Pye Hastings (guitarra, voz, composición) and Richard Coughlan (batería).

Su disco más conocido es In the Land of Grey and Pink (1971). De él se ha escrito que «demuestra un agudo sentido de la melodía, un ingenio sutilmente cómico y una mezcla seductoramente suave de rock duro, folk, música clásica y jazz, en la que se entremezclan elementos de fantasía tolkieniana». Prolífica e inventiva, la riqueza de ideas de la banda no produjo sencillos accesibles, aptos para la radio. Las reediciones de sus discos en el siglo XXI aportan largas piezas inéditas, que a pesar de su calidad no llegaron a integrarse en sus álbumes de los 70.

La banda permaneció inactiva durante los 80, pero volvió a los escenarios en 1990, para una actuación en televisiva que en principio no iba a tener continuidad. Sin embargo, el grupo cobró nuevos bríos, coincidiendo con la reivindicación del rock progresivo. En 2003 editó un nuevo disco, Unauthorised Breakfast Item.

Discografía

Caravan (1968)
If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You (1970)
In the Land of Grey and Pink (1971)
Waterloo Lily (1972)
For Girls Who Grow Plump in the Night (1973)
Caravan and the New Symphonia (1974)
Cunning Stunts (1975)
Blind Dog at St. Dunstans (1976)
Better by Far (1977)
The Album (1980)
Back to Front (1982)
Live 1990 (1992)
Radio One Live in Concert BBC 1975 (1991)
Cool Water (1994)
Battle of Hastings (1995)
All Over You (1996)
Live: Canterbury Comes to London (1997)
Live in Holland: Back on the Tracks (1998)
Songs for Oblivion Fishermen (1998)
Ether Way (1998)
Show of Our Lives (1998)
Surprise Supplies (1999)
All Over You Too (1999)
Headloss (1999)
The HTD Years (2000)
Where But For Caravan Would I? (2000)
Green Bottles For Marjorie (2002)
Live at Fairfield Halls, 1974 (2002)
The Unauthorised Breakfast Item (2003)
The Show of Our Lives - Caravan at the BBC 1968-1975 (2007)

Mike oldfield - Crises

2009-11-30T23:31:00.001+01:00

Mayo de 1983 fue el décimo aniversario del lanzamiento de Tubular Bells. Mike editó su octavo álbum, Crises, y tocó un gran concierto en julio en el estadio londinense de Wembley. Los músicos que lo acompañaron en este evento incluían al batería Simon Phillips (quien tocara en Roxy Music) y a Phil Spalding, el bajista de Toyah.

Crises sería el primer disco hecho con Simon Phillips como coproductor. Sus vocalistas fueron Jon Anderson de Yes y Roger Chapman de Family (en Shadow On The Wall), así como la imprescindible Maggie Reilly. La pista más destacada fue Moonlight Shadow, cantada por Maggie Reilly, que fue entendida por todos como un tributo al por aquel entonces recientemente fallecido John Lennon, y que se convirtió en el single de más éxito de Mike desde que se editara Portsmouth siete años antes. El tema que da nombre al disco comienza con una dulce melodía similar al inicio de Tubular Bells, continuando con una parte blusera seguida de ácidas guitarras, con Mike gritando "Crises, crises... you can't get away". Después una parte mucho más fresca, seguida de un hermoso clímax. Realmente solemne en general. Más de 20 minutos de duración.

In the Court of the Crimson King - King Crimsom

2009-11-30T23:30:00.000+01:00

In the Court of the Crimson King es el primer álbum publicado por el grupo King Crimson en el año 1969. Es usualmente considerado el primer álbum de rock progresivo.

Este álbum se destaca por la combinación de las letras y la instrumentación (con importante influencia de jazz y música clásica). Si bien otros artistas habían fusionado a estos géneros con el rock, el debut de King Crimson tuvo una atmósfera mucho más oscura y reflexiva (en gran parte gracias a las ideas de Peter Sinfield, quien escribió las letras). Además, es uno de los primeros álbumes que se destacan por sus largas canciones (algunos con partes con nombre propio, con muchas improvisaciones y muy complejas), su concepto y su arte de tapa (diseñada por Barry Godber).

El álbum comienza con "21st Century Schizoid Man", una abrasiva mezcla de hard rock y jazz, pero a partir de la siguiente canción ("I Talk To The Wind", que había sido escrita con anterioridad, cuando aún existía Giles, Giles & Fripp) la atmósfera cambia. Se destaca el trabajo de Ian McDonald, el principal compositor, quien además toca el melotrón y la flauta, elementos importantes en el sonido de este disco. La canción más controversial es "Moonchild", que comienza como una canción similar a las que la rodean, pero luego se convierte en una improvisación con influencias de jazz de casi 10 minutos.

Esta formación se disolvería muy pronto y la banda pasaría a ser controlada por el guitarrista Robert Fripp. El siguiente álbum, "In the Wake of Poseidon", tuvo un sonido similar. Sin embargo, este álbum fue muy influyente en la emergente escena del rock progresivo y en el art rock.

Este trabajo alcanzó el puesto 5 en las listas inglesas y el puesto 28 en las de Estados Unidos. Fue remasterizado a fines de los años 1980.

Portada [editar]La portada fue realizada por Barry Godber (1946–1970), artista y programador informático. Godber murió en febrero de 1970 a causa de un infarto de miocardio, al poco tiempo de haberse editado el álbum. Este trabajo constituiría su única pintura, ahora propiedad de Robert Fripp. Con respecto a Godber, Fripp dijo:

Barry Godber no era pintor sino un programador de computadoras. Esta pintura fue la única que hizo. Él era amigo de Peter Sinfield y murió en 1970 de un ataque al corazón, cuando tenía 24 años. Peter trajo la pintura y a la banda le encantó. Recientemente, recubrí el original que estaba en las oficinas de EG porque estaba expuesta a la luz y bajo el riesgo de dañarse, así que acabé quitándola de allí. La cara que aparece afuera es la del Hombre Esquizoide y la de adentro es la del Rey Carmesí. Si miras a la cara sonriente, sus ojos revelan una increíble tristeza. ¿Qué puede uno agregar? Refleja la música.

Lista de temas

21st Century Schizoid Man" (Fripp/McDonald/Lake/Giles/Sinfield) (7:21), incluyendo:
"Mirrors"
"I Talk to the Wind" (McDonald/Sinfield) (6:06)
"Epitaph" (Fripp/McDonald/Lake/Giles/Sinfield) (8:47), incluyendo:
"March For No Reason"
"Tomorrow And Tomorrow"
"Moonchild" (Fripp/McDonald/Lake/Giles/Sinfield) (12:11), incluyendo:
"The Dream"
"The Illusion"
"The Court of the Crimson King" (McDonald/Sinfield) (9:25), incluyendo:
"The Return Of The Fire Witch"
"The Dance Of The Puppets"

King Crimson

Robert Fripp - guitarra
Greg Lake - bajo, voz líder
Ian McDonald - teclados, flauta, mellotron, coros
Michael Giles - batería, percusión, coros
Peter Sinfield - letras

Tales of Mystery and Imagination - The Alan Parsons Project

2009-11-30T23:24:00.000+01:00

Tales of Mystery and Imagination es el disco debut de Alan Parsons Project. El concepto del álbum gira en torno de la obra de Edgar Allan Poe a través de 7 cortes.
Su idea original, era hacer un álbum en el que Parsons y Woolfson aportarían la parte instrumental. Mientras que una serie de conocidos cantantes invitados, aportaban la parte vocal. La presentación inaugural de este trabajo en 1976, causó sensación al ser presentado en el Planetario del Observatorio del Parque Griffith, en Inglaterra, acompañado de un show de iluminación láser.

Vocalistas invitados para este fueron Arthur Brown, John Miles y Terry Sylvester. Lo que hace al disco único es que, a diferencia de los discos posteriores, aún con toda la tecnología empleada y con el concepto de progreso que caracteriza a Alan Parsons Project, el disco suena maravillosamente, antiguo y totalmente alejado del modernismo.

Jethro Tull - One brown mouse

2009-11-30T23:18:00.002+01:00

Maravillosa y casi infantil cancion,de hecho la letra esta sacada de un libro de nanas y canciones inglesas para niños,perteneciente al fantastico album Heavy Horses publicado por Jethro Tull el 10 de abril de 1978. Uno de los últimos discos en mostrar el auténtico sabor rural de la banda. Segundo de la trilogía acústica que reivindica la vida bucólica del campo (junto con Songs from the Wood y Stormwatch).

One Brown Mouse

Smile your little smile --- take some tea with me awhile.
Brush away that black cloud from your shoulder.
Twitch your whiskers. Feel that you're really real.
Another tea-time --- another day older.

Puff warm breath on your tiny hands.
You wish you were a man
who every day can turn another page.
Behind your glass you sit and look
at my ever-open book ---
One brown mouse sitting in a cage.

Do you wonder if I really care for you ---
Am I just the company you keep ---
Which one of us exercises on the old treadmill ---
Who hides his head, pretending to sleep?

Smile your little smile --- take some tea with me awhile.
And every day we'll turn another page.
Behind our glass we'll sit and look
at our ever-open book ---
One brown mouse sitting in a cage.

GTR

2009-11-30T23:16:00.001+01:00

Supergrupo surgido a mediados de los 80 como colaboración entre dos de los guitarristas más laureados de la escena progresiva de los 70, Steve Hackett, antiguo guitarrista de Genesis y Steve Howe, ex de Yes y Asia.
La banda además contaba con la producción de Geoff Downes, también implicado en Yes y Asia.

El proyecto contó con un exito más que razonable, con el single «When the heart rules the mind» llegando a lo más alto de las listas. Desafortunadamente, la perdida de interés por el proyecto por parte de los dos principales implicados (en especial Steve Hackett) hizo que éste desapareciese cuando se estaba componiendo material para un segundo album.

Kate Bush - The kick inside

2009-11-30T23:12:00.000+01:00

Catherine Bush nació el 30 de julio de 1958 en Bexleyheath, Kent (Inglaterra), en el seno de una familia de clase media (su padre era médico). Pasó los años de su niñez en St. Joseph's Convent School, donde estudió violín y piano. A la edad de 16 años fue descubierta por David Gilmour de Pink Floyd, quien quedó asombrado con el talento de la joven Cathy. Logró entonces, por mediación de Gilmour, grabar algunas de sus canciones, de manera que pronto la discográfica EMI se interesó por sus composiciones. Sin embargo, una vez Cathy, desde ahora Kate, firmó un contrato con la casa de discos, no se sumergió directamente en la grabación de su primer trabajo: durante tres años recibió clases de mimo, danza y canto, de manera que pudo desarrollar con creces sus aptitudes y lograr un conocimiento musical profundo.

Llegada a la edad de 19 años, Kate se embarcó en la difícil tarea de registrar sus canciones en el que sería su primer álbum: lanzado en 1978, "The Kick Inside" supuso una propuesta alternativa en un momento en el que el mundo parecía vacilar entre la agitación punk y el disco-pop más descarado. Ciertamente, algunas de las canciones de "The Kick Inside" pueden llegar a resultar "difíciles" al escucharlas por primera vez. Combina baladas románticas con aires de rock psicodélico, folk y reggae. Canciones como la jubilosa "Kite", la fantasmal "Moving" o "Man with the child in his eyes", podrían considerarse algunos de los momentos más significativos del disco, en el cual la particular voz de Kate se apoya en una producción que combina pianos, violines y guitarras psicodélicas

Si una canción puede representar significativamente el éxito inesperado de Kate Bush quizás sea el single "Wuthering Heights": el tema, inspirado en la trágica historia de amor de Cathy y Heathcliff de "Cumbres Borrascosas", se convirtió en uno de los singles más exitosos en las listas musicales europeas, llegando a alcanzar el nº 1 de la lista de singles británica durante varias semanas. Nunca más Kate Bush llegaría tan alto en las listas musicales. El videoclip lanzado para la promoción muestra a una jovencísima Kate Bush caracterizada como un espectro que danza atormentado en un paisaje de niebla.

Cumbres borrascosas

Afuera en el "wiley", páramos ventosos
Rodaríamos y caeríamos a lo verde
Tú tenías un temperamento, como mis celos
Demasiado caliente, demasiado codicioso
¿Cómo podrías dejarme?
Cuando necesito poseerte
Te odiaba, también te amaba

Pesadillas en la noche
Me decían que iba a perder la pelea
Dejar atrás mis borrascosas, borrascosas
Cumbres borrascosas

Heathcliff, soy yo, Cathy vuelve a casa
Tengo tanto frío, permíteme acercarme a tu ventana

Oh, se ha puesto tan oscuro, tan solitario
Del otro lado de ti
Me aflijo, encuentro la suerte
Me caigo sin ti
Estoy volviendo en el amor, cruel Heathcliff
Mi único sueño, mi único amo

Por mucho tiempo he vagado en la noche
Estoy volviendo a su lado para estar bien
Estoy volviendo a casa a las borrascosas, borrascosas
Cumbres borrascosas

Heathcliff, soy yo, Cathy vuelve a casa
Tengo tanto frío, permíteme acercarme a tu ventana

Oh, déjame tenerla, déjame arrebatarte el alma
Oh, déjame tenerla, déjame arrebatarte el alma
Sabes que soy yo, Cathy

Heathcliff, soy yo, Cathy vuelve a casa
Tengo tanto frío, permíteme acercarme a tu ventana

Wuthering Heights


Out on the wiley, windy moors
We'd roll and fall in green
You had a temper, like my jealousy
Too hot, too greedy
How could you leave me?
When I need to possess you
I hated you, I loved you too 

Bad dreams in the night
They told me I was going to lose the fight
Leave behind my wuthering, wuthering
Wuthering Heights 

Heathcliff, it's me, Cathy come home
I'm so cold, let me in-a-your window 

Oh it gets dark, it gets lonely
On the other side from you
I pine alot, I find the lot
Falls through without you
I'm coming back love, cruel Heathcliff
My one dream, my only master 

Too long I roam in the night
I'm coming back to his side to put it right
I'm coming home to wuthering wuthering
Wuthering Heights 

Heathcliff it's me Cathy come home
I'm so cold let me in-a-your window 

Oh let me have it, let me grab your soul away
Oh let me have it, let me grab your soul away
You know it's me, Cathy 

Heathcliff it's me, Cathy come home 
I'm so cold, let me in-a-your window.

Gaitas de las islas britanicas

2009-11-30T23:10:00.000+01:00

Inglaterra

Antiguamente este país poseía 4 tipos de gaitas, la gaita militar (war pipe), la Half Long Pipe, la Shuttle Pipe; y la gaita pequeña (small pipe). De todas, la primera es de soplido pulmonar y las otras utilizan soplo mecánico. La War Pipe solía tener un solo roncón bajo, o dos tenores y era probablemente similar a la vieja gaita escocesa.
La English Great Bagpipe consta de un puntero cónico. No tieme agujero para el dedo pulgar, utiliza lengüeta doble y los reeds (cañas) escocesas modificadas sirven para ser utilizados en ella. El roncón es bastante largo, tiene, tiene aproximadamente 132 cm, dividido en cuatro secciones de afinación. El fol está cosido. Si se desea soplo mecánico se le puede adosar un fuelle.

La Half Long Pipe puede ser identificada con la Lowand Pipe escocesa. Tiene tres roncones en una sola buxa, un puntero de 30 cm y nueve notas. Pero los roncones en vez de estar dispuestos bajo, tenor y tenor, en este modelo es bajo, barítono y tenor. Al igual que la Lowland, si se toca sentados los roncones descansan sobre las piernas. Si se usa para marchar caen sobre el hombro del gaitero.

La Shuttle-Pipe es muy parecida a la musette con dos roncones y un puntero parecido a la Northumbrian. Ha desaparecido totalmente.

La Nothumbrian Small Pipe es un instrumento netamente de interiores. Por el siglo XVIII a un anónimo artesano se le ocurrió cerrar el puntero y esa ha sido la regla hasta el día de hoy. El único puntero cerrado que se puede encontrar en cualquier tipo de gaita. Este cerramiento permite lograr lo que se denomina ataccato y repetir la misma nota muchas veces sin utilizar “grace notes”. Tiene tres roncones y un puntero con siete llaves.

Escocia

En este país hay cuatro modelos de gaita

- la highland (poib mhor)
- la lowland pipe,
- la lowland pipe (híbrida),
- y la small pipe

La Highland pipe (poib mhor) es primordialmente un instrumento marcial, que ha sido llevado a un alto nivel de perfección tanto en diseño como en manufactura y se la puede encontrar en cualquier parte del mundo. El modelo más antiguo de que se tiene data es de 1409 y se la puede ver en Edimburgo. Consiste en dos roncones tenores colocados en abanico y en una sola buxa, un puntero cónico con 8 agujeros y un soplete. Y aunque el soplete y la parte de la palleta de uno de los roncones fueron reemplazados, conservan muy bien su forma original.

De este tipo de instrumento ha evolucionado hasta hoy la actual gran gaita, habiéndose agregado el tercer roncón o roncón bajo aproximadamente por el año 1700.

Consiste en un odre de cuero de oveja al que se le ajustan cinco buxas en las que se colocan los tres roncones y el puntero con sus lengüetas y el soplete. Este último contrariamente al de los otros países se los fabrica largos, para permitir que el gaitero sostenga el fol bien debajo de su brazo y para mantener la cabeza erecta. Los sopletes de otros países son cortos, y por lo tanto es necesario que el ejecutante sostenga el fol contra su pecho presionando con su antebrazo, también tiende a poner su cabeza inclinándola hacia el piso, algo bastante contrario al orgullo que demuestran los gaiteros escoceses.

Los roncones de la gaita escocesa están colocados en abanico separados entre ellos por una distancia determinada y sostenidos por cordones rematados con una borla en cada extremo. El roncón bajo descansa sobre el hombro del gaitero. Cada roncón tenor tiene una longitud de aproximadamente 37,5 cm. El roncón bajo mide aproximadamente 75 cm y es afinado una octava debajo de los tenores. Este es el modo moderno, pero en el pasado se los solía afinar en quintas. El puntero es cónico con 8 agujeros y dos orejas (que nunca se tapan) el sonido es fuerte y penetrante.

La gaita Lowland es de soplido mecánico, tiene tres roncones en una sola buxa. Estos caen a lo largo del pecho del gaitero, el puntero y los roncones son ligeramente más pequeños que en la highland, pero en términos musicales son lo mismo.

Otro tipo de lowland pipe fue introducida a mediados del siglo XVIII en la forma de una híbrida uillean pipe irlandesa. Usualmente tenía dos roncones y un solo regulador insertados en la misma buxa. El puntero era del modelo de la uillean. Este instrumento no logró el favor de los gaiteros.

La cuarta gaita escosesa es la Small pipe, puede ser de soplo mecánico o de boca. El puntero es como el de la highland pero en miniatura, tiene 17,5 cm de largo y 8 agujeros. Los roncones son 3 y están en la misma buxa. El tono de este instrumento no es más fuerte que el del violín y es muy bueno para tocar en salones. Si bien, de todas las gaitas escocesas, la highland permanece en uso regular la respuesta al contemporáneo interés y renacimiento de este instrumento de la frontera (lowland). El instrumento tiene una gran atracción tanto para los gaiteros de highland como para los músicos folk. El puntero está en Si bemol.

Irlanda

La gaita irlandesa tiene dos formas, bastante distinta una de la otra: la War pipe, de soplido mecánico, perfecta sólo para ambientes cerrados; y la Uillean pipe.

La moderna gaita irlandesa para propósitos militares difiere de la escocesa en un solo aspecto, tiene dos roncones en vez de tres. Ambos tienen buxas separadas, con el roncón bajo descansando sobre el hombro. Otro modelo de War pipe irlandés fue realizado entre 1900 y 1910 por Henry Starck de Londres y bautizada como "Brian Boru" - un legendario rey celta -. Consiste en tres roncones todos colocados en la misma buxa y suenan: tenor, bajo, y barítono. El puntero tiene llaves, puede ser descripto con un puntero de highland con llaves extra y poseedor de grandes capacidades. Se cree que la War pipe fue introducida en Irlanda aproximadamente en 1588.

Pero en el siglo XVIII la uillean pipe se hizo popular y se le hicieron mejoras en su construcción. El puntero tiene 8 agujeros, un largo que varía de los 35 cm a los 42,5 cm y lleva llaves. Los roncones son 3 en una sola buxa y los reguladores pueden ser 3, aunque ocasionalmente llegan a 4. Algunos han llegado a detener el sonido del puntero y continuar la melodía con los reguladores. Los roncones tienen válvulas en las buxas que posibilitan ser silenciados mientras siguen sonando los reguladores. Cuando se necesita un gran volumen, los punteros son construidos para llevar dos lengüetas. Esta gaita lleva lengüetas dobles en el puntero y reguladores simples en los roncones.

La Bombarda

2009-11-30T23:08:00.000+01:00

La bombarda es un instrumento musical de viento madera, encuadrado en la familia de los oboes, muy relacionado con la dulzaina española, empleado en la música tradicional bretona (en bretón se le llama ar borvard o an talabard).

Está compuesto de tres partes: la embocadura, el cuerpo y el pabellón.

el cuerpo, ligeramente cónico y recto, consta de seis o siete agujeros (o más si se le añaden llaves).
el pabellón, hecho con otra pieza de la misma madera, es de forma acampanada, y se encaja con el extremo inferior del tronco.
la embocadura lleva encajada una lengüeta doble.

El instrumento se fabrica con un tipo de madera duro, como boj, peral, guayacán, palisandro o ébano; y puede ir decorado con anillos de estaño, de cuerno, de diversas maderas o incluso de marfil.

Su tonalidad es generalmente en si bemol, en dos octavas (diatónicas), igual que en la gaita escocesa que se emplea en Bretaña (no así la usada en la propia Escocia, que está en la). Existen bombardas en muchas otras tonalidades (fa, sol, sol#, la, sib, si, do, re), según la región.

Puede tocarse en pareja (formando dúo con una gaita bretona, la biniou kozh o la biniou braz), para acompañar las danzas bretonas; dentro de una bagad o acompañada por un órgano en las representaciones más concertantes.

La bombarda posee un sonido claro y potente, que llega lejos. De hecho, exige soplar mucho y un bombardista raramente puede tocar durante mucho tiempo. Habitualmente, la bombarda realiza una frase musical y a continuación el instrumentista se recupera mientras otros instrumentos repiten la frase.

Recomendaciones musicales para este otoño

2009-11-30T23:05:00.000+01:00

Ahora que se acerca el otoño, mi época favorita, quisiera recomendaros una serie de discos en la linea de los trabajos que suelo poner en este blog.

Ommadawn, de Mike Oldfield.

En mi humilde opinión, la obra maestra del último genio musical de la Historia.Las atmósferas creadas hacen un recorrido por la música tradicional de varios países, sumergiéndose en algún que otro paisaje medieval y encumbrando momentos magistrales de folk irlandés.
Maravillosas las colaboraciones de músicos de la talla de Paddy Molloney.

Na llende, de Llan de Cubel.

Cualquier trabajo de mis compañeros es óptimo de escuchar en jornadas en las que la oscuridad va ganándole terreno a la luz.. Un trabajo para fijarse en los más ínfimos matices.
El cantar del Alleran que perdió la guerra, toda una joya.

The nine maidens, de John Renbourn.

Uno de mis discos de cabecera. las afinaciones del ex lider de Pentagle nos presentan la combinación más elegante entre el folk inglés y la música que va desde el medievo al barroco. Altamente recomendable para todos aquellos guitarristas que deseen pulir su técnica en el finger-picking y para los amantes de la buena música.

Una Jornada en casa, de Alan Stivell.

Palabras muy mayores, todo un clásico entre los clásicos este trabajo de 1977. El tema Trinquoise nous verres es sin duda una de las melodías más hermosas creadas por el hombre.

The visit, de Loreena McKennitt.

Indispensable, la canadiense, auténtica erudita en el campo musical, nos sorprende una y otra vez con una elegancia y un buen saber hacer propio de los músicos de avanzada factura.

Espero que estas primeras recomendaciones sean de vuestro agrado. Si tenéis alguna duda sobre el tema confío en que me la hagáis llegar.

Mike oldfield single 2009(Re-edicion 2009)

2009-11-30T22:57:00.000+01:00

Impresionante el sonido logrado a la opera prima de Oldfield,pienso que al fin el genio de Reading ha logrado encontrar el sonido que tanto deseaba para su obra.
Genial.

Buzuki irlandes

2009-11-30T22:55:00.000+01:00

El buzuki griego fue introducido en la música tradicional irlandesa en los años 60 por Johnny Moynihan y casi inmediatamente también por Andy Irvine. Poco después, el buzuki irlandés comenzó a transformarse en algo parecido a su forma actual. Hoy, el buzuki irlandés juega parte importante en la interpretación de música tradicional irlandesa, casi siempre (pero no siempre) como acompañamiento, sobre todo como mezcla de acordes de dos notas, bajos y contramelodías. Quizás el exponente más conocido de buzuki irlandés es Dónal Lunny, quien también inventó una versión eléctrica del instrumento, conocido como e-zuk.

El buzuki irlandés tiene, generalmente, la caja plana o ligeramente arqueada por detrás (como la caja de una guitarra o de una mandolina irlandesa, americana, o portuguesa) en lugar de arqueada como la del buzuki griego, y, a diferencia de éste, se afina generalmente en Sol - Re - La - Re o Sol - Re - La - Mi (una octava por debajo de la mandolina). Para todos los efectos, el buzuki irlandés moderno pertenece a la familia de la mandolina y tiene de buzuki sólo el nombre. Sin embargo, el buzuki irlandés se diferencia de la mandolina en que tiene un mástil más largo y una afinación característica. Como las mandolinas, los buzukia irlandeses se fabrican con las tapas planas, talladas (arqueadas) y dobladas. Ya casi nadie utiliza el buzuki griego en la música irlandesa de hoy; Alec Finn es el único profesional que se conoce que continúa tocando uno.

La longitud típica de un buzuki irlandés es de 22 a 24 pulgadas (550 a 610 mm), aunque existen algunos de 26 pulgadas (660 mm). Al instrumento de igual afinación pero con una longitud de 20 pulgadas (500 mm) o menos generalmente se le conoce (en Europa y Estados Unidos) como mandola o mandolina octava. Peter Abnett, un luthier inglés, continúa construyendo bouzoukis, mandolas y mandolinas en el presente. Los Luthiers Stefan Sobell y Joe Foley también han sido figuras importantes en el desarrollo de este instrumento.

Gwendal

2009-11-30T22:52:00.000+01:00

Gwendal es un grupo de Música Celta de origen francés y breton.
La banda se forma en 1972 por iniciativa de Youenn le Berre y Jean-Marie Renard. El primer álbum no se hizo esperar, y salió a la venta en 1974 con el nombre de "Irish Jig". Desde el primer momento se puede apreciar que este grupo cuenta con una gran multiplicidad de influencias, desde la música tradicional irlandesa hasta el rock pasando por el jazz y la música clásica.

El éxito fue rotundo en cuanto a crítica de medios especializados y en cuanto a venta, lo que lleva al grupo a publicar su segundo LP tan solo un año más tarde con el título de "Joe can't reel". En ésta obra se produce la primera aparición del violín eléctrico de Robert Le Gall, y cuenta con las ilustraciones de Claire Bretécher.

A finales de este año Gwendal incorpora la batería a sus composiciones, con el músico Arnaud Rogers. El tercer LP, "Rainy day", contaba con ilustraciones de Bilal. El cuarto trabajo, "4", sale a la venta en 1979 y es el que más cercano está al rock progresivo y al jazz.

A comienzos de los años 80 Gwendal publica su primer disco en directo, grabado en un concierto dado en Madrid -lo cual denota la buena acogida que tiene la formación gala en España-. La evolución del grupo es tremenda, y en este periodo hay algunos cambios. Jean-Marie Renard deja de lado el apartado musical y se convierte en el manager del grupo, siendo reemplazado por François Ovide. Además, Paul Fort entra en el combo para hacerse cargo de los sintetizadores, mientras que Pascal Sarton toma las riendas del bajo. También el batería es sustituido, por David Rusaouen.

Tras todos estos cambios el sexto disco de Gwendal, "Locomo" (1983), tiene unos aires algo diferentes. "Danse la Musique" sigue con esa dinámica, y más aún tras el cambio de Robert le Gall, que deja el violón en favor del bajo. En 1989 publican "Glen River", que ofrece unas influencias muy setenteras y que obtiene el premio de la Academia Charles Cros.

El próximo disco tardaría seis años en llegar, y "Pan Ha Diskan" (1995) da un giro radical con la inclusión de instrumentos y ritmos africanos e indios. A partir de aquí Gwendal entra en un periodo de reposo en el que sus miembros darán rienda a proyectos más personales y trabajarán por separado. Sin embargo, el grupo, por su acogida en territorio español, sigue manteniendo cierta actividad. Así pues, en 2003 hay una vuelta a la actividad con la inclusión de Ludovic Mesnil y Dan Ar Braz que se materializa en 2005 con el LP "War Raog".

Discos de la banda :

* Irish Jig (1974)
* Joe can´t reel (1976)
* Rainy day (A vos desirs) (1977)
* 4 (Les mouettes se battent) (1977)
* en concert (1981)
* Locomo (1983)
* Danse la musique (1985)
* Glen river (1989)
* Pan Ha Discank (1995)
* War Raog (2005)
* The rolled tit

Recopilatorios de la banda :

* Les Plus Belles Chansons de Gwendal (1994)
* Aventures Celtiques (1998)

El arpa europea

2009-11-30T22:24:00.001+01:00

Se puede dividir el arpa europea en dos modelos:

Arpa medieval, de origen irlandés, también conocida como arpa Bárdica. No superior a los 75 cm de alta y de afinación diatónica, cuerdas metálicas, ornamentalmente rica en tallas, dibujos e incrustaciones de metal. En la actualidad aun se tienen dos ejemplos claros, uno es el arpa del rey Brian Boru (muerto en 1014) que se puede encontrar en el museo de Dublín, y otra es el arpa de la reina Mary de escocia, en el museo nacional de Edimburgo.
Arpa celta (de origen galés), puede tener hasta 105 cm de altura, 34 cuerdas y con la posibilidad de incorporar sistemas de semitonos.
Ambas tienen el pilar curvado y su caja de resonancia se ensancha en las cuerdas graves. Como consecuencia de cambiar el pilar curvado del arpa celta por uno recto, surge el arpa Minstrel, cuyas formas inspiraron a los constructores de las arpas modernas de concierto. En esta última la colocación de sistemas de semitonos es ya habitual y sus dimensiones aumentan.

Mal llamada muchas veces "arpa céltica" debido a una mala traducción del término anglosajón celtic (celta), el arpa de palancas es un arpa diatónica que admite dos afinaciones para cada cuerda, gracias a una palanca que se acciona manualmente en todas las cuerdas que lo requieran, a lo largo de la tesitura del instrumento. Este sistema permite ejecutar piezas en una amplia variedad de tonalidades, siempre que no se requiera un cambio muy rápido entre una y otra, y que no existan notas alteradas o fuera de la escala básica de la tonalidad en curso. Es un instrumento popular de la música folclórica de muchos países.

Ahora el número de cuerdas se eleva a 47 y son de clases diferentes. Hay 26 en el registro medio que son de tripa de carnero, 10 ó 11 en el registro agudo que son de nylon, en tanto que las 12 restantes son de alpaca o cobre (entorchadas en acero) para el registro grave. La extensión es de 6 octavas y media (de C 1 (alterable mediante afinación manual) a G# 6): esta es la extensión más amplia después del órgano y el piano.

El arpa medieval era diatónica, y el arpa moderna, por el contrario, nació con los primeros intentos de cromatismo que la evolución de la música occidental exigía. Los primeros intentos surgieron de los talleres de luthiers irlandeses en el siglo XVI, que proveyeron al arpa de una doble fila de cuerdas. En el siglo XVII se incorpora una tercera fila, la 1ª la 3ª fila eran diatónicas (29 cuerdas cada fila) mientras que la 2ª fila, con 20 cuerdas, estaba reservada para los semitonos.

En la música pop, el arpa aparece rara vez. Joanna Newsom y Dee Carstensen son cantautoras y arpistas. Un arpista de pedal, Ricky Rasura, es miembro de la banda de "pop sinfónico" The Polyphonic Spree, y la islandesa Björk a veces introduce arpa acústica y eléctrica en su obra, a menudo tocada por Parkins. Art in America fue la primera banda de rock que usó arpa a pedal en una grabación importante, y sólo publicó un álbum, en 1983. El arpa de pedal estaba también presente en el concierto de Michael Kamen y Metallica, S&M como parte de la Orquesta sinfónica de San Francisco. Algunos artistas que siguen la línea de un pop céltico como Clannad y Loreena McKennitt incluyen arpas folclóricas en su obra, siguiendo el trabajo de Alan Stivell.

Sessions

2009-11-30T22:22:00.000+01:00

Las sessions son reuniones más o menos informales de músicos que se reúnen para interpretar música tradicional irlandesa. Suelen tener lugar en pubs y estar abiertas a cualquiera que sepa interpretar un instrumento. Están profundamente arraigadas en la cultura de Irlanda y constituyen el vehículo principal de interpretación y transmisión de la música tradicional. Entre los instrumentos que se tocan con más frecuencia están el violín, las flautas -incluyendo la flauta de pico tradicional, el whistle, guitarra, bodhrán, bouzouki, acordeón, concertina, banjo y gaita irlandesa

La Zanfona

2009-11-30T22:20:00.000+01:00

De este instrumento me encanta hablar,llevo tocandolo desde hace 20 años,y mi padre los ha construido a lo largo de otros tantos años.

Una zanfona (también llamada cinfonía, zanfonía y viola de rueda, en Galicia: zanfoña o zampoña, en Zamora: gaita zamorana y gaita de pobre, en Asturias: Gaita de Rabil y Zanfonía, en el País Vasco: Zarrabete, en Cataluña: Viola de roda, en Palencia: Rabil de manubrio),es un instrumento musical perteneciente a la familia de los cordófonos frotados. Es un instrumento muy extendido en la música popular europea con numerosas variantes en distintas regiones y épocas.

No conviene confundirla con la zampoña, que es un instrumento de viento.
La zanfona se asemeja a un violín mecánico en el que varias cuerdas vibran por la fricción de una rueda en resinada (situada en la caja de resonancia del instrumento) que gira gracias a un manubrio

Las notas cambian al presionar las teclas de un teclado dotado de unas espadillas que acortan la cuerda melódica. La zanfona común tiene dos o tres cuerdas melódicas o cantantes, de las que se obtienen varias notas (alrededor de dos octavas de un piano), y dos o tres bordones a los lados, que emiten una sola nota (generalmente más grave). Esta nota sostenida independiente de la melodía es la que le ha valido el sobrenombre de gaita zamorana o de pobre, debido a la nota sostenida o bordón de la gaita, y debido a esta particularidad es intercambiable por la gaita en muchos estilos de música popular, especialmente en Francia y Hungría. Las zanfonas actuales pueden llegar a tener 23 cuerdas, agrupadas en cuatro categorías: melódicas, bordones, rítmicas (o trompetas) y simpáticas (que vibran sin necesidad de tañerlas porque entran en resonancia).

La zanfona apareció en Europa Occidental hacia el siglo IX. Su origen podría estar en España o tal vez en Oriente Próximo. En sus formas más antiguas se usaba en la música religiosa medieval, requería dos intérpretes y recibía el nombre de organistrum (‘organito’) y más tarde vielle à roue (‘viola a rueda’) y symphonia.

La primera referencia escrita la da el abad Odo de Cluny en su obra Quomodo organistrum construatur (como construir un organistrum) si bien su veracidad es dudosa dado que sólo se conoce a través de citas muy posteriores. También se menciona un instrumento parecido en un compendio musical del árabe Al Zirikli.

La zanfona es uno de los instrumentos que cita El Arcipreste de Hita, don Juan Ruiz (1283-1350). En su obra maestra del mester de clerecía, El Libro de Buen Amor, incluye una interesante relación de Instrumentos musicales utilizados durante este período anterior al Renacimiento; en los capítulos LI y LII, menciona:

...panderos, zamponnas, alboques, caramillo fecho de cana uera, cítola, atambores, guitarra, corpudo laúd, rabé gritador, trompas, annafiles...

A partir del siglo XVI pasó a manos de trovadores, juglares y mendigos. Su época dorada llegó en el siglo XVIII, especialmente en la corte francesa del rey Luis XV, ya que ésta era la referencia de la moda en el resto de Europa. A partir del siglo XVIII la zanfona vuelve a manos populares, ya que en la música académica se imponen otros instrumentos de cuerda de mayor calidad (como los violines, las violas, los violonchelos y los contrabajos).
A mediados del siglo XVIII apareció en Francia la zanfona-órgano conocida como vielle organicée, que desapareció en poco tiempo.

Se le considera un instrumento resultado de la unión de la Sinfonia y Viola medieval realizados a partir de la caja de resonancia de un Laud o una Viola.

El Bodhran

2009-11-30T22:19:00.000+01:00

El Bodhrán es un tambor de marco (frame drum) irlandés. El diámetro del marco va desde los 25 a los 66 centímetros, mientras que la profundidad es de entre 9 y 20 centímetros. El tamaño más habitual emplea un marco de entre 35 y 45 centímetros de diámetro con una profundidad de unos 10 centímetros.

A un lado del marco se halla una membrana (o parche) tensada y clavada al marco mediante tachuelas. Tradicionalmente la membrana suele ser de piel de cabra, aunque actualmente es habitual encontrar bodhráin fabricados con pieles de otros animales como el canguro o incluso materiales sintéticos como el kevlar. El otro lado del marco queda abierto. Una o dos barras cruzadas en el interior del marco fortalecen su estructura.

Algunos bodhráin modernos para uso profesional emplean tensores mecánicos que permiten variar la tensión del parche, similares a los empleados en los tambores de las baterías.

Habitualmente se toca sentado, sujetándolo en posición vertical entre el antebrazo y el tronco, con el marco reposando sobre la rodilla, al tiempo que la mano se introduce por el lado abierto del tambor entre las barras cruzadas y la membrana, reposando sobre el lado interior de la piel, lo que permite controlar ligeramente la tensión del parche y variar el tono.

El tambor se toca con la mano libre, bien golpeándolo directamente con la mano desnuda o bien empleando una pieza de madera llamada baqueta (en inglés tipper o beater).

Hay numerosas formas de tocarlo, siendo la mayoría de los estilos denominados con el nombre de la región de Irlanda de donde se originaron. El más común es el estilo Kerry, que usa una baqueta doble.

Aunque común en Irlanda, el bodhrán ha ganado popularidad en el mundo de la música celta, especialmente en Asturias, Bretaña, Galicia y Escocia.

Uilleann pipes

2009-11-30T22:16:00.000+01:00

Uilleann pipes (ilan paips) o gaita irlandesa es un instrumento irlandés de la familia de las cornamusas (gaitas).
Esta gaita es tal vez la más completa. Uno de los mejores músicos de este instrumento fue Seamus Ennis. Existe en Irlanda una organización llamada Na Piobairi Uilleann dedicada a las uilleann pipes.
Comúnmente está afinada en Re mayor, aunque también llegan a encontrarse en Do mayor y Si mayor.

Sus partes son:

- Fuelle: este se utiliza para inflar la bolsa sin necesidad de soplar y se coloca entre el brazo derecho y la cadera.

- Bolsa: esta recibe, almacena y distribuye el aire que llega del fuelle a los distintos tubos de la gaita y se coloca entre el brazo izquierdo y la cadera.

- Chanter: este es el tubo principal y está conectado a la bolsa directamente, produce el sonido con una caña o lengüeta.

- Tronco Principal: está conectado a la bolsa y distribuye el aire a 6 tubos más: 3 roncones y 3 reguladores.

- Roncones: son 3 (tenor, barítono y bajo) y producen una sola nota de fondo cada uno.

- Reguladores: son 3 (tenor, barítono y bajo) y tienen llaves que permiten hacer acordes, son tocados con la parte de abajo de la mano derecha mientras ambas tocan el chanter.

La punta o extremo inferior del chanter debe siempre estar firmemente recargado en el muslo, cerca de la rodilla para que no escape aire por ahí; sólo se destapa para tocar el Re grave o para ciertas técnicas. Sus notas van desde el Re grave, pasan por un Re medio y llegan a un Re agudo; tiene 2 octavas completas. Para la segunda octava debe ejercerse una fuerza mayor en la bolsa. Sus notas son Re grave, Mi g, Fa# g, Sol g, La g, Si g, Do# g, Re medio, Mi m, Fa# m, Sol m, La m, Si m, Do# m y Re agudo.

Los roncones producen la nota Re. El roncón tenor toca un Re de una octava abajo al Re grave del chanter; el barítono un Re de una octava abajo al Re del tenor, y el bajo un Re de una octava abajo al Re del barítono. Un roncón puede apagarse individualmente cerrando su salida de aire con el dedo por unos segundos, después ya no sonará; para que suene de nuevo debe hacerse casi lo mismo: colocar el dedo en la salida de aire del roncón y ejercer una ligeramente mayor presión en la bolsa.

Los reguladores suenan presionando una llave en cada uno, pudiendo tocar una sola nota o acordes o incluso acordes rítmicamente. Entre el tenor y el bajo hay una octava de diferencia; el barítono está en medio. El tenor tiene 5 llaves y con cada una produce una nota; estas son: Fa#, Sol, La, Si y Do. El barítono tiene 4 llaves y sus notas son: Re, Fa#, Sol y La. El bajo tiene 4 llaves y sus notas son: Sol, La, Si y Do.

Las técnicas que se usan en el chanter para adornar o complementar son las siguientes (están en inglés porque no tienen traducción): cut, roll, slide, pop, triplet, trill, hard D, vibrato, ghost D y cran.

Los roncones no tienen técnicas especiales.

Los reguladores tienen unas pocas (algunas en inglés) que son: hold, tap, syncope y tocar arpegios con dedos.

De entre los géneros de música tradicional irlandesa que se tocan con las uilleann pipes están: slow air, mazurka, double jig, polka, hornpipe, reel, set dance y slip jig.

5 Gaiteros asturianos.

2009-11-30T22:14:00.000+01:00

Aqui os dejo una pèqueña seleccion de virtuosos de la gaita de mi tierra.
En entregas sucesivas iremos descubriendo mas,confio en que os gusten.

Clannad - Theme from Harry's Game (directo 2007)

2009-11-30T22:11:00.000+01:00

Una de las mayores joyas musicales del folk de avanzada factura...

Imtheochaidh soir is siar
** I will go east and go west
A dtáinig ariamh an ghealach is an ghrian
** From whence came the moon and the sun

Fol lol the doh, fol the day
Fol the doh, fol the day

Imtheochaidh an ghealach's an ghrian
** The moon and the sun will go
An duine óg is a cháil 'na dhiadh
** And the young man with his reputation behind him

Imtheochaidh a dtáinig ariamh
** I will go wherever he came from
An duine óg is a cháil ne dhiadh
** The young man with his reputation behind him

Alan Stivell - Chemins de Terre

2009-11-30T22:09:00.000+01:00

Aqui os dejo el album completo. Una autentica delicia,disfrutadlo.

The Orchestral Tubular Bells

2009-11-30T22:02:00.002+01:00

Interpretacion de la version orquestal de 1974 en 1983,cuando se cumplia el decimo aniversario de Tubular Bells y el inicio de la carrera solista de Mike Oldfield.

Gryphon

2009-11-30T21:38:00.000+01:00

El multiinstrumentista Richard Harvey y si compañero del «Royal College of Music», el graduado Brian Gullant, comenzaron como un grupo que mezclaba varios instrumentos acústicos, y tenía influencias de música folk inglesa y medieval. Poco después, el dúo estuvo acompañado por el guitarrista Graeme Taylor y el baterista / percusionista Dave Oberle

.
Después de su debut titulado con el mismo nombre de la banda, comenzaron a incluir guitarras eléctricas y teclados, así como instrumentos de viento, tales como el fagot y el cromorno.
Después de su tercer álbum («RED QUEEN TO GRYPHON THREE») y la posterior gira como teloneros de YES, su instrumentación se hizo más comercial y el uso de instrumentos no convencionales se redujo.
Fans y críticos en general, marcan a «MIDNIGHT MASHRUMPS» y «RED QUEEN TO GRYPHON THREE» (señalado anteriormente) como sus mejores trabajos.

Es una lástima que no hayan seguido produciendo, pues de haberlo hecho serían sin duda uno de los grandes dinosaurios de esta escena. En cambio permanecieron desconocidos, para ser re descubiertos sólo por la gente que se atreve a ir más allá.

Enlace a la pagina del grupo :

http://www.gaudela.net/gryphon/

Steeleye Span - Gaudete

2009-11-30T21:32:00.000+01:00

Fantastica la version de la obra sacra a manos de los Steeleye Span,liderados por la maravillosa Maddy Pryor...
Disfrutadlo,merece la pena...

The Smiths - There Is A Light That Never Goes Out

2009-11-30T21:04:00.003+01:00

En mi humilde opinión, una de las canciones más hermosas que se hayan escrito.

Escucharla de vez en cuando, me transporta a través del espacio y del tiempo, cuando todo empezó y creíamos que éramos dioses inmortales.

Mike Oldfield - Hymn to Diana (Incantations parte 4 )

2009-11-30T20:58:00.001+01:00

Sigur Rós

2009-11-30T20:17:00.002+01:00

Sigur Rós es un grupo islandés de post-rock, con elementos de shoegazing y minimalismo. El nombre es islandés y signífica "rosa de victoria".

Sigur Rós estaba compuesto originalmente por Jón Þór Birgisson (Jónsi, guitarra y voz), Georg Hólm (Goggi, bajo) y Ágúst Ævar Gunnarsson (batería). Posteriormente en 1999 ingresó a la banda Kjartan Sveinsson (Kjarri, teclado) para la publicación de Ágætis byrjun. En 1999, Ágúst Ævar Gunnarsson abandonó el grupo tras la grabación de Ágætis byrjun, siendo reemplazado por Orri Páll Dýrason (batería). Jón Þór Birgisson (Jónsi), Georg Hólm y Ágúst Ævar Gunnarsson formaron el grupo en Reykjavík, Islandia, en agosto de 1994. El nombre del grupo fue tomado de la hermana menor de Jónsi, llamada Sigurrós, la cual nació el mismo día. El grupo pronto ganó un contrato con la discográfica local, Bad Taste. En 1997, lanzaron Von (Esperanza) y en 1998 la colección de remezclas Von brigði (Vonbrigði significa en islandés "decepción", pero Von brigði significa "alteración de la esperanza"). En inglés, el álbum Von brigði es conocido usualmente por su nombre alternativo, "Recycle Bin", que significa Papelera de reciclaje.)

El reconocimiento internacional llegó en 1999 con el lanzamiento de Ágætis byrjun (Un buen comienzo), para lo cual el grupo integró a Kjartan Sveinsson.

En octubre de 2003, Sigur Rós junto con Radiohead compusieron música para la pieza de danza de Merce Cunningham, llamada Split Sides; las tres canciones de Sigur Rós fueron llamadas Ba Ba/Ti Ki/Di Do y fueron lanzadas en marzo de 2004. En octubre de 2004, el primer álbum de 1997, Von fue puesto finalmente en venta en Estados Unidos y el Reino Unido. Su último álbum, Takk... (Gracias...), fue lanzado el 3 de septiembre de 2005, con la descarga legal de su primer sencillo, Glósóli, publicado el 15 de agosto. Para los fanáticos de norteamérica, Sæglópur fue puesta a disposición para su descarga el 16 de agosto. Hoppípolla, el segundo sencillo oficial de Takk..., fue lanzado el 28 de noviembre junto con una nueva remezcla de estudio de Hafssól, una canción que fue previamente lanzada por la banda en el primer álbum de 1997, Von. a finales del 2005 lanzaron el EP de Sæglópur, el cual incluye dos cd el primero con tres temas nuevos y el segundo con tres videos. El grupo también ha escrito el libreto del video musical Sæglópur, que fue dirigido por ellos.

Recientemente han publicado el último álbum de estudio "Hvarf-Heim" (2007).

El 23 de junio de 2008 se lanzó mundialmente a la venta su nuevo disco með suð í eyrum við spilum endalaust ( en español: Con un zumbido en la oreja tocamos eternamente), grabado a principios de año. Su nuevo video del tema Gobbledigook ya se puede ver en los canales de música o en la propia página de Sigur rós, donde también se puede descargar gratuitamente la canción.

Sigur Rós ha vendido cerca de dos millones de álbumes alrededor del mundo.

Álbumes

* Von, 1997. * Von brigði, 1998. * Ágætis byrjun, 1999. * ( ), 2002. * Takk..., 2005. * Hvarf-Heim, 2007. * Með suð í eyrum við spilum endalaust, 2008.

Sencillos

* Svefn-g-englar, 1999. * Ný batterí, 2000. * Steindór Andersen / Rímur EP, 2001. * Untitled #1 (A.K.A. Vaka), 2003. * Ba Ba/Ti Ki/Di Do, 2004. * Glósóli, 2005. * Sæglópur, 2005. * Sæglópur(Japan Tour CD), 2005. * Hoppípolla, 2005. * Hljómalind, 2007. * Gobbledigook, 2008.

Otros:

* Smekkleysa í hálfa öld, 1994. * Popp í Reykjavík (álbum), 1998. * Popp í Reykjavík (película), 1998. * Englar alheimsins (álbum), 2000. * Englar alheimsins (película), 2002. * Hlemmur (banda sonora) 2002.

Colaboraciones

* Vanilla Sky, 2001. * The Loss Ness Kelpie, 2002. * Hrafnagaldur óðin´s (Odin´s Raven Magic), 2002. * The Album Leaf: In a Safe Place, 2004. * Síðasti Bærinn, 2004. * Immortel (ad vitam), 2004.

Nuevo Material:

* Hlemmur DVD+CD, julio 2007.

Incluye el documental del mismo nombre junto con la banda sonora compuesta enteramente por la banda.

* Hvart-Heim Doble CD, Noviembre 2007.

Albúm doble, Hvarf contiene versiones de estudio de canciones que no han sido lanzadas (exceptuando a "Hafsól") y Heim incluye versiones de estudio acústicas.

Peter Gabriel

2009-11-29T22:23:00.001+01:00

Peter Brian Gabriel, (n. 13 de febrero de 1950, Chobham, Inglaterra), es un músico inglés de rock. Se hizo conocido como miembro de la banda de rock progresivo Genesis, que fundó cuando era estudiante de la escuela secundaria Charterhouse, con sus compañeros Tony Banks, Anthony Phillips y Mike Rutherford. Tras publicar el disco "The Lamb Lies Down on Broadway", el séptimo del grupo, Gabriel decidió dejar el grupo por diferencias artísticas y personales, siendo el único miembro de la banda con familia; no hubo ruptura personal y las buenas relaciones con sus antiguos compañeros permitieron la colaboración de varios de ellos a lo largo de la exitosa carrera solista de Gabriel.

Su primer éxito fue el sencillo "Solsbury Hill", una canción autobiográfica en la que expresa sus sentimientos al dejar Genesis. Aunque logró éxito crítico y aceptable éxito comercial desde temprano en su carrera solista, (p.e. "Games Without Frontiers" de su tercer álbum y "Shock the Monkey" del cuarto), Gabriel logró el máximo éxito comercial y popularidad con las canciones de su disco de 1986 So, en particular "Sledgehammer." Su siguiente disco, "Us", producido seis años después, reflejó los problemas personales que atravesaron la vida de Gabriel (su divorcio y una relación fallida con la actriz Rossanna Arquette), y si bien tuvo un éxito menor con "Steam", no fue comparable en ventas con el "So"; el año 1989 Gabriel compuso e interpretó su segunda banda sonora para cine, "Passion", para La Última Tentación de Cristo de Martin Scorsese, una obra de altísimo nivel.

Tras un hiato de siete años, Gabriel regresó con la puesta en escena para el Domo del milenio, en Londres, llamada "Ovo", en el 2000; la música para la película "Rabbit Proof Fence" el 2001 y finalmente su disco "Up", de éxito menor. También colaboró en el año 2004 con el tema central del juego Myst IV: Revelation, con "Curtains", cara B del single "Big Time" procedente del álbum So.

En los inicios de su carrera solista, Gabriel se negó a ponerle títulos a sus discos, considerándolos más bien ejemplares de una revista. Sólo la presión del sello distribuidor en Estados Unidos puso un título en el cuarto disco ("Security") y lo obligó a ponerle títulos a sus discos desde el quinto (So). Para identificarlos se suele recurrir al número de orden o a detalles de la carátula; en realidad existe un tácito acuerdo entre todos los fans para llamar al primero, segundo y tercer discos como Car, Scratch y Melt respectivamente. Peter Gabriel tiene dos hijas de su primer matrimonio, Melanie y Anna, y un hijo, Ralph Isaac, del segundo. Melanie fue cantante de apoyo en el tour Growing Up, y está iniciando una carrera solista. Anna realizó la película Growing up on tour: a family portrait.

Peter Gabriel es uno de los fundadores de On Demand Distribution (OD2) y co-fundador con Brian Eno de MUDDA, "magnificent union of digitally downloading artists".

En la década de los 80 fue pionero en la fusión con todo tipo de músicas étnicas y no es extraño encontrar en sus temas percusiones de absoluta inspiración africana, y guiños a otras culturas. Sobresaliente en ello resulta su álbum Passion.

De hecho la figura de Peter Gabriel se encuentra estrechamente ligada a los festivales WOMAD, y su éxito con el álbum So le permitió fundar la discográfica Real World que ha permitido grabar discos y difundir su música a autores de todos los lugares de la tierra.

Más allá de tener la mera condición de músico, Peter Gabriel ha estado comprometido a lo largo de casi toda su carrera con los problemas sociales más variados, tales como la discriminación en Sudáfrica, haciendo oír su voz a menudo en los foros internacionales. En la actualidad colabora con el movimiento que pretende el reconocimiento de los derechos a los simios.